Margo Ovcharenko: OT – LENSCRATCH

Autor Team Estudio Arquitectos

Publicado el: enero 27, 2026

Editor invitado de LENSCRATCH esta semana Yana Nosenko reúne el trabajo de cuatro fotógrafos que rastrean la condición postsoviética.
Nos complace presentarles una variedad de proyectos y conversaciones. Anna Guseva, Margo Ovcharenko, Anastasia Seidel y Yulia Spiridonova.

Después de la cooperativa

Esta exposición reúne cuatro prácticas fotográficas que rastrean la condición postsoviética como una realidad vivida moldeada por el espacio, el miedo, la disciplina, el desplazamiento y el cuerpo. En paisajes, retratos y trabajos documentales de larga duración, estos artistas examinan lo que queda después del colapso o endurecimiento de los sistemas, cuando el “hogar” se vuelve inestable y la visibilidad se negocia en lugar de garantizarse.

Las microzonas soviéticas reaparecieron como Arcadias cubiertas de maleza, donde la vegetación restauró silenciosamente la arquitectura utópica y transformó el control en imprevisibilidad. Las consecuencias psicológicas de la década de 1990 parecen ser un clima interno heredado donde la violencia y la inestabilidad dejaron marcas duraderas en la identidad. En el cerrado mundo del fútbol femenino, los jóvenes queer encuentran solidaridad y refugio dentro de límites estrictos, mientras que el entorno que los rodea sigue siendo hostil. En el exilio, las comunidades de inmigrantes forman frágiles “espacios de apariencia” que brindan un sentido temporal de pertenencia al tiempo que exacerban las tensiones entre supervivencia y asimilación.

En conjunto, estas obras hablan de la resistencia en condiciones precarias: cómo las personas se adaptan, se esconden, se reubican y continúan. Aquí, “hogar” no es ni definido ni singular. Es reemplazada por plantas, perseguida por la memoria, protegida por reglas, buscada en la diáspora y continuamente reconstruida, una imagen a la vez. —Yana Nosenko

Margot (n. 1989, Krasnodar, Rusia), artista afincado en Kiev, nacido en la Rusia soviética y actualmente desplazado. Se graduó de la Escuela de Arte Rodchenko en 2011 y recibió una maestría en Bellas Artes de Hunter College en 2015 a través del Programa de Becas Fulbright. En 2011 vivió en Fabrica SPa, Italia. Su trabajo fue preseleccionado para el Premio al Libro de Fotografía inaugural de Aperture en 2018 y al Premio Portfolio en 2022. En 2019, fue seleccionada para “Body: A Book of Photography” de Nathalie Herschdorfer y en 2011, fue seleccionada para “reGeneration2 – Photographers of Tomorrow” en el Museo del Eliseo en Lausana. Margo está profundamente involucrada en los discursos feministas y queer, habiendo trabajado en temas LGBTQ+ en Rusia, Bielorrusia y Ucrania durante más de 14 años. Sus proyectos se centran en la propaganda soviética y rusa, el deporte, la intimidad queer y el empoderamiento a través de la autoexpresión.

Siga a Margo Ovcharenko en Instagram: @margoovcharenko

con el tiempo

con el tiempo es un libro de fotografías centrado en un internado de fútbol y su equipo femenino profesional en los suburbios de Moscú. Es testigo de cómo los adolescentes queer crecen dentro de sistemas de disciplina, pertenencia y visibilidad.

Mi interés por el entorno futbolístico surge de las experiencias que compartí con mis jugadores: la participación temprana en el deporte (en mi caso, la gimnasia rítmica) y el proceso de reconocer y afrontar la propia identidad queer. Este fotolibro se centra en estrategias de supervivencia y momentos de refugio que emergen a través del propio juego y la participación colectiva.

El contexto político más allá de la cámara es que el equipo representa los valores de una sociedad que niega el reconocimiento legal de las identidades queer, criminaliza la visibilidad pública y obliga a una autovigilancia constante como condición de seguridad.

