Jonathan Silbert: Perspectivas – LENSCRATCH

Autor Team Estudio Arquitectos

Publicado el: febrero 19, 2026

Artista/Educador Brian Whitney es el editor invitado de esta semana en LENSCRATCH. Durante los siguientes cuatro días, presentó el trabajo de cuatro de sus antiguos alumnos en el Centro Internacional de Fotografía, cuyas prácticas giraban en torno a la espiritualidad, la vida interior y el mundo natural.

Sobre el espíritu de la fotografía Este es un curso que he impartido durante muchos años en el Centro Internacional de Fotografía. Este curso explora la espiritualidad en el proceso creativo y considera cómo cultivarla conscientemente en su trabajo. Examinamos escritos influyentes sobre el tema, desde Kandinsky hasta Little White, y discutimos la rica polinización cruzada entre arte y espiritualidad. Los participantes combinan estas ideas con sus propios conocimientos a través de ejercicios como “Crea tu propio ritual”, “Cuerpo y alma”, “Memorial de la muerte” e “Image Duo”. Es muy gratificante dirigir esta clase con un grupo tan dinámico de fotógrafos y estoy encantado de que Lenscratch pueda presentar a varios de estos talentosos artistas.

Cada uno de estos artistas utiliza el medio de la luz y la sombra para crear obras profundamente personales y excepcionalmente espirituales. El estilo pictórico de Juliette Ludeker captura el mundo submarino devastado por la tormenta en un humilde arroyo en su patio trasero. Los negativos en papel de gran formato de Olga Fried evocan terrenos de otro mundo, su belleza árida iluminada por vastos cielos llenos de estrellas. Los pergaminos abstractos de Anne Erden Macdonald son obras maestras del simbolismo alquímico y de procesos químicos en los que los propios elementos se convierten en creadores de imágenes. Las astutas e inquietantes abstracciones de Jonathan Silbert son a la vez sorprendentes e inquietantes, y desafían nuestras percepciones del cuerpo y el alma.

Como tercera parte de esta semana, cubriremos Jonathan Luedke proyecto, Un lugar al que nunca podrás ir. A continuación se muestra una entrevista con el artista.

jonathan silbert Al dedicarse a la creación de imágenes en una variedad de medios, incluidos arcilla, metal y papel, la fotografía siempre está presente, pero como su prima en las cenas navideñas. Lo que impulsa estos esfuerzos es una búsqueda poética para expresar la naturaleza inefable de la identidad debajo del contexto superficial. Es un diseñador gráfico que vive en Filadelfia.

opinión

Estas fotos existen para mostrar cómo existen nuestros cuerpos en el mundo. Como no me gustaba estar frente a la cámara, recurrí a la abstracción. como una forma de ir más allá del significado literalabriendo un punto de reflexión más poético.

Las imágenes resultantes me hicieron pensar en algo difícil de nombrar; el misterio de la oscuridad, las cosas que permanecían en las sombras… todo era fascinante. Aunque estos espacios pueden parecer Inquietante y desagradable, lo que yace en lo profundo de las sombras siempre ha sido un reino rico, un recurso para la comprensión, si tenemos el coraje de mirar profundamente y confrontar lo siniestro y ambiguo. Sin contexto, la sombra no existe. Necesita una fuente de luz, un objeto que bloquee la luz, ya sea que ese objeto sea visible o no, y luego una superficie receptora. Pero ¿qué significa para la identidad que la sombra se convierta a la vez en objeto y sujeto?

Al abordar estos conceptos abstractos, recuerdo la advertencia de Nietzsche de no mirar demasiado tiempo al abismo. Hace tiempo que descubrí que en los sueños podemos tender a tratar directamente con esos monstruos, no en combate y supremacía, sino a verlos íntimamente y en términos de comprensión. En mi experiencia, centrar la atención en lo que da miedo ha demostrado ser más valioso que tratar de controlarlo. Si bien es posible que estas imágenes no lo despierten como los sueños, parece haber algún elemento de lo aterrador desconocido, un presentimiento subyacente o una presencia insondable que es a la vez amenazante y gratificante.

