Tejedor nacido en Suiza y radicado en Texas Anya Morivatis Su fascinación por los espacios naturales y construidos, en particular su impacto en la percepción humana, ha dado forma a su viaje creativo. Después de estudiar permacultura en California, finalmente se dirigió a Taos, Nuevo México. Allí, Moliviatis fue aprendiz de un maestro tejedor, perfeccionando sus habilidades y profundizando su enfoque en los materiales.
Era una época de cambios y la artista se dio cuenta de que esta actividad no era sólo un pasatiempo, sino su vocación. «Cuando toqué el telar por primera vez, sentí que todo estaba alineado», dice Moliviatis. «A través del tejido, he encontrado una manera profunda de utilizar la textura, el color y la fibra para transformar un espacio y mejorar la experiencia sensorial».
Anya Morivatis
Moliviadis buscó fabricantes y estudios que coincidieran con su visión, pero ninguno coincidía con el enfoque innovador que la artista tenía en mente. Utilizando el tejido como una herramienta con un potencial sin explotar, formó su Estudio del mismo nombre. 2021. Su trabajo continúa generando interés ya que cada pieza ofrece una calidad táctil que falta en el entorno moderno actual.
Hay una colección de cuadernos y cuadernos de bocetos repartidos por el estudio, mientras Moliviatis escribe o esboza ideas en cuanto las recibe. Escribir a mano le permite conectarse con conceptos de forma física, en lugar de perderse en archivos informáticos masivos.
Cada elemento de la artesanía cuenta la historia del paisaje del que provienen. Esta es la razón por la que Molyviatis se encuentra a menudo al aire libre. «Cuando necesito desconectarme del trabajo y reiniciarme, recurro a la naturaleza; nadar y hacer senderismo son mis actividades favoritas», señala. «Estas experiencias son cruciales para alguien como yo, que pasa la mayor parte del día en el estudio, rodeado de telares, hilos y mentes creativas. El ritmo natural está arraigado y proporciona un contraste necesario con la intensa concentración que se requiere para tejer.
Hoy nos acompaña Anya Molyviatis viernes cinco!
Foto: Cortesía de Masuda Akihisa construcción mundial
1. Casa de té de Fujimori Terunobu
Siempre he admirado el trabajo de Fujimori, particularmente su capacidad para incorporar técnicas de construcción tradicionales japonesas de una manera interesante e imaginativa. Me encanta que invite a personas de todos los ámbitos de la vida a ayudar a construir su casa de té, creando una experiencia comunitaria en torno a su arquitectura. Lo que más me fascina es su enfoque reflexivo sobre cómo experimentamos el espacio. Fujimori diseñó la casa de té para cambiar la forma en que normalmente se ingresa, haciendo que el viaje al espacio sea una parte integral de la experiencia. Ya sea subiendo una escalera o cruzando una puerta única, estos cambios sutiles en la forma de entrar pueden cambiar su relación con el espacio mismo. Sus obras, ya sea que estén ambientadas en áreas silvestres remotas o en paisajes urbanos, siempre evocan una sensación de asombro, combinando la tradición con una cualidad onírica. Fujimori teje hábilmente magia en sus diseños que son a la vez elegantes y accesibles, inspirando curiosidad y, lo más importante, haciendo sonreír a todos los que encuentran sus creaciones. Para mí, eso es muy poderoso.
Foto: proporcionada por con pérdida
Cuando comencé a profundizar en las infinitas posibilidades del color y a intentar crear mis propios compuestos, descubrí el trabajo del Unseen Lab de Lauren Bowker que tuvo un gran impacto en mí. Bowker es una de las pocas personas que construyó su propio laboratorio desde cero y mantiene la propiedad total de su trabajo innovador. Química y diseñadora textil, combina hábilmente estos campos para ampliar continuamente los límites del diseño, con especial énfasis en la creatividad y la conciencia ambiental. Su trabajo hace que el futuro sea esperanzador y realista. Me inspira cómo continúa redefiniendo el potencial de la innovación textil y de color. Aspiro a crear un trabajo que traiga el futuro al presente como ella lo hace.
