Olafur Eliasson da forma a la experiencia compartida a través de la percepción
Olafur Eliasson El trabajo se basa en una idea simple pero importante: la percepción no es pasiva, sino algo que construimos activamente. Desde esta perspectiva, el arte no se trata sólo de crear objetos, sino de crear situaciones en las que las personas puedan experimentar y repensar juntas el mundo que les rodea. Lo que surge no es una visión fija de un futuro mejor, sino condiciones compartidas formadas a través de la percepción, la participación y la responsabilidad.
Un concepto clave en la práctica de Eliasson es lo que él describe como “ver lo que ves”. No se trata sólo de una idea poética, sino de una forma de concienciar al espectador del papel que desempeña en su percepción. Al introducir la reflexión y una sutil desorientación, su trabajo crea una distancia en el acto de mirar, permitiendo a las personas reconocer que lo que están experimentando no es fijo sino construido.
Esta prioridad se vuelve aún más urgente en el contexto de la inestabilidad climática. Eliasson solía decir: crisis climática Esta no es sólo una cuestión científica o política, sino también emocional. Las cosas que parecen distantes son más fáciles de ignorar. Por tanto, su trabajo tiene como objetivo hacer que los procesos ambientales sean inmediatos y tangibles, transformando datos abstractos en experiencias compartidas. Este enfoque se expresa claramente en su proyecto más reciente, “Symphony of Lost Sounds of Greater Salt Lake City” (2026), que se podrá ver en Salt Lake City hasta el 4 de abril de 2026. La instalación reúne más de 150 grabaciones de campo de animales que dependen del Gran Lago Salado y las transforma en una pieza sonora combinada, acompañada de proyecciones de luz cambiantes sobre la gran estructura esférica.
En lugar de reproducir la naturaleza, estos sonidos se reorganizan en ritmos que pueden percibirse de diferentes maneras, llamando la atención sobre los frágiles sistemas de los que forman parte. Aquí, el trabajo pasa de observar la naturaleza a escuchar cosas que pronto podrían desaparecer. No se trata de representar el paisaje sino de hacer palpable su vulnerabilidad a través de los sonidos de las especies asociadas a él. Escuchar se convierte en una forma de conciencia, y la conciencia es el primer paso hacia la responsabilidad. En este sentido, la percepción se vuelve central en la forma en que interactuamos con las cosas. posibilidad de cambio.
Sinfonía de Sonidos Perdidos del Gran Lago Salado (2026) | Imagen cortesía de Olafur Eliasson Studio © 2026 Olafur Eliasson
Experiencia encarnada y audiencias precarias
La instalación de Eliasson pretende desafiar la idea del espectador como observador pasivo. Requieren que las personas se muevan, se ajusten e interactúen activamente con su entorno en lugar de simplemente mostrar algo. El espacio no es fijo sino que se desarrolla en el tiempo, lo que obliga a reconsiderar constantemente la percepción.
En el proyecto Weather (2003), la Sala de Turbinas de la Tate Modern se transformó en un entorno inmersivo a gran escala. Un brillante sol artificial combinado con una niebla y un techo de espejos crean un espacio que permite a los visitantes convertirse en parte de la obra misma. Las personas se tumban en el suelo, se reúnen e interactúan entre sí. Las reflexiones anteriores se suman a estas interacciones, haciendo que cada persona sea consciente de sí misma y del grupo más grande. La instalación transforma el museo en un espacio social compartido en lugar de un lugar para la observación tranquila.
En cambio, Din blinde passer (2010) elimina casi por completo la claridad visual. Los visitantes caminan por un largo pasillo lleno de una espesa niebla de colores, lo que dificulta la visión incluso a corta distancia. El movimiento se vuelve incierto y las personas deben confiar en sus cuerpos en lugar de en su visión para navegar. Hay un retraso notable entre moverse y comprender dónde se encuentra, lo que genera preocupaciones sobre cómo funciona realmente la percepción. A través de este tipo de ambientes, Eliasson transforma el papel del espectador. Las personas ya no ven pasivamente las obras de arte, sino que se convierten en participantes activos de ellas. La atención se centra menos en lo que se ve y más en cómo ocurre el acto de ver en sí y cómo cambia.
