Cómo dibujar superhéroes de Marvel con actitud utilizando métodos de artes mixtas
Tuve la oportunidad de dibujar algunas cartas de Spider-Man para la nueva temporada de Marvel Snap Arachnid Anarchy, y en este taller les mostraré una de mis cartas favoritas: Spider-Punk. Desglosaré los pasos clave y los desafíos de la creación de ilustraciones detalladas centradas en los personajes de Marvel.
Dado que mi flujo de trabajo es una mezcla de técnicas tradicionales y digitales, también cubriré las herramientas que uso: bolígrafos, papel, pinceles digitales, etc. Dicho esto, cada paso se puede realizar de forma completamente convencional o completamente digital, así que no te preocupes si no tienes las herramientas exactas que mencioné. Lo que importa es la intención detrás de cada paso, no el equipo específico que elijas.
También vale la pena señalar que, aunque mi estudio se centra en la creación de tarjetas Marvel Snap, todo el proceso (bocetos, dibujos lineales y color) es esencialmente el mismo que uso para la mayoría de los trabajos de ilustración, especialmente en las industrias de los cómics y los videojuegos. La única diferencia es que algunos proyectos implican más o menos rondas de devolución entre fases, según el cliente.
Este tutorial es adecuado para artistas de todos los niveles, desde principiantes hasta profesionales. Explicaré mi proceso claramente, pero recomiendo aprender anatomía, composición, valores y teoría del color para sacarle el máximo provecho a tus ilustraciones y seguir creciendo.
01. Entiende tu personalidad
Antes de comenzar cualquier ilustración, trato de entender lo más posible sobre lo que voy a dibujar. En este caso, como fanático de Marvel, ya conocía a los Spider-Punks, así que no necesité investigar mucho, pero recomendaría mucho leer o ver videos sobre el personaje para tener una idea de en qué tipo de situaciones podrías ponerlos.
02. Usa miniaturas para expresar tus ideas.
Esta es la parte más creativa. Normalmente divido cada boceto en dos partes: un garabato para anotar ideas y un pase un poco más refinado para indicar el sombreado. Lo más importante aquí es mantener la energía, por eso trato de mantenerlos muy sueltos.
También necesito tener en cuenta los saltos de fotograma en las cartas donde los elementos del personaje se superponen al borde (en el juego).
03.Lápiz digital
Una vez que he seleccionado mi boceto, paso a lo que se llama la fase del lápiz. En este ejemplo, seleccione el boceto tres. Creé un nuevo documento de 300 DPI de 11×17 pulgadas, amplié el tamaño de la miniatura y comencé a ajustar el boceto.
Necesitaba tener todo resuelto y tinta lista en ese momento. Utilizo Clip Studio Paint (consulte nuestra guía El mejor software de arte digital.) y un pincel de lápiz oscuro preestablecido para esta etapa.
04. Tinta: Hilo
Una vez listo el boceto a lápiz, lo imprimo en papel de 11×17 pulgadas, coloco un Tablero Kraft Bristol de 11×17″ Strathmore encima de mi Caja de luz HSK A2 Y empieza a entintar. Mi primera fase es revisar toda la composición usando una sola línea limpia. Teclado Uni-PIN (Tallas 005–08).
En este momento no tengo una foto hecha a mano de Spider-Man, así que usé una de otro Marvel Snap.
05. Tinta: Sombra
Mi siguiente etapa de entintado es construir las sombras. Teniendo en cuenta la fuente de luz y siguiendo lo que preparé con lápiz, comencé a mapear las sombras con formas definidas.
También uso liners 003 o Pincel fino cebra. yo tambien uso uno cepillo de bolsillo pentel Rellena grandes áreas negras.
06. Espesor
Esta es la etapa final de entintado. En este punto, el dibujo debería verse completo, pero para agregar profundidad y contraste, aumento el grosor de las líneas, generalmente haciendo los contornos más gruesos y los interiores más delgados. Para ello también utilizo liners Uni-PIN, tamaños 01 a 05.
