“No sorprende que el diseño occidental busque refugio en hacer cosas bellas para unos pocos”
Diseño coleccionable con su plataforma más grande hasta la fecha semana del diseño de milán Cuéntanos alguna información importante sobre el estado actual del diseño, escribe. Debbie Carey.
Es posible que los arquitectos estrella hayan caído en desgracia, pero los diseñadores estrella están regresando. ¿Qué mejor evidencia que la publicación de este año? feria del mueble ¿Una exposición de “diseños coleccionables, ediciones limitadas, antigüedades de diseño y artesanía creativa de alta gama”? Este es un diseño que grita “¡Pregunta quién me creó!”
Entre los expositores del Salone Raritas se encuentran diseñadores holandeses Sabina Marcelisgalería de milán liriomarca dubái recolectargalería brasileña mercado modernoEmpresa constructora suiza Herzog y de Meuron y fabricantes de vidrio italianos sálvate a ti mismo. Esta no es una feria de arte ni una plataforma de ventas al consumidor: está dirigida a la audiencia comercial existente del salón: desarrolladores, arquitectos y diseñadores de interiores. En un mundo competitivo, las sillas de feria María Polo Dice que estos compradores necesitan que sus hoteles y proyectos corporativos se destaquen y necesitan artículos únicos con una historia que les ayude a lograrlo.
El diseño que valoramos está pasando de la practicidad a la singularidad
Los diseños coleccionables no sustituirán la oferta habitual del salón. Aún así, su presencia en la feria de diseño más importante del mundo (y su ascenso en general) sugiere algo sobre este momento. El prestigio es ahora una rareza ya que la producción en masa se ha visto moralmente comprometida. El diseño que valoramos está pasando de la practicidad a la singularidad.
La Feria del Mueble Laritas no es una excepción. En los últimos años, las ferias de diseño de coleccionables han seguido expandiéndose (coleccionables Se lanzará una edición de Nueva York en 2024. Diseño Miami Exposición en Seúl en 2025 LondresPAD están atrayendo a un número cada vez mayor de galerías internacionales), mientras que nuevas galerías, p. materia y forma Lanzado en París. Las ferias de arte incluyen feria de arte indio y Feria de Arte de Melbourne (en la foto) han incorporado diseño coleccionable en su trabajo, y hueco – una plataforma para el diseño experimental – se ha convertido en un evento imperdible durante la Semana del Diseño de Milán.
Al mismo tiempo, el informe señala estrategia artística y banco de america Las ventas de diseño de exhibiciones, muebles y artes decorativas crecieron un 20% en el primer semestre de 2025, superando varias categorías tradicionales de bellas artes, así como Sotheby’s, cristian y Phillips reportó fuertes ventas en la subasta de diseño. Esta demanda está impulsada en parte por personas más jóvenes y más conscientes de la moda que buscan puntos de entrada al coleccionismo más asequibles que los que permiten las bellas artes y que buscan piezas que se ajusten a sus gustos e identidades. de acuerdo a Art Basel 2025 y UBS Art Market ReportLos millennials lideran el interés por el diseño.
Vale la pena considerar por un momento lo que significa “diseño coleccionable”, que abarca desde piezas antiguas, prototipos y ediciones limitadas hasta piezas únicas hechas a mano.
Históricamente, las cosas tienden a volverse coleccionables con el tiempo porque son una innovación histórica y revolucionaria, reflejan los gustos y la política de una época o son obra de un visionario único. El mercado del arte altera esta línea temporal, ofreciendo colecciones especulativas de obras contemporáneas a través de un baile coreografiado entre galerías, ferias, compradores, museos y casas de subastas.
En el mundo de la moda, la escasez y el deseo también se crean a través de Didi, las cápsulas y las colaboraciones de celebridades, mientras que entre los artistas musicales, los súper fans son explotados para generar grandes ganancias monetizando la exclusividad. El diseño contemporáneo aún no está aquí, pero quiere estarlo.
No hay nada más lujoso que tener a alguien que pase horas construyendo algo a mano de manera experta para usted.
El mercado secundario de reventa de obras recientes aún está incipiente. Hasta que eso cambie, es necesario confiar en la coleccionabilidad. Esto se basa en parte en la narrativa construida alrededor de un objeto: sus asociaciones culturales, la mitología que rodea al diseñador y su identidad, el proceso de pensamiento que le dio origen. En parte, se basa en el valor físico cuantificable del artículo: el costo de los materiales, el tiempo necesario para fabricarlo, la complejidad de la tecnología involucrada.