The Weather Project, 2003 Tate Modern, Londres – 2003 | Imagen cortesía de Tate Photography (Andrew Dunkley y Marcus Leith)
El estudio como lugar de producción de conocimiento.
La escala y complejidad del trabajo de Eliasson son inseparables de la estructura del estudio de Olafur Eliasson en Berlín. Como laboratorio multidisciplinar, el estudio reúne a arquitectos, ingenieros, historiadores, programadores y artesanos en un marco compartido.
Una influencia clave en el desarrollo del estudio fue la colaboración de larga data con el fallecido arquitecto Einar Thorsteinn, cuyos estudios de geometría y estructura espacial informaron muchas de las exploraciones formales de Eliasson. Poliedros, espirales y sistemas no ortogonales emergen como herramientas de percepción que desafían el dominio del espacio rectilíneo e introducen formas alternativas de posicionarse en el entorno.
En Model Room (2023) se acumulan cientos de estudios físicos elaborados a partir de materiales simples como forma de pensamiento espacial. Estos modelos no son representativos del producto terminado, pero participan activamente en el proceso de diseño. Permiten probar, modificar y reconfigurar ideas.
Los talleres internos sobre temas que van desde la robótica hasta el análisis social refuerzan el papel del estudio como entorno de producción de conocimiento. Esta estructura permite una forma de autoría descentralizada en la que las ideas circulan entre disciplinas y los proyectos evolucionan a través del aporte colectivo. El estudio personifica el pensamiento conectado que Eliasson defiende en todo el mundo.
Su pasajero ciego, 2010 Tate Modern, Londres – 2019 | Fotografía: Anders Sune Berg
Alinear los procesos con los valores medioambientales
Para Eliasson, la sostenibilidad no es lo último que se añade a un proyecto. Está directamente relacionado con cómo se realiza el trabajo. Si una obra de arte habla de cuestiones ambientales pero está hecha de una manera que contradice esos valores, entonces para él hay una clara desconexión. Por eso Studio Olafur Eliasson integra el pensamiento medioambiental en sus operaciones diarias.
Una forma de construirlo es a través del modelo del “cinco por ciento”, en el que parte del tiempo, presupuesto y energía del estudio se dedica a estudiar y reducir su impacto ambiental. Esto afecta a decisiones prácticas, como elegir el transporte marítimo en lugar del aéreo, incluso si requiere más tiempo y planificación, o priorizar los viajes en tren sobre los vuelos cuando sea posible. Estas elecciones inevitablemente ralentizaron el proceso, pero este ritmo más lento se convirtió en parte de la forma de trabajar del estudio y no en una limitación.
Este enfoque va más allá de la logística y abarca los hábitos cotidianos. La transición del estudio a una cocina totalmente vegana refleja un esfuerzo por alinear el comportamiento colectivo con los objetivos medioambientales. En lugar de ver estos cambios como limitaciones, Eliasson los ve como oportunidades para repensar cómo se hacen las cosas y desarrollar nuevas formas de trabajar.
En este sentido, la forma en que se hace un proyecto es inseparable de lo que representa. Eliasson a menudo se refiere a esta coherencia como sincronicidad, donde los valores detrás del trabajo y el proceso de realización se apoyan entre sí. La obra de arte se convierte en parte de un sistema más amplio que incluye decisiones, recursos y su impacto más amplio.
Estudio de cocina Olafur Eliasson
Extendiendo el arte a sistemas y economías
El trabajo de Eliasson a menudo se extiende a áreas como el diseño, la infraestructura y las iniciativas sociales. Little Sun (2012) fue desarrollado conjuntamente con Frederik Ottesen para resolver el problema de la pobreza energética a través de productos solares. El proyecto combina diseño con un modelo descentralizado para ayudar a que la energía limpia sea más accesible, especialmente en comunidades fuera de la red.
