Este artículo cuenta la historia de los Knicks, el profundo druida gnomo del círculo de esporas. Originalmente era el personaje de dragón y dragón que interpretaba mi esposa en uno de nuestros deportes de fiesta. Los Knicks son un alma caótica. Ella es desordenada, caótica, obsesionada con los hongos, atrayendo constantemente lugares extraños y peligrosos para buscar hongos raros. Esta ilustración captura uno de esos momentos de aventura.
Primero diseñé el personaje, probé disfraces y consejos de personalidad. Los Knicks generalmente usan un atuendo completamente cubierto, pero me imagino que olvida la capa y está ansiosa por perseguir un hongo particularmente raro. Luego, me colé en la investigación, estudiando el chasis y sus residentes. MyCónids, criaturas similares a los hongos, se sienten como el complemento perfecto tanto visual como temáticamente.
A partir de ahí, trabajé a través de la composición, la paleta, la iluminación y, en última instancia, la representación final. Aunque la historia parece simple, las ilustraciones narrativas son un desafío de varias capas. No se trata solo de crear una imagen hermosa, se trata de contar una historia que se puede leer de un vistazo.
01. Escriba los elementos centrales
Puede pensar que crear una ilustración está comenzando con el recoger un lápiz y el dibujo. Sin embargo, profundizar directamente en un concepto de su imaginación sin brevedad escrita a menudo conduce a la decepción.
Es por eso que primero describo la idea central: qué está pasando, quién es el protagonista, quién, quién o quién está en contra de ellos. Elegir una configuración clara es crucial, y el tiempo que realiza esta introducción valdrá la pena más tarde.
02. Tome referencia como punto de partida
Una vez que tenga un plan estructurado, puede ser más fácil visualizar lo que necesita dibujar. Por lo general, paso otras horas o dos de las referencias del partido para elementos clave de ilustración. Esto alimentó mi inspiración y llenó los huecos en mi conocimiento visual.
Nunca antes había pintado hongos, especialmente no hongos gigantes, por lo que es crucial estudiar fotos de la vida real. Durante este estudio, a menudo surgieron nuevas ideas, mejorando la riqueza del sitio
03. Haz que el protagonista se sienta real
Ya sea para videojuegos o juegos de rol de escritorio, necesitamos desarrollar un protagonista creíble. Trato con la creación de personajes, como la construcción de miembros del partido para RPG, definiendo su apariencia, perspectiva mundial, hábitos, historia y historia de fondo.
En este caso, he tenido un concepto bien desarrollado de la campaña de Dungeons and Dragons, lo que hace que sea más fácil para las personas imaginar escenas basadas en la naturaleza del personaje. Incluso al crear fan art, los personajes deben colocarse en situaciones que reflejen su historia de vida única.
04. Decide el tono
Elegir el tipo de ilustración juega un papel muy importante, ya que la misma situación puede interpretarse como comedia o drama basado en sus elementos visuales. Por lo general, baso mi personalidad en el protagonista.
Un ladrón de gnomo traviesos como los Knicks podría encontrarse en una situación ridícula, y un sombrío guerrero enano pierde sus camaradas en la batalla, un tono trágico. De cualquier manera, la audiencia debería poder sentir la atmósfera de los dibujos, ya sea peligro, victoria o la tensión actual.
05. Desarrollo detallado del personaje
En este punto, comience a visualizar sus pensamientos en una forma más detallada Arte conceptual. Por lo general, creo varios bocetos de cuerpo completo para el protagonista, diseñando atuendos, proporciones, peinados y accesorios.
Cada uno de estos elementos afecta la composición final; Cuánto espacio ocupa el personaje, qué elementos se superponen y qué se mueve con el personaje. Este principio también se aplica a los oponentes en su historia.
06. Recuerda que la primera idea rara vez es la mejor
Por lo general, comenzaremos con una imagen psicológica aproximada que ilustra la apariencia de la escena, pero cuando se transfieren a un lienzo que la visión generalmente no puede soportar. Es por eso que estoy dibujando al menos cuatro miniaturas rápidas de la escena que expresan el mismo concepto, pero que también difieren en el fondo, la pose y el ángulo de la cámara.
Estos cambios ayudan a identificar la versión que mejor cuenta la historia y aporta claridad a la composición final.