Todas estas tienden a ser más señales de precios que de valores. Cuando algo no sólo es bello sino también lujoso, los ceros se acumulan, y hoy el lujo ya no se trata sólo de opulencia. A medida que termina la ilusión de la abundancia planetaria, lo que ahora más anhelamos son las cosas escasas y controvertidas: el tiempo, la atención humana, los recursos naturales y las conexiones con el patrimonio cultural.
No hay nada como el lujo de que alguien pase horas construyendo de manera experta algo para usted a partir de materiales escasos, mientras le agrega su propia identidad y cultura personal. Por eso el diseño coleccionable suele definirse por la estética. Artesanía: Las huellas dactilares sugieren humanidad, los defectos sugieren procesos laboriosos y los materiales naturales sugieren sostenibilidad.
Alguna vez las artesanías fueron marginadas como secundarias: un pasatiempo redundante para la clase trabajadora, las mujeres, los inmigrantes, los pueblos indígenas y las poblaciones de los países en desarrollo. Ahora posee capital cultural y representa una alternativa ética a la destructiva producción en masa, basada en el conocimiento material, las habilidades y la producción local a pequeña escala.
Estas propiedades son cada vez más raras y, por tanto, cada vez más populares. Pero la valorización de la artesanía no significa necesariamente una mayor inclusión para quienes la practican desde hace mucho tiempo, ni equivale automáticamente a una producción ética y sostenible. A menudo, es el autor individual –el artista-diseñador– quien obtiene la mayor parte de la recompensa, en lugar de las manos anónimas de prácticas tradicionales consideradas durante mucho tiempo “artesanías”.
Por supuesto, el diseño en sí no es ni bueno ni malo. En el siglo XX fue concebido como una herramienta para democratizar la buena vida. Los diseñadores utilizan la tecnología para acelerar el suministro eficiente y rentable de artículos funcionales a escala, transformando vidas y la sociedad. Muchos artefactos de esa época ahora figuran como colecciones.
Para Jaime Hayon, Studio Job y Faye Toogood, cientos más no lograron sobrevivir
Al mismo tiempo, reconocemos cada vez más que este movimiento –en condiciones de capitalismo sin restricciones– también ha conducido a una catástrofe global que está siendo exacerbada por la actual ola de homogeneización cultural. AI-La automatización de la conducción y la explotación masiva de las personas. A medida que los problemas planteados por el diseño parecen cada vez más insuperables, la promesa del modernismo de una vida mejor para todos está desapareciendo, incluso cuando las prácticas y sistemas que implementó permanecen.
No sorprende que el diseño occidental busque refugio en hacer cosas bellas para unos pocos. El mercado de objetos escultóricos de alto valor ofrece a los fabricantes la oportunidad de dar rienda suelta a su creatividad, hacerse un nombre, demostrar habilidades y comercializar sus visiones a compradores capaces, en lugar de competir por un número cada vez menor de puestos de trabajo.
Pero también conlleva riesgos. No hay suficiente espacio para un suministro interminable de artículos únicos, y sólo los pocos afortunados que pueden invertir en esa carrera pueden explotar con éxito artículos raros. por cada Jaime Hayón, trabajo de estudio y Faye Toogoody cientos más no tuvieron éxito.
Al romper con las viejas costumbres, tenemos la oportunidad de revertir jerarquías ancestrales y crear un marco en el que se fabriquen menos artículos de manera consciente y ética, satisfagan todas nuestras necesidades de manera asequible y en el que la gente común de todo el mundo pueda ganarse la vida.
En cambio, como se lamentó William Morris en el siglo XIX, la complicada economía artesanal significaba que la cultura de consumo estaba “al servicio del lujo codicioso de los ricos”. El auge del diseño coleccionable en la actualidad es comprensible, pero no elimina la difícil pregunta de para quién era realmente el diseño y a quién sirve ahora.
Debbie Carey es un periodista de arte y diseño radicado en Londres. Sus artículos han aparecido en Financial Times, The Guardian, The Independent, Al Jazeera, Wallpaper*, Elle Décor, Architectural Digest y Kinfolk. Se desempeñó como directora interina de proyectos del Foro de Diseño Global en la Bienal de Diseño de Londres. Editor de la revista Craft y editor y director de comunicaciones del British Craft Council. Anteriormente ocupó cargos editoriales en Icon y Disegno. Es la fundadora de Clove, una revista y plataforma en línea sobre la cultura del sur de Asia, y de la agencia creativa asociada Clove Press.
Foto de la exposición de diseño de la colección Futureobject en la Feria de Arte de Melbourne 2026.
Este artículo fue publicado originalmente para Noticias Dezeen Revista Semana del Diseño de Milán 2026.
