LONDRES – ¿Quiénes eran, o mejor dicho, qué eran, Gilbert y George? George Pasmore (el más alto), nacido en Gran Bretaña, y Gilbert Prusch (el enano italiano de Sankt Martin de Tor en Tirol del Sur) se conocieron en 1967 en la Academia de Arte de St. Martin. En 1969, se pusieron trajes de estilo retro (un traje de tres piezas de tweed se convirtió en su uniforme), se cubrieron con pintura metálica de colores y cantaron «Under the Arches». Esta es su primera versión como obra de arte. Desde entonces, el excéntrico dúo, vestido con trajes británicos de época, ha vivido y trabajado juntos en el este de Londres en lo que es quizás uno de los ejemplos más antiguos, completos y duraderos de arte escénico. Hablan como uno solo, se casan y casi siempre aparecen juntos, pero siempre como un arte propio.
Se podría pensar que el problema de ser una obra de arte es que es financiera y prácticamente insostenible como profesión (al menos sin una demanda de esculturas cantantes que dura décadas). Entonces, por necesidad, recurrieron a la producción visual: grandes fotomontajes compuestos por paneles más pequeños, como vidrieras, siempre protagonizados por dos hombres. A juzgar por las instituciones crediticias nombradas en la investigación de 25 años de la Galería Hayward, Gilbert y George: imágenes del siglo XXIestas obras han demostrado ser coleccionables. La lista incluye Hong Kong, la Tate Gallery, la Colección de Hamburgo, el Museo de Arte de Hong Kong y más. Museo de Bellas Artes de Houston; y varias colecciones privadas (curiosamente, varias en Viena), entre otras.
Rachel Thomas, curadora en jefe del Roden Hall, y las curadoras asistentes Suzanna Petot y Hannah Martin parecen haber colocado las obras de acuerdo con las formas de las paredes existentes, ya que las paredes inusualmente espaciadas y de tamaño inusual del Museo Hayward están llenas de gente. No hay títulos que indiquen nombres, fechas y propietarios, y las instalaciones no siguen un orden cronológico. Cada pieza tiene incrustado el año, el título y la firma del artista. El texto mural explica cómo Gilbert y George exploran «verdades fundamentales en el corazón de nuestra existencia: muerte, esperanza, vida, miedo, sexo, dinero, raza, religión». Ahí lo tienes. Los curadores intercalaron textos que explicaban cómo los artistas “utilizan imágenes sagradas para desafiar los sistemas de creencias religiosas” o “reconocer siempre la mortalidad”. Sus comentarios no tienen sentido, ya que las imágenes no funcionan tanto como un medio para explorar estos temas sino para perpetuar el concepto de Gilbert y George como una obra de arte o incluso una marca. Es impresionante que siempre se hagan llamar OG.
Aparecen en todas las obras, ya sea una cabeza colosal parecida a la de Mao de perfil de tres cuartos, un rostro que finge shock ante la cámara o una expresión frontal con los brazos extendidos en una bendición casi religiosa, ojos arrancados y resaltados sorprendentemente como tantas antiguas estatuas votivas. Se comportaban constantemente como dioses en sus ídolos, que tenían más que un atisbo de idolatría. Eso no quiere decir que estas imágenes sean propaganda: son descaradas, humorísticas, provocativas e irreverentes y, a veces, desgarradoras. El formato estandarizado de ventana con líneas negras recuerda a los paneles de dibujos animados y se combina con colores contrastantes y sobresaturados: aquí, Gilbert y George duermen en un banco del parque; Son grandes, vivaces y tienen suficientes referencias a temas importantes como el sexo, la muerte y la religión para cumplir todos los requisitos que un coleccionista contemporáneo podría desear. Parece como si hubieran hecho una edición de coleccionista solo para ellos.
Suficiente referencia, porque encaja con sus ruidosos eslóganes de «NO NAZIS», «GAY RIOTS», «¡A DIOS LE GUSTA FUCK! ENJOY» (todo en mayúsculas, naturalmente), impresos en el infame tipo de letra del estilo de los tabloides británicos, con ejemplos. Cartel utilizado a bordo A —Estas piezas no ofrecen más profundidad ni análisis que los periódicos que imitan. No ofrecen una postura o una explicación, ni siquiera un punto de partida, como intenta hacerlo gran parte del arte. Al igual que la escultura que canta, la imagen simplemente existe. ¿Qué tienen realmente que decir Gilbert y George sobre todas estas cuestiones extremadamente relevantes y alarmantes que aquejan a la sociedad? Querido, hacer esta pregunta no tiene sentido.
La adoración por Gilbert y George continúa en la tienda de regalos, donde la mercancía incorpora todos los elementos clave que conforman su marca: irreverencia descarada en cajas de promesas de madera («paga tu dinero y lárgate»), marcadores dobles (¿qué quieres decir con que no leerán el mismo libro al mismo tiempo?), cinta estilo policía adornada con «Homo riot» y un pin que dice «Free Dick». Un poco como Jeff Koons, que habla del significado de su obra como un auténtico vendedor de Pop Art con una sonrisa de Cheshire, hay que admirar la total devoción de Gilbert y George por su arte: un doble acto británico particularmente seco.
Gilbert y George: imágenes del siglo XXI La exposición continúa en la Hayward Gallery, Southbank Centre (Belvedere Road, Londres, Reino Unido) hasta el 11 de enero de 2026. La exposición está comisariada por Rachel Thomas, Suzanna Petot y Hannah Martin.