El diseño de la lámpara juega un papel importante. En lugar de ser puramente funcional, tiene una forma de flor brillante, lo que lo hace visualmente atractivo y accesible. De esta manera, la energía ya no se presenta como algo abstracto o técnico, sino como algo con lo que las personas pueden conectarse a un nivel más personal. Esto refleja el interés más amplio de Eliasson por la percepción, incluso en sus aplicaciones prácticas en el mundo real.
Con el tiempo, Little Sun ha pasado de ser un solo producto a convertirse en un sistema más grande. Esto incluye centros comunitarios de energía, particularmente en lugares como Zambia, donde se utiliza la tecnología solar para apoyar la agricultura. La leche, por ejemplo, se puede almacenar y conservar, lo que brinda a los agricultores acceso a mercados más amplios y a ingresos más estables. De esta manera, el proyecto pasa de ser un objeto único a una infraestructura más amplia que sustenta la vida diaria.
Además, Eliasson también ha creado obras centradas en el cambio climático como “Ice Table” (2014) y “Glacier Series” (1999). Estos proyectos transforman los datos ambientales en algo que las personas pueden experimentar directamente, haciéndolo más tangible. Ya sea llevando el hielo derretido a los centros urbanos o mostrando comparaciones fotográficas de los glaciares que cambian con el tiempo, ayudan a cerrar la brecha entre la información distante y la comprensión inmediata. En este contexto, el cambio climático se vuelve visible, tangible y más difícil de ignorar.
Pequeño Sol, 2012 Addis Abeba, 2012 | Fuente de la imagen: Terhas Berhe
Arquitectura, espacio público y nosotros globales
A través de Studio Other Spaces, cofundado con el arquitecto Sebastian Behmanas, y mediante colaboraciones con organizaciones internacionales, Eliasson ha ampliado su trabajo a la arquitectura y plataformas públicas más grandes. En estos proyectos, los edificios y la infraestructura están diseñados no sólo para funcionar, sino también para dar forma a la forma en que las personas experimentan y se conectan con el espacio.
Fjordenhus en Vejle es un buen ejemplo de este enfoque. El edificio surge directamente del agua y se define por una combinación de formas curvas, luz cambiante y materiales cuidadosamente detallados. Su planta baja está abierta al público, desafiando la típica separación entre espacios públicos y privados. No es sólo un edificio de oficinas, es un lugar donde la gente puede moverse, explorar y experimentar.
Cirkelbroen de Copenhague adopta un enfoque similar a menor escala. El puente consta de una serie de plataformas circulares que, naturalmente, reducen la velocidad de las personas. Se anima a los visitantes a detenerse, mirar a su alrededor e interactuar con los demás en lugar de simplemente moverse de un lado a otro. De esta manera, los puentes dejan de ser infraestructuras y se convierten en espacios de interacción social cotidiana. El trabajo de Eliasson también se extiende más allá de los espacios físicos hacia iniciativas globales.
A través de su papel en el Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo y proyectos como UN Live y EarthSpeakr, explora cómo el arte y la tecnología pueden crear conexiones entre personas en diferentes partes del mundo. Estas plataformas se centran en el compromiso, proporcionando formas para que las personas interactúen con los problemas globales y entre sí. En todos estos proyectos, el enfoque sigue siendo coherente. Eliasson está menos interesado en proporcionar respuestas claras y más centrado en concienciar a las personas sobre cómo experimentan el mundo. Al cambiar las percepciones, incluso en pequeñas formas, su trabajo crea posibilidades para que las personas piensen y actúen de manera diferente.
ce Watch, 2014 Bankside, fuera de la Tate Modern, Londres, 2018 | Foto de Justin Sutcliffe
Ice Watch, 2014 Bankside, fuera de la Tate Modern, Londres, 2018 | Foto de Charlie Forgham-Bailey
Serie Glaciar, 1999 Neugerriemschneider, Berlín, 1999 | Imagen de Jens Ziehe
