Cuando el vídeo se convirtió en la principal forma de atraer la atención, el contexto de la fotografía empezó a desaparecer. Para sobrevivir, debe volver a ser un objeto, no un contenido.
Los días en que la fotografía definía la cultura visual están llegando a su fin. Reemplazó a la pintura, transformó la pintura y le dio al mundo una nueva forma de verse a sí mismo. Pero hoy su papel se está reduciendo rápidamente. Para mí, la señal más evidente es la presencia cada vez mayor de obras en vídeo en los museos de arte contemporáneo. Durante la última década, el vídeo se ha abierto camino de manera constante en los espacios de exhibición y los visitantes han comenzado a disminuir.
El vídeo se convierte en el estándar de visualización
El museo es sólo un puesto de avanzada, una parte visible de una transformación más amplia que no tiene relación directa con la fotografía o el vídeo en sí. Comenzó con el auge de Internet de alta velocidad, cuando procesar grandes cantidades de contenido de vídeo ya no era una limitación.
Una vez que la tecnología se volvió accesible, la gente empezó a prestar atención. Lo que la fotografía logra a través de decisiones compositivas complejas que requieren tiempo para digerir, el video lo logra al instante. Cuando las imágenes compiten por el tiempo en lugar del reflejo, la atención ocupa el lugar del significado. El resultado es que el mundo visual cambia más rápido de lo que imaginamos, pero recuerda menos de lo que parece. En los deportes, el enfoque es evidente. Cuanto más simple sea la percepción, más profundo será el compromiso.
En el flujo visual de los medios online, las imágenes estáticas ya no atraen la atención de las personas. Lo que antes se llamaba un “momento” es ahora una breve pausa entre dos cortes. No porque la fotografía sea mala, sino porque no se mueve. No sólo los espectadores se dieron cuenta de esto, sino también los algoritmos que ahora definen la visibilidad misma. Para los fotógrafos, esto significa trabajar en un sistema donde la visibilidad suele ser más importante que la vista.
Esta transición es natural. Los fotógrafos de paisajes intentan llamar la atención con colores exagerados y contrastes poco naturales, dejando poco de la escena original. Incluso los edificios parecen más dramáticos cuando las nubes se mueven a lo largo del encuadre. En todos los géneros, las imágenes estáticas pierden terreno frente al vídeo en la lógica rápida de las redes sociales, donde la inmediatez es más importante que la profundidad.
Cuando se imprimen revistas y periódicos, las imágenes existen en la página como parte del mundo físico. Hoy, incluso ese mundo está desapareciendo. Grand View Research predice que el mercado mundial de medios impresos caerá de 12.400 millones de dólares a 105.000 millones de dólares en 2028. En Estados Unidos, los ingresos por publicaciones están disminuyendo aproximadamente un 3% anual (IBISWorld). Incluso Vogue ahora imprime sólo ocho números al año, convirtiendo el papel de una rutina en un ritual. Existen versiones extendidas en línea, en aplicaciones y como suscripciones digitales. Esta transformación no es sólo económica o física; También cambia nuestra apariencia. Las imágenes están por todas partes ahora, pero resulta más difícil detenerse y verlas realmente.
No sólo las pantallas, la velocidad a la que consumimos imágenes ha cambiado el concepto de fotografía. En las redes sociales y revistas online la atención se mide más por el tiempo de visualización que por la composición. El vídeo encaja perfectamente con esta tendencia. Cuenta una historia en sí misma y capta la atención de la gente mejor que cualquier fotografía. Aquí es donde el cuerpo regresa. Aquí es donde la fotografía vuelve a importar.
La fotografía entra en un nicho de mercado
Hace cien años, el teatro y la ópera eran las formas más elevadas de artes escénicas, hasta que el cine las convirtió en un nicho. En mi opinión, la historia se repite. El vídeo ocupa ahora el espacio que antes ocupaba la fotografía. Se ha vuelto democratizado, barato y emocionalmente accesible. La fotografía, por otro lado, se convirtió en una forma más rara y exigente, significativa sólo cuando la calidad percibida superaba la cantidad de vistas.
Quizás, sin embargo, esto no sea una decadencia sino una transformación. Cuando la fotografía privó a la pintura de su función descriptiva, la pintura pasó por el mismo proceso. Los artistas abandonaron la representación para preservar la libertad y nació el modernismo. El teatro, la ópera y el ballet sobrevivieron a la competencia del cine: el público masivo acudió a las salas de cine, pero la forma de arte permaneció. La fotografía sigue el mismo camino. Todo lo que se puede explicar o replicar ha sido capturado. Su territorio se encuentra donde termina la narrativa y comienza la experiencia. Su público también cambió, de público masivo a conocedor, al igual que la ópera o el ballet.
Si antes “imprimir” significaba copiar, ahora significa afirmar la unicidad. El papel se ha convertido en la antítesis del vídeo en streaming. Restaura las proporciones, la textura y el silencio de la imagen. Las investigaciones de los últimos 15 años han demostrado que el ojo humano fija más y mantiene la atención por más tiempo cuando ve fotografías impresas. Incluso si el contenido es el mismo, los espectadores elegirán la versión impresa con más frecuencia porque les incitará a quedarse. Sin embargo, convertir las imágenes nuevamente en objetos también las convierte en privilegios. Cada vez menos personas pueden verlos, pero quienes lo hacen pueden quedarse más tiempo.
El nuevo rol del fotógrafo
Para el fotógrafo, la vuelta a la forma física lo cambió todo. Cambia el oficio en sí, desde llamar la atención hasta aprender a sostenerlo. En la pantalla, las imágenes son sólo parte de la interfaz. En una galería, se sostiene por sí solo: algo que te detienes y miras. Allí la fotografía recuperó una duración y una atención que ya no existía en el mundo digital.
La fotografía está cambiando de estatus. En línea, sirve al diseño, pero sólo en forma impresa se convierte en una cosa. Esta transformación le da no el pasado sino el futuro. El destino de la fotografía ya no depende de la tecnología sino de su entorno. Ahora, las cámaras pueden producir imágenes técnicamente perfectas que son claras y con colores precisos, pero esto ya no sorprende al espectador mientras navega por cantidades infinitas de información. Los algoritmos pueden capturar, generar y editar imágenes que son indistinguibles de la realidad. Pero no logran crear una interacción real entre las personas y las imágenes, un momento en el que la gente no viene para desplazarse sino para mirar.
Para sobrevivir, la fotografía necesita objetividad, una razón física para existir. Una impresión, una galería, una revista o un libro; un espacio; una audiencia: cualquier cosa que restablezca la presencia física. Queda una condición: ser lo suficientemente interesante como para que alguien se quede. Esto impone nuevas exigencias a los fotógrafos: comprender la interacción con la audiencia, trabajar con escala y dominar la tipografía. Una vez que amplías tus horizontes, te das cuenta de que las habilidades de rodaje y postproducción son, en el mejor de los casos, la mitad de tu carrera. En un mundo donde el vídeo domina el ciberespacio, la supervivencia pertenece a quienes pueden restaurar el peso, el lugar y el tiempo de una imagen.
Siempre hay una opción: centrarse en el vídeo y sumergirse nuevamente en el mar rojo de la competencia, o quedarse quieto y encontrar espacios más allá de las redes sociales y las imágenes digitales. Hacer ambas cosas al mismo tiempo puede resultar difícil de compaginar: la quietud y el movimiento rara vez pertenecen a la misma mirada. Quizás por eso la sensación de quietud de la fotografía es más radical que nunca.