07. Sonido de pantalla digital
Una vez finalizado el entintado, paso a la fase de tonificación de la pantalla. La primera etapa es la digitalización: escaneo el trabajo entintado, lo llevo a Photoshop y ajusto los niveles para que los negros sean sólidos y los blancos limpios. Luego simplifiqué los valores usando un gris sólido (50-90% de luminosidad) debajo de la tinta y agregué puntos en Clip Studio Paint (Capa > Nueva capa > Tono).
Una vez satisfecho, rastericé la capa de tono y ajusté su opacidad para obtener un bonito efecto de textura.
08. Colores de pantalla tradicionales
Siguiendo los valores que establecí a través de mi pase digital, corté y pegué papeles adhesivos grises llamados screen tintes sobre la obra de arte original. Yo suelo utilizar Deletertone SE-61 (10%), SE-63 (30%) y SE-65 (50%).
Utilicé un 10% en el fondo, un 50% en el primer plano y las partes azules, y un 30% en las partes rojas y el cañón principal. Esta etapa es sólo para tener un buen arte original, no es necesario completar la ilustración.
09. Planifica tu paleta de colores
Antes de comenzar a hablar de colores, traté de pensar en la paleta que usaría y qué armonía cromática funcionaría mejor aquí, y se me ocurrió la idea de usar tres colores: rojo, azul y amarillo, donde el rojo es dominante, el azul es un color secundario y el amarillo es un tercer color adicional.
Utilizo Adobe Color Wheel gratuito en línea y tomo capturas de pantalla de las paletas que planeo usar.
10. Colores planos y fondos
Convertí los planos grises que preparé en la etapa de tonificación de la pantalla digital a color y agregué nuevos planos con la ayuda de la herramienta Lazo en Photoshop para comenzar a establecer los colores principales.
Por lo general, primero trato de trabajar en el fondo para crear el ambiente y darme una idea de cómo afectará la luz al personaje.
11. Mapeo de sombras
Una vez que mi plano está asentado y mi fondo un poco establecido, vuelvo a Clip Studio Paint y me enfoco principalmente en el personaje, comenzando por aislar la luz y la sombra del personaje.
Utilicé una capa “Multiplicar” y un pincel “Plano 1” para bloquear las sombras. Imaginé una luz fría y suave sobre el personaje, así que elegí colores cálidos para las sombras para crear un buen contraste. Aplico la misma fórmula a los elementos del fondo.
12. Presta atención a la luz
Una vez que estoy satisfecho con un tono (normalmente me quedo con uno o dos valores), paso a colores más claros y de tonos medios. Haré una nueva capa normal y agregaré un tono medio con dos o tres valores más claros (generalmente el color más saturado). Debido a que elegí la configuración de luz fría, los colores se inclinan hacia un tono azul ligeramente desaturado.
13. Toques finales
Esta es la etapa final donde agrego algunos efectos y ruido, coloreo líneas, ajusto niveles… cualquier cosa para agregar algo extra a la pieza. Agregué algunos graffitis en los carteles y algo de ruido en las paredes para ayudar a romper la sensación de área grande y vacía.
También agregué sombras redondeadas a la pared para aumentar el enfoque en el personaje y equilibrar más la paleta de colores.
14. Da un paso atrás y retribuye
Spider-Punk finalmente está completo. Antes de enviar un artículo para su revisión, me gusta tomarme un breve descanso (medio día o un día completo si es posible) y revisarlo con ojos más frescos. Realmente ayuda a encontrar errores obvios.
No mostré mucho en el taller, pero inicialmente dibujé al personaje demasiado jorobado. Con este nuevo look corregí el problema y afortunadamente no hubo respuesta por parte del cliente.
conseguir equipo
Estas son algunas de las herramientas utilizadas en el proceso artístico tradicional.
Este artículo apareció originalmente en ImagineFX. Suscríbete a ImagineFX Nunca te pierdas una pregunta. Suscripciones impresas y digitales disponibles.
