Cómo combinar bocetos tradicionales y Blender en el diseño de criaturas modernas
Este proyecto cuenta la historia de una pequeña criatura alada, gentil pero extraña, que lleva los recuerdos enterrados de una casa solitaria. Detrás de su cara sonriente se esconde un secreto bien guardado y sólo verdaderamente visible para los pocos pequeños residentes que aún viven en la casa.
Para mí, el diseño de criaturas es, con diferencia, una de las partes más creativas del arte imaginativo. Ya sea que uses Los mejores lápices para artistas. o bloquear el El mejor software de modelado 3Duna criatura puede adoptar cualquier forma: amigable, perturbadora o algo intermedio. Es este sentimiento de dualidad lo que los hace sentir vivos.
Cada criatura se convierte en un espejo de nuestras propias contradicciones: frágiles pero resistentes, familiares pero incognoscibles. Cada persona, criatura o criatura lleva consigo una colección privada de emociones y recuerdos que sólo le pertenecen a ella. Cuando intentamos representar algo en la página o en 3D, creo que es importante respetar la profundidad y complejidad del mundo al que respondemos.
No estoy tratando de ser demasiado técnico. En cambio, quiero centrarme en lo que más me importa como artista: la mentalidad. La tecnología surge de la práctica. Pueden existir líneas perfectas, pero sin intención detrás de ellas, no dicen nada.
01. Pensar Proyecto
El arte es un lenguaje visual, pero definir su camino con palabras puede ayudarnos a encontrar una dirección clara. A menudo es difícil saber cómo empezar el proceso creativo. Sólo tienes que sumergirte, escribir algo, anotar tus intenciones e intentar extraer una parte de ti mismo. Un proyecto suele comenzar con un borrador en una página en blanco.
02. Incorpora texto a bocetos.
Para mí, la primera fase de boceto es una parte fundamental del proyecto. Este es el más liberador y creativo, pero también el más decisivo para todo lo que sigue. Aquí tu intención es la más fuerte y es crucial mantenerla hasta el último paso. También uso mucho el “autodibujo”: simplemente dejo que el lápiz se desplace y me sorprenda.
03. Encuentra inspiración
Una vez que tus ideas estén escritas, es hora de convertir la idea vaga en algo tangible. Reúne inspiración y define tu lenguaje visual: época, estado de ánimo, etc. Elijo algo nostálgico, extraño, solitario. Para este proyecto, me inspiré principalmente en decorados de teatro, el expresionismo alemán y muñecos de trapo que evocan recuerdos de la infancia.
04. Entiende tu personalidad
Una vez que tu dirección esté clara, es hora de conocer realmente a tu amigo (o enemigo) imaginario. Una parte importante del desarrollo visual de un personaje es comprender sus actitudes, expresiones y gustos. ¡Ahora es el momento de ejercitar tus habilidades de actuación y meterte en el personaje!
05. De líneas a volúmenes
A continuación, haz que tu criatura sea real y dale forma. Para mí, esculpir es una continuación de la pintura, siguiendo las mismas reglas de comprensión del volumen, esbozando primero las formas principales y capturando rápidamente el contorno central antes de refinar los detalles en una segunda y tercera pasada. En mi caso mantuve el volumen muy simple ya que la criatura está cubierta de pelo.
06. Agregar detalles
Después de terminar de esculpir en ZBrush, lo llevé a Blender y agregué pelaje usando el sistema de nodos Native Geometry. Presto especial atención a cómo el pelaje añade ritmo y fluidez a la silueta de mi criatura. Me aseguré de que el pelaje estuviera sincronizado con el ritmo y los contornos de la criatura.
07. Posa a la criatura para que parezca realista.
Cuando quieres que tus criaturas se sientan vivas, la transición de la espontaneidad de la pintura a los aspectos técnicos del 3D puede resultar complicado rápidamente. ¡Así que es hora de darle vida a esta marioneta inanimada! Creé un esqueleto y lo apliqué a mi modelo, lo que me permitió posarlo libremente. La clave es encontrar el ritmo y los contornos que refuercen la personalidad de la criatura.
08. Coloca a tu personaje en el entorno.
Una vez que tu personaje esté posado, podrás integrarlo más en el entorno. Este paso añade profundidad, da una sensación de escala y nos ayuda a comprender a dónde pertenece. Empiezo con un boceto simple, luego agrego texturas, accesorios y finalmente iluminación. Es importante adoptar un enfoque paso a paso, al igual que el equipo establecido y el director de fotografía.
09. Ajusta tu estado de ánimo
¿Cómo defines la vibra adecuada para transmitir fielmente lo que quieres decir sin dejar de ser fiel al ideal original? Es importante recordar que con el arte conceptual de criaturas/personajes, debes hacer que el tema sea lo más legible posible y resaltar claramente tus elecciones de diseño para la audiencia. La atmósfera elegida ayuda a definir su personalidad y su hábitat. En mi caso, elijo una atmósfera cálida y apacible para equilibrar el “lado extraño” de mi personalidad.
10. Composición y renderizado
¡Es hora de renderizar! Como sé que recurriré a Photoshop para componer, no pierdo el tiempo buscando una iluminación perfecta o una calidad de renderizado. En Photoshop, utilicé oclusión ambiental, profundidad y pases de objetos para aislar el contorno de mi criatura y hacerla resaltar de la escena.
11. Añade vida y personalidad
Una queja común sobre los renderizados 3D es que parecen rígidos o demasiado limpios. Así que agregué un pase de fotomontaje para introducir imperfecciones y pequeños detalles. Al hacer esto, lo más importante es equilibrar el valor, el color y el contraste para que todo se mezcle de forma natural. Hice muchos movimientos de ida y vuelta, cambiando a blanco y negro y trabajando mientras me alejaba para mantener una vista general clara.
12. La importancia de los fotogramas clave
Los fotogramas clave son momentos clave de una historia, normalmente de un guión gráfico. Proyecta a tu personaje en momentos clave de la trama, conectando el arte conceptual, la ilustración y la narración. Para este proyecto quería explorar la soledad y el aura misteriosa del universo en mi mente a través de dos fotogramas clave con atmósferas diferentes.
13. Intenciones y técnicas para tender puentes
Para mí un punto clave a la hora de crear un personaje es mantener esa chispa.
Desde el primer boceto hasta el final. Nuestro trabajo es un proceso largo y a veces lleno de obstáculos, y perder esa emoción inicial significa perder una parte vital de la misma.
La esencia del personaje: su alma.
14. Crea algo que resuene contigo
Una última reflexión sobre los proyectos personales, ya sea para un portafolio o simplemente para uno mismo: al igual que con la escritura, sólo podemos hablar de lo que mejor sabemos. Entonces, ¿qué podría ser más satisfactorio que poner una parte de ti mismo en algo tan personal como la creación misma? ¡disfrutar!
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