07. Conviértalo en un boceto reflexivo
Ahora llevaremos nuestras ideas a un lienzo más grande. El boceto debe ir sin problemas, ya que hemos planeado el diseño de los personajes y los enemigos, la composición aproximada y los elementos ambientales clave. El entorno también es una herramienta de narración de historias, y la audiencia debe sentir dónde está ocurriendo la acción.
Agregué una montaña brillante en una cueva, y crecieron raros hongos. Aparentemente, una persona fue robada, y ahora el protagonista huyó del enorme bosque fúngico perseguido por el Guardián. Este entorno deja en claro la ruta, se suma a la escala de la fantasía y apoya el estado de ánimo de la historia.
08. Guíe los ojos de la audiencia para componer
Los protagonistas son el foco, por lo que los pongo cerca del centro y uso un sombrero de hongo brillante para llamar la atención. Quiero mantener el enfoque de la audiencia dentro de la imagen, por lo que evito las distracciones.
Comenzando con el protagonista, la atención cambia al pretendiente y luego usa líneas visuales naturales creadas a lo largo de la forma del borde izquierdo, los ojos se extienden a las colinas brillantes. A la derecha, la línea curva guía al público de regreso al centro para un bucle visual perfecto.
09. Agregue profundidad para atraer al público
Me gusta usar composiciones en capas para construir la profundidad, generalmente colocando una o dos capas de primer plano (A, B), la capa media (C) y dos o tres capas de fondo se desvanecen gradualmente en el cielo o las sombras de la cueva (D, E, F).
Deje que los ojos de la audiencia exploren el medio ambiente, estas capas las sumergen en la escena. Comience a probar este concepto durante la fase de miniatura, ya que es un gran espacio para empujar los límites creativos y agregar atmósfera.
10. Construya el estado de ánimo y el ambiente con luz y colores
Una de mis etapas favoritas es dar vida al mundo y los colores. A veces sabes exactamente qué paleta de colores quieres, pero se pueden probar múltiples combinaciones con miniaturas de color.
El color es subjetivo, pero la iluminación es estratégica porque llama la atención, aumenta el volumen y define las emociones. Use luces para grabar la escena para resaltar el enfoque y apoyar el tono emocional que desea que su audiencia experimente.
11. Renderizando con propósito y cariñoso
A partir de este momento, comience a renderizar y agregar detalles. La colocación de detalles estratégicos ayuda a guiar el enfoque de la audiencia. La parte más detallada de la ilustración suele ser la cara del personaje, generalmente el enfoque principal. También debe representar cuidadosamente accesorios y ropa que expresen su personalidad o estado.
Los caracteres secundarios se pueden dibujar con menos precisión, y cualquier elemento de fondo será más abstracto. De esta manera, la audiencia sabe dónde mirar primero, al tiempo que percibe un mundo plenamente realizado alrededor de la acción central.
12. Crea una sensación de movimiento
Todo sobre el personaje debe fortalecerse, por lo que exageré la postura de la carrera de los Knicks para que su movimiento sea aún más intenso. Su cabello y ropa fluían, rebotaban, polvo y piedras esparcidas bajo sus pies. Cuantos más elementos visuales se usen para implicar el movimiento, más dinámicas aparecen los personajes.
13. Cambiar el enfoque para soportar personajes
Agregué tres criaturas inteligentes de hongos, a saber, MyCónids, como el cazador de Nix. Aunque la construcción es similar, todos se mueven a su manera única. Sus posiciones escalonadas aumentan los cambios y enfatizan la urgencia, mientras que todas siguen la misma dirección, ampliando así la energía de búsqueda.
14. Entorno de desarrollo
Inclino la cámara ligeramente hacia arriba para colocarla en ángulo, lo cual es un truco común para agregar drama y urgencia. Mientras tanto, los hongos y piedras gigantes con líneas de flujo mejoran aún más la sensación de movimiento y el caos en la escena.
15. Sepa cuándo detenerse
Solía sobrecargar ilustraciones, especialmente en las etapas finales. Acercaré y puliré los trazos, nadie lo notará. Afortunadamente, aprendí a dejarlo ir.
Ahora, reviso la lista personal: composición, iluminación, claridad y narrativa. Si todo es consistente, lo llamo hecho y sigo avanzando. Como dijo sabiamente el creador de Inktober Jake Parker: «Está hecho, no es perfecto.
