17 artistas celebran el desplazamiento y la resistencia en Los Ángeles Guild of the South

«Songs of the Impossible» se estrenará en Los Ángeles

Próxima apertura de la Asociación del Sur de Los Ángeles Una canción que representa lo imposible.una exposición colectiva comisariada por Lindsey Raymond y Jana Terblanche, que presenta el trabajo de diecisiete artistas internacionales. El espectáculo reúne medios mixtos, escultura, fotografíay pinturas, junto con artistas como Sanford Biggers, Zanele Muholi y Bonolo Kavula, sobre la cultura material y qué objetos contienen Conversación con el conocimiento. Voces colectivas se unen para desafiar los sistemas políticos tradicionales y explorar la experiencia humana como un proceso de creación y entretenimiento.

El curador enfatizó que el foco de la exposición es el ritmo cíclico de integración, desintegración, resistencia y desplazamiento visto a través de diferentes prácticas artísticas. Por ejemplo, el trabajo de Biggs reexamina narrativas históricas a través de la yuxtaposición de símbolos culturales, mientras que los delicados tapices de Kawela hechos con tela shweshwe (el algodón teñido y chintzed tradicional de Sudáfrica) se relacionan con la historia colectiva de la cultura y los antepasados. La exposición se realizará del 13 de septiembre al 14 de noviembre de 2024. Una canción que representa lo imposible. Aprovechando la memoria, el folclore y los comentarios políticos para cuestionar temas como la identidad, la democracia y el colonialismo.

Sin reloj de sol, sangre de cordero2024, Imagen © Hayden Phipps, Gremios del Sur
(Título)Lulama Wolfe, brillar lejos2024, foto © Seth Sarlie

Conversación con el maestro del gremio del sur

en un entrevista En colaboración con designboom, Gremio del Sur de Los Ángeles curador Lindsay Raymond y Jana Terblanche Compartir ideas sobre el proceso curatorial, el significado del trabajo de los artistas y sus esperanzas. Una canción que representa lo imposible. Resonará en la audiencia. Su enfoque reflexivo enfatiza la relevancia de la materialidad y el simbolismo para comprender la complejidad de la condición humana.

designboom (DB): ¿puedes hablar sobre el tema central de designboom? Una canción que representa lo imposible. ¿Y cómo conecta las diferentes obras y medios presentados en la exposición?

Lindsay Raymond (de izquierda a derecha): Hay muchos temas en juego, muchos de ellos antagónicos, y los abrazamos. La exposición se centra en la diversidad: la disonancia social, pero también la formación y la solidaridad comunitarias; la celebración y el cinismo y la imposibilidad, incluso la violencia, de formas de representación definitivas y codificadas; La vida cotidiana y la identidad personal deben coexistir con la identidad colectiva y nacional. Lo que une estas voces es la intersección de lo personal y lo político.

Jana Terblanche (JT): Estamos muy interesados ​​en cómo las personas usan los materiales para contar historias sobre quiénes son e indicar qué es importante para ellos. La exposición tiene como objetivo revelar cómo los textiles ayudan a las personas a expresar su individualidad y nacionalidad, al mismo tiempo que reconoce la falacia de las fronteras y la imposibilidad de una experiencia compartida absoluta. «La Canción de lo Imposible» se refiere a la increíble tarea de crear un mundo justo donde los recursos se distribuyan equitativamente y prestando atención a nuestras preocupaciones individuales. En última instancia, la exposición examina el significado de los materiales desde una perspectiva sociopolítica y explora cómo los artistas utilizan estos materiales para expresar las realidades entrelazadas de la experiencia humana.

hebilla de ángel, edificio2019, Imagen © Ange Dakouo, Gremios del Sur

DB: ¿Qué nos impulsó a elegir diecisiete artistas afroamericanos y afroamericanos para esta exposición?

LR: Las perspectivas negras, feministas y queer están en el centro de esta exposición. En un año electoral mundial, con la mitad de la población mundial, este espectáculo es absolutamente importante para nosotros. También nos interesa un mundo donde pensemos más profundamente en lo que se dice y en lo que se dice. cómoen lugar de por quien. Los artistas de esta exposición han vivido en Nigeria, Canadá, la República Democrática del Congo, Sudáfrica, Irán, Alemania, Francia, Ghana, Malí, Estados Unidos, Costa de Marfil, Benin y Zimbabwe, lugares que cada uno trajo a su historia. Sus ricas experiencias de vida hacen que los intercambios culturales sean más significativos.

Jett: Comenzó como una conversación sobre cómo conseguir que algunos artistas tuvieran una conversación y creció naturalmente a partir de ahí. Buscamos múltiples voces y conexiones entre prácticas que pueden parecer discordantes pero que encuentran hilos comunes a través de la narración. Buscamos especialmente artistas que traspasen los límites de los objetos existentes y aquellos que exploren los límites de la pintura. El arte y la cultura están inextricablemente vinculados, y muchos de los artistas de esta exposición comparten conocimientos protegidos de sus contextos culturales específicos a través de la elección de materiales. La tan citada máxima artística “el medio es el mensaje” suena cierta aquí. Este conocimiento protegido es evidente en las esculturas de Zizipho Poswa, que conmemoran las intrincadas prácticas de peinado en todo el continente, y el uso de tela perforada tradicional Shweshwe sudafricana en los exquisitos tapices de Bonolo Kavula.

Otra herencia cultural también se refleja en el uso de edredones tratados del siglo XIX en Sugar Sell the Pie de Sanford Biggers, que conmemora cómo se incrustaron códigos únicos en los edredones que iluminaron rutas seguras para los esclavos fugitivos en la historia del ferrocarril subterráneo de Filadelfia. Lindsay y yo estamos muy interesados ​​en cómo la cultura puede ser el hilo invisible tejido entre sustratos físicos para contar historias más específicas y relevantes. Recuerdo una de mis citas favoritas de James Joyce: «Hay algo universal en lo particular».

El regalo ha sido publicado. Fang NdomCamerún, 2022, Imagen © HaydenPhipps, Southern Guild

DB: ¿Cómo explora la exposición la interacción entre integración y desintegración, resistencia y desplazamiento, particularmente en el contexto del próximo año electoral global de 2024?

Jett: En esencia, esta exposición nos pide imaginar si existe un futuro en el que las personas puedan respetar sus historias personales sin excluir a los demás. El optimista que hay en mí quiere responder con un rotundo “¡Sí!” Por supuesto, hay espacio para que todos seamos plenamente nosotros mismos sin pisar a los demás para lograrlo. Sin embargo, pronto descubrí que mis decisiones personales a menudo se hacían a expensas del conjunto. Tal es el deseo de integrarse, pero estos esfuerzos pueden crear fricciones. En este importante año político, veo los momentos de desafío como actos radicales de amor humano unos por otros. