Fotografiar paisajes puede ser un trabajo duro, a veces muy duro. En la mayoría de los casos, requiere levantarse antes del amanecer y, en ocasiones, trabajar en condiciones muy duras. La mayor parte del tiempo, permanecerás en el bosque hasta que oscurezca, esperando el momento adecuado, pero incluso con tus más valientes esfuerzos, es posible que ese momento no llegue. Tiene sentido, entonces, hacer todo lo posible para aumentar las probabilidades a su favor. Aquí hay algunas ideas sobre esto.
1. ¡Justo ahí!
Cuando la luz es adecuada y toda la atmósfera funciona, no hay nada mejor que rodar en exteriores. Había un viejo dicho entre los fotógrafos de los años cuarenta y cincuenta: «f/22 está ahí». Explora bien tu ubicación. Normalmente vuelvo a un lugar favorito varias veces durante diferentes estaciones del año hasta que me familiarizo con el lugar. Conozco sus secretos: dónde están las cosas y cómo las ilumina la luz en diferentes momentos del día y en diferentes estaciones del año.
2.La luz lo es todo
Observe la luz: qué es, qué hace, cómo revela formas y cómo oculta detalles no deseados. Dicho esto, hay algunas cosas que debemos tener en cuenta sobre la luz.
El primero es la cantidad. ¿Cuánta luz ambiental tiene la escena? Los fotógrafos deben comprender su cámara y sus capacidades para realizar los ajustes necesarios para garantizar que la cantidad de luz que ingresa a la lente y pasa a través de la película o el sensor sea la cantidad requerida para una exposición óptima. Si el fotógrafo usa película en blanco y negro (que es mi preferencia), entonces debe entrar suficiente luz en las áreas de sombras más oscuras para crear una imagen imprimible. Cuando trabajan digitalmente, los fotógrafos deben prestar mucha atención a las sombras para preservar los detalles en estas áreas. Si se produce un recorte de negro, la exposición no será suficiente para mostrar los detalles de las sombras, incluso utilizando datos sin procesar de la cámara. Debemos entender la cantidad de luz que se permite pasar a través de la cámara y llegar al soporte en el que se graba la imagen.
Por otro lado, se debe tener cuidado para garantizar que haya suficiente separación de tonos para que los detalles puedan imprimirse en las luces. Si se produce un «recorte blanco», como se muestra aquí en el histograma, la imagen tendrá áreas grandes sin detalles. Es mejor tener detalles y no usarlos que no tener detalles y necesitarlos. En mi mundo, conseguir una buena exposición lo es todo.
Lo siguiente es la calidad de la luz. La luz tiene dos propiedades diferentes: luz espectral y luz difusa. La luz espectral proviene de fuentes de luz pequeñas o muy pequeñas. Cuanto más pequeña es la fuente de luz, más amplio es su espectro. Es conocido por proyectar sombras con bordes duros entre las áreas de sombra y luces. En mi experiencia, el uso de luz espectral puede producir imágenes muy dramáticas y expresivas. También puede resultar difícil de utilizar porque se debe prestar especial atención a la profundidad de las sombras frente al brillo de las luces. Ejemplos de luz espectral incluyen cuando el sol está directamente encima y no hay nubes ni interferencias atmosféricas. Cuando el cielo está despejado y no hay nubes, la luz puede ser muy espectral y tomar una gran fotografía de paisaje puede ser un desafío.
La luz difusa proviene de una fuente de luz más grande. Cuanto mayor sea la fuente de luz, más difusa será la calidad de la luz. Generalmente, es más fácil tomar fotografías agradables cuando la fuente de luz es difusa. Esto se debe a que la luz se distribuye de manera más uniforme por la escena y, cuando esto sucede, las sombras se rellenan y las luces se iluminan de manera más uniforme. Cuando el sol está en, cerca o debajo del horizonte, la fuente de luz ya no es el sol, sino todo el cielo abierto frente al área donde el sol sale o se pone. Se pueden describir miles de escenas diferentes; sin embargo, la mejor solución es observar el efecto de la luz sobre el sujeto.
Mi técnica favorita es combinar la luz solar directa con luz difusa. Aquí hay otra imagen donde combiné la arenisca blanca a lo lejos iluminada por la luz solar directa con la arenisca roja al abrigo del acantilado. Esta imagen me recuerda la forma en que las olas se rompen en la playa y luego regresan.
La dirección de la luz también es un factor importante a considerar. La dirección de la luz revela la forma y textura del sujeto, por lo que el fotógrafo debe prestar mucha atención. Pregúntese: «¿Esta dirección de la luz expresa mi visión de este material? ¿Sería mejor en un momento diferente del día o en una estación diferente?». Esta pregunta es una de las razones por las que seguimos regresando a un área. Hay muchas formas de ver un lugar determinado, y la forma que elijas de ver las cosas te ayudará a definir tu estilo personal. Esta imagen, Mirador de la Mesa Azul de Arizonase realiza al final de la tarde, aproximadamente una hora antes de que el sol llegue al horizonte. La luz que viene de esa dirección crea una especie de iluminación de borde que me gusta mucho.
3. Profundidad de campo
La profundidad de campo se refiere a una nitidez aceptable y a tener un primer plano, un medio y un fondo interesantes. Me gusta incluir información sobre cada área de interés en mis fotografías.
Mientras caminaba por la orilla de este gran lago en el norte de Montana, empezó a llover y me refugié bajo un árbol muy grande. Estaba pensando que sería realmente genial si las nubes bajaran lo suficiente como para permitirme aislar bien el istmo bordeado de pinos de las montañas detrás de él, ya que todos se mezclan en un objeto feo. En ese momento, una nube comenzó a moverse hacia abajo y se formó una mancha suave en el lago, proporcionando interesantes detalles de textura en primer plano. Así que terminé con detalles en primer plano, en medio y en segundo plano. Las mareas negras de petróleo en estos lagos muy grandes son causadas por agua de lluvia más fría que comienza a caer, lo que hace que el agua más cálida debajo de la superficie se mueva hacia arriba. La naturaleza es fascinante.
4. Ignora las reglas de composición
He visto a demasiadas personas limitar todas sus fotografías a adherirse estrictamente a la «regla de los tercios», cuando les conviene más tomar fotos desde el corazón y hacer una declaración emocional en lugar de seguir reglas arcanas que no entienden.
5. Presta atención a las obras de los maestros.
Por mucho que admiro el trabajo de Ansel Adams, también admiro mucho el trabajo de otros maestros fotógrafos de paisajes. Conviértete en un alumno de estos fotógrafos hasta convertirte en un experto en su trabajo, sin imitarlos, sino colocándote sobre sus hombros y elevándote por encima de ellos.
6. Ten paciencia
La fotografía de paisajes requiere mucha suerte, mucha planificación y una relación cercana con el área en la que estás trabajando, mucha paciencia o todo lo anterior.
7. El clima es tu amigo
En muchos casos, cuanto peor sea el tiempo, más conviene salir (dentro de lo razonable, por supuesto). Nunca recomendaría interponerse en el camino de un tornado EF5 o cualquier tornado. Tampoco recomiendo salir en un huracán. Sin embargo, se pueden tomar excelentes fotografías de paisajes a medida que la tormenta se acerca o se aleja. Sin embargo, la seguridad siempre es lo primero.
Me gustan especialmente las estructuras de nubes y las fotografío a menudo, no como un elemento para agregar a una foto, aunque lo he estado haciendo durante años, incluso antes de que tuviéramos la conveniencia de Photoshop, sino simplemente como elementos hermosos por derecho propio.
pensamientos finales
A lo largo de los años he aprendido que nadie ve las cosas como tú. Evite las críticas excesivas. Si lo único que alguien tiene que decir son cosas negativas y desagradables, no merecen la pena. Sé tú mismo. Tome las fotografías que le gusten y luego dígale al crítico que se ocupe de sí mismo: no tiene tiempo. Tomar consejo cuando sea necesario; Si lo hace, podrá avanzar rápidamente. No vivirás lo suficiente para cometer todos los errores, por lo que es aconsejable prestar atención a los profesores y mentores. Sin embargo, una buena crítica siempre discutirá tanto lo positivo como lo negativo, y enmarcará lo negativo de una manera que lo anime y lo ayude a crecer. Sé tú mismo, fotografía lo que te conmueve, no intentes ser otra persona.