Las fotografías fueron tomadas durante cuatro temporadas de fútbol y siguen la vida cotidiana de la comunidad: en el campo, en el vestuario y en reuniones informales. Estas imágenes son testimonios temporales e internos de los estados físicos (fatiga, lesión, recuperación, momentos de fuerza) que experimentan los atletas en intensidades específicas. Los jugadores están rodeados por un suburbio de clase trabajadora donde la vegetación atraviesa urbanizaciones de hormigón y prefabricadas, donde la fruta madura rápidamente y los veranos son cortos. Estas imágenes describen el panorama social del crecimiento: proletario y sofocantemente heterosexual. Este paisaje juega un papel activo en el proyecto, permitiendo que los protagonistas aparezcan sólo en espacios reducidos: en el campo, en el vestuario, dentro del equipo.

Dentro de estos límites, la fotografía se convierte en una herramienta de validación visual y autopresentación. Para los deportistas, ser fotografiados es parte de dar forma a una visibilidad compartida y afirmar su condición de deportistas; Para mí, es una forma de registrar una comunidad donde la visibilidad pública queer está legalmente restringida y socialmente vigilada en la Rusia contemporánea.

El mundo del fútbol sigue siendo una burbuja, mientras que las normas culturales y las ideologías cambiantes están exprimiendo gradualmente el oxígeno de otros espacios. Dentro de la burbuja se aplican las reglas de la estrecha solidaridad, pero afuera, los mismos cuerpos y gestos son al mismo tiempo frágiles y necesitan disfrazarse. Los espectadores observan cómo las futbolistas adoptan una identidad colectiva: se hacen tatuajes, visten marcas deportivas y, en lugar de ser etiquetadas como adolescentes pro occidentales o feministas, aparecen principalmente como atletas.

con el tiempo Habla del deseo de pertenecer, amar y ser amado. El libro construye una realidad moldeada por un contexto histórico y profesional específico, en el que la intimidad, el crecimiento y el cuidado se desarrollan a lo largo de estaciones finitas. La parte final de la serie vincula el daño físico y la experiencia emocional con el tema recurrente de la manzana, como signo de madurez y abundancia, que culmina en la imagen de una manzana descartada al borde del camino.

Yana Nosenko: ¿Cuál fue el impulso inicial o el conjunto de preguntas que te llevaron a empezar a hacer horas extras?

Margot Ovcharenko: Conocer a este equipo fue impactante. El lugar está lleno de emoción; los campos tienen aire y luz que la ciudad no tiene. Los jugadores se mueven como individuos y como una unidad. Lo que me llamó la atención no solo fue la superposición entre los deportes y la vida queer, sino también el marcado contraste entre esta comunidad y sus alrededores y otros espacios queer que conocía. La fricción entre visibilidad y aislamiento se convierte en el punto de partida.

YN: Dado que sus intereses surgen de experiencias atléticas y queer compartidas, ¿cómo se tradujo eso en su primer contacto con el equipo y cómo se desarrolló la confianza durante las cuatro temporadas que trabajaron juntos?

Mes: Llegué sin ninguna declaración ni pregunta sobre mi identidad. No me gusta la jerarquía en el retrato. Respeto las elecciones y limitaciones de las personas. Al principio, la apertura parecía imposible. Después de unos años, la confianza cambió porque me consideraban seguro y abierto y algunas parejas querían tomar fotografías. Estas imágenes siguen siendo unilaterales, influenciadas por la cautela y el deseo.

YN: ¿Qué papel juega la estacionalidad en el ritmo emocional del proyecto? ¿Cómo surgió y evolucionó el tema recurrente de las manzanas en relación con los sentimientos de madurez e impermanencia?

Mes: No elegí el tema, la estacionalidad dictaba el ritmo. Tomé 35.000 fotografías durante cuatro años y las cosas se siguen repitiendo porque están ahí. Mientras estaba en Shanghai, un editor invitado por el editor Ding Dinghuang notó que aparecía una foto de una manzana en la última imagen del libro, y juntos identificamos e incluimos la primera imagen. Las manzanas florecen y luego maduran. Se convierten en una forma de registrar el paso del tiempo. No me importa la connotación religiosa, pero simplemente no la encuentro apropiada. Otra lectura posible es que Apple trata de que el cuerpo femenino se vuelve demasiado maduro, pero espero firmemente que esta secuencia refleje lo fugaz que es la juventud y lo fugaz que puede ser una carrera futbolística.