Jay Nelson fue uno de los primeros diseñadores que encontré que abordó la arquitectura con tanta belleza y autenticidad. Me encanta su trabajo, es exclusivo de él y admiro cómo reutilizó autos viejos usando secuoyas recuperadas. Casi tuve la oportunidad de hacer prácticas para él, pero no pude ir a San Francisco porque estaba terminando mi aprendizaje de arquitectura. ¡Fue entonces cuando descubrí el tejido! Nelson es un verdadero artesano y me encanta su energía relajada. Ya sea su casa, su instalación o su vehículo de aventuras, puedes sentir su pasión por la vida en cada proyecto. Sus obras evocan una sensación de aventura y te dan ganas de adentrarte en su mundo. Es realmente poderoso cuando un diseñador puede inspirarte de esta manera. Hay una elegancia poética en sus creaciones que trasciende la típica estética de aventuras, y también admiro sus colaboraciones con marcas como Patagonia.
Foto: proporcionada por Tokio
Me ha influido profundamente el trabajo visionario de Brian Eno con la luz y el sonido. Cuando era niño me inspiré en sus cajas de luz, lo que me llevó a crear algunas propias. Siempre me ha fascinado su capacidad para darle color a la vida. Ya sea música o arte visual, todos encarnan la misma energía vibratoria. Sus pinturas son musicales y su música es pictórica. La profunda comprensión de Eno sobre el diseño sensorial continúa inspirando mi proceso creativo. Aunque no he visto el documental Eno de Gary Huthwaite, espero que profundice mi conexión con su espíritu. La esencia de su trabajo surge de la simplicidad y el poder de la presencia, un aspecto que ha dado forma en gran medida a mi viaje artístico mientras me esfuerzo por encontrar presencia en mis creaciones. En última instancia, gira en torno al poder de la conexión y la vibración.
La foto de arriba es de una de mis exposiciones favoritas en la que aparecen sus cajas de luz. En 2014, Eno creó una serie de seis obras de caja de luz que exploran la relación entre composiciones musicales y paisajes de color generados de manera fluida y producidos mediante luces LED entrelazadas. Su obra de arte es una exploración de la manipulación del tiempo, sin principio ni fin. Refleja la forma sin requerir representación física. Para Eno, la pintura con luz y el diseño sonoro van de la mano, animándonos a estar quietos y vivir el momento. Como él mismo dice: “Cuando hay un cuadro en la pared, no sentimos que nos lo estamos perdiendo por no prestar atención, pero aún esperamos cierto tipo de dramatismo. La música y los vídeos cambian, pero cambian muy lentamente, por lo que no importa si te pierdes un poco.
Foto: proporcionada por diseño puro
Una de las exposiciones que me fascina por completo es la Rueda Errante de Merrell. Como marca de calzado para actividades al aire libre líder en el mundo, Merrell lleva su misión de conectar a las personas con el aire libre a nuevas alturas con esta instalación de arte interactiva. Wander Wheel está abierto al público durante un fin de semana (del 27 al 29 de septiembre de 2024), transformando Studio 525 en Chelsea en un viaje de inmersión en la naturaleza. Creada en asociación con PLAYLAB, INC., la instalación permite a los visitantes explorar cuatro entornos naturales diferentes en todo el mundo sin salir de la ciudad de Nueva York.
Como artista cuyo trabajo y enfoque conceptual del tejido se basa en combinar el entorno natural con los espacios interiores, este proyecto resonó profundamente en mí. Es a la vez sorprendente e increíblemente inteligente, y habla de la intersección de la naturaleza y el arte de una manera que pocos lo han hecho.
Obras de Anya Molivaitis:
Exposición sumergida 2024\\\ Foto: Cortesía de SCAD MOA
Elevando la exposición\\\ Fotografía: Anya Molyviatis
Elevando la exposición\\\ Fotografía: Anya Molyviatis