¿Cómo refleja su trabajo temas de espiritualidad y vida interior?

Este trabajo, mi trabajo en un sentido amplio, puede realizarse a través de una lente espiritual si es necesario y apropiado para sus procesos internos. Se trata de una serie inherentemente abstracta cuyo significado depende en gran medida del marco de experiencia y expectativas del espectador. Si alguien mira estas imágenes con la mente abierta y se involucra en una reflexión interior, puede encontrar un espejo y una herramienta útil para explorar su propio estado de ser.

En tu práctica, ¿existen rituales fotográficos u otros rituales que guíen tu fotografía?

Si hay un ritual fotográfico que adopto es como respuesta a las ganas de tomar una foto. Generalmente esto ocurre mientras camino o espero. Disfruto capturar imágenes fortuitas y abstraer, extrayendo composiciones de narrativas de lugar y entorno. Busco lugares y fuentes de estos extractos: en ciudades, espacios industriales y en la naturaleza. En lugar de organizar elementos en una composición, tiendo a limitar las relaciones elementales existentes. Más allá de eso, mis fotografías se guían por principios básicos de composición y elementos de diseño, utilizados de maneras que me deleitan.

¿Hay algún mentor, pensador o artista cuyo trabajo haya influido en tu fotografía o espiritualidad?

Al principio, me topé con las esculturas de cerámica de Jack Earle y quedé profundamente conmovido. Su técnica escultórica, su narración a través de títulos, temas y situaciones poéticos y confusos, y su aparente surrealismo, se combinan para crear obras impresionantes que son silenciosamente inquietantes. Estos me mostraron cómo utilizar un medio humilde como la arcilla para producir efectos dramáticos más allá de las expectativas y me dieron una sensación de asombro y posibilidad empoderada.

¿Cómo ha impactado su trabajo el curso “Sobre el espíritu de la fotografía” del ICP y/o hubo una tarea en particular que lo inspiró?

Encontré esta clase, y especialmente la enseñanza de Brian, inspiradora y profundamente motivadora. Abre nuevas formas de pensar sobre la creación de imágenes, invitándonos a involucrarnos con diferentes perspectivas, temas y enfoques estilísticos. Esta tarea fomenta una investigación más profunda, en parte debido a su inmediatez y accesibilidad (centrada en nuestros propios cuerpos), pero también crea un espacio donde las respuestas exploratorias y no convencionales no solo son bienvenidas, sino totalmente apropiadas.

¿En qué estás trabajando actualmente? ¿Cuál es tu futuro?

Estoy creando una serie de esculturas de papel en bajo relieve que representan los ciclos de vida de las sociedades y logros incidentales de la cultura.

Brian Whitney es un fotógrafo y artista radicado en la ciudad de Nueva York cuyo trabajo involucra técnicas de imágenes experimentales, incluidos rayos X, imágenes sin lentes y procesos alternativos como los cianotipos. Whitney tiene una maestría en Fotografía de la Tyler School of Art y una licenciatura en Psicología del Arte de la Universidad de Michigan. Ha enseñado fotografía en la Universidad de Rutgers y actualmente imparte clases en el Centro Internacional de Fotografía y en el Jardín Botánico de Nueva York en Nueva York. Recibió una beca Fulbright para la American Photography Lecture y su trabajo ha sido expuesto en todo Estados Unidos e internacionalmente. Su trabajo ha aparecido en Harpers Bazaar, Fortune, The New York Times y otras revistas, así como en libros, carteles y vallas publicitarias. Sus imágenes de rayos X de plantas fueron adquiridas recientemente por el Servicio Postal de los Estados Unidos para utilizarlas como diseños de sellos.

seguir Brian Whitney En Instagram: @bryanwhitney.art

Las publicaciones en Lenscratch no se pueden reproducir sin el permiso del personal y de los fotógrafos de Lenscratch.