SN: Usted ha estudiado previamente el estrés ejercido sobre el cuerpo. ¿Cómo se comparan la fatiga, las lesiones y la recuperación con la vulnerabilidad emocional o psicológica en las horas extras?

Mes: La mayoría de los futbolistas tienen entre 15 y 23 años. A esa edad, bajo ese tipo de presión, todo lo que le pasa al cuerpo importa. La resistencia física y mental determina muchas cosas. En el proyecto, esta vulnerabilidad se resuelve con primeros planos viscerales; sin ellos, sólo se obtienen imágenes nítidas de movimiento y se pasa por alto dónde están las lesiones reales.

YN: Esta serie trata sobre el deseo de pertenecer y ser amado. ¿Cómo circula el cuidado dentro del equipo? ¿Cómo influyen en el cuidado las estructuras del deporte, la disciplina y la vida colectiva?

Mes: El equipo no es un cuerpo unificado. La homofobia internalizada, el desamor y el conflicto siempre están presentes. Sin embargo, para muchos de estos adolescentes, el mundo del fútbol, a pesar de su silencio, sigue siendo más tolerante y menos aislante que cualquier cosa exterior.

YN: ¿Hubo algún momento en el que decidiste no filmar? ¿Cómo habrían cambiado estas ausencias, y el libro mismo, si la obra se hubiera producido en un país con diferentes prioridades sociales y políticas?

Mes: Este trabajo no puede existir así en un país donde no existe apoyo estatal para borrar las identidades queer. En el contexto de la aceptación social y legal, la historia puede ser diferente. Muchos momentos no fueron filmados debido a los riesgos de visibilidad, y la visibilidad total también aplanaría la obra, dejando menos oportunidades para que el espectador llegara de forma independiente. Lo que me impulsa es la paradoja de que un equipo de alto nivel sigue siendo pobre, desconocido y sujeto al peligro constante de ser tildado de traición al régimen, un riesgo al que me enfrento como artista.

YN: Describes el retrato documental como una herramienta poderosa, particularmente cuando se aplica a los atletas, cuyas imágenes públicas han sido históricamente moldeadas por el Estado como sustituto de su poder. ¿Escribir este libro cambió tu visión de la fotografía como herramienta política?

Mes: Escribir este libro complicó mis sentimientos sobre el retrato documental. Los atletas representan la fuerza del país y supe que eso era importante desde el primer día. Sin embargo, no quiero que mi trabajo se interprete como estrictamente político. Se trata de apertura, amor y soledad, pero existe en el contexto políticamente imposible de la Rusia moderna.

Yana Nosenko es un artista multidisciplinario y curador de Moscú, Rusia. Su trabajo explora temas de migración, desplazamiento, nomadismo y separación familiar, extraídos de sus propias experiencias y expresados principalmente a través de medios basados en lentes.

Ha expuesto en el Museo del Centro Internacional de Fotografía, Gala Art Center, MassArt x SoWa y Abigail Ogilvy Gallery. En 2023, obtuvo una residencia de estudio en el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts. Ese mismo año, se unió al Museo de Fotografía Griffin como asistente curatorial y diseñadora de exposiciones, ayudando a co-curar y organizar exposiciones, supervisar las operaciones diarias, facilitar charlas de artistas y paneles de discusión, diseñar materiales de marketing y trabajar en estrecha colaboración con visitantes y artistas.

ts. En 2025, Yana fue nombrada Directora de Educación y Programación en el Museo Griffin, donde continúa fomentando el diálogo y el aprendizaje sobre las artes a través de exposiciones, programas públicos y participación comunitaria.

Antes de centrarse en la fotografía, Yana estudió diseño gráfico en la Academia Stroganov de Diseño y Artes Aplicadas de Moscú y trabajó como diseñadora gráfica en la empresa de planificación urbana de Moscú Strelka KB. En 2017, completó un importante proyecto independiente: el diseño de Mayak, una tipografía inspirada en las tipografías constructivistas soviéticas de las décadas de 1920 y 1930, publicada posteriormente por ParaType.

Tiene una maestría en fotografía de la Facultad de Arte y Diseño de Massachusetts y un certificado del Centro Internacional de Fotografía.

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