Alfabetización femenina: programas basados en la empatía, los sistemas y la artesanía
En Custom Lane de Edimburgo, Doyenne Studio lanzó Feminine Literacy, exhibición Esto reposiciona el término “feminización” como un enfoque de diseño con importancia sistémica real. En lugar de vincularlo al estilo o la suavidad, los curadores lo describen como «Un enfoque colaborativo, descentralizado, no lineal, fluido, empático y holístico». Esta definición informa el trabajo de 28 diseñadoras internacionales femeninas y no binarias, que abarcan moda, productos, innovación de materiales y diseño de sistemas.
La exposición, que estará abierta hasta el 7 de diciembre de 2025, posiciona la alfabetización femenina como una perspectiva crítica y orientada al futuro para trabajar con materiales, ecosistemas y comunidades, reuniendo una amplia gama de trabajos que traducen estas ideas en Material y experimentación sistemática, desde cerámicas y biotextiles infinitamente reciclables elaborados a partir de residuos industriales, hasta ropa activada por organismos bioactivos, fibras británicas recicladas y biomateriales a base de quitosano arraigados en la artesanía gallega. La exposición cubre la población palestina Vasouna losa acústica que crece a partir de raíces de plantas y se basa en conchas de ostras específico alternativas, y arcilla Estructuras modeladas por formas geométricas naturales. También destaca proyectos que abordan desigualdades sociales y cuestiones de cuidado, ya sea a través de cristalería inclusiva, ropa sensorial para niños neurodivergentes, espacios de soldadura feminista, uniformes adaptativos o herramientas especulativas para el autocuidado íntimo.
existir diálogo Las cofundadoras de Doyenne Studio, Giulia Angelucci y Mara Bragagnolo, se unen a designboom para reflexionar sobre por qué este cambio parece urgente ahora. «El diseño se ha desconectado» nos dijeron, “Por lo tanto, ahora más que nunca se necesita un enfoque que dé vida”. Nos sentamos con los curadores para discutir los fundamentos teóricos de la exposición, sus ambiciones reproductivas y los desafíos y libertades de reunir múltiples perspectivas bajo una visión conceptual.
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Para fundadores Práctica de investigación y diseño liderada por mujeresGiulia y Mara, esta exposición fue la culminación de años de investigación sobre el futuro de la moda, los enfoques materiales y los marcos de diseño inclusivos. Sus antecedentes abarcan diseño espacial, dirección de arte, entornos olfativos e investigación de sistemas, uniéndose aquí para formar una voz curatorial rigurosa e intuitiva. Una de las provocaciones más obvias que surgieron de la exposición fue su afirmación: “El desperdicio, la extracción, la contaminación y la exclusión son todos intencionales” Por lo tanto, los diseños también poseen herramientas para reconfigurar los sistemas que los producen.
Planificación en cooperación con las siguientes organizaciones. Práctica comúnLa exposición se desarrolla a través de cuatro temas temáticos: sistemas holísticos, cooperación entre especies, cultura del cuidado y artesanía del futuro, cada uno de los cuales explora desde una perspectiva diferente cómo el diseño trasciende la extracción y la eficiencia. Como dijo el curador, las obras seleccionadas «Atrévete a imaginar y diseñar», Proponer alternativas a la producción lineal, la cultura material extractiva y los mitos de eficiencia que dan forma a las narrativas de diseño dominantes. Custom Lane es un centro de colaboración de diseño y fabricación desarrollado por GRAS, cuyo entorno refuerza el espíritu de espacio, práctica y futuro compartidos.
Lo que sigue es una exploración más profunda de estas ideas a través de nuestra conversación con Doyenne Studio, abordando la teoría ecofeminista, la artesanía como conocimiento ancestral, la interdependencia como método y los desafíos generativos de trabajar con múltiples voces dentro de un alcance conceptual. Siga leyendo para conocer nuestra discusión completa a continuación.
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designboom (DB): Usted define “femenino” como un enfoque de diseño en lugar de una estética de género. ¿Cómo llegaste a esta explicación? ¿Por qué es importante ahora?
Estudios Dean (DS): En el contexto de la exposición, femme se refiere a un enfoque colaborativo, descentralizado, no lineal, fluido, empático y holístico. La selección es la culminación de años de investigación sobre el futuro de la moda y la innovación en el diseño, con un enfoque particular en enfoques de color, productos y materiales con un pensamiento ecológico e inclusivo en su centro. Todos tenemos un lado femenino y masculino, y las mujeres y los diseñadores queer gravitan naturalmente hacia los métodos regenerativos porque están mejor equipados que los hombres para explorarlos a nivel social. El diseño se ha alejado de la idea de la interconexión de los impactos ambientales, sociales y políticos de las elecciones de diseño. Por lo tanto, ahora más que nunca se necesita un enfoque dador de vida. En última instancia, estamos diseñados para los seres vivos y, si nos permitimos explorar alternativas, la industria puede abordar las consecuencias de la exclusión, la contaminación y la sobreproducción.
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DB: ¿Cómo influyó la teoría ecofeminista en la selección y curación de obras para esta exposición?
DS: La exposición desafía el dominio de los hombres en nuestro diseño y nuestras vidas. Por enfoque masculino nos referimos a un enfoque lineal, competitivo, lógico y orientado a la productividad. Nuestro sistema actual está desequilibrado porque este enfoque requiere una contraparte femenina. Existe un vínculo entre esta práctica, alentada por ideologías capitalistas y patriarcales, y la creciente extracción, opresión y destrucción de especies, comunidades, paisajes y recursos. La teoría ecofeminista ilumina estas dinámicas y es hora de que incorporemos esta perspectiva en nuestras conversaciones sobre diseño. El desperdicio, la extracción, la contaminación y la exclusión son todos causados por el diseño, por lo que el diseño tiene un enorme potencial para resolver estos problemas. Las obras que seleccionamos en Feminidad tocan estos temas y se atreven a imaginar y diseñar de manera diferente.
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DB: ¿Puedes dar un ejemplo específico de un diseño en una exposición que refleje la interdependencia, el cuidado o el pensamiento sistémico?
DS: Cada uno de los proyectos que seleccionamos encarna estos temas, pero si tuviéramos que elegir algunos, sería: Resting Reef de Aura Murillo y Louise Skajem, un servicio funerario que le permite transformar las cenizas de su ser querido en esculturas oceánicas que dan vida, restaurar arrecifes de coral y crear rituales de muerte centrados en la vida. Co-Obradoiro Galego de Paula Camiña Eiras celebra la identidad cultural gallega combinando técnicas tradicionales de cestería con biomateriales innovadores elaborados a partir de subproductos de la pesca, mostrando en última instancia cómo la artesanía tradicional puede evolucionar para lograr un futuro regenerativo. Ignorance Is Bliss de Agne Kucerenkaite es un proyecto de diseño en curso basado en investigación que transforma desechos industriales y materiales secundarios en superficies cerámicas de alto valor para uso interior y exterior, reemplazando componentes fabricados en fábrica y reduciendo la necesidad de recursos vírgenes. La ignorancia es felicidad da a los residuos y al entorno construido una nueva identidad, al mismo tiempo que empatiza con la salud del planeta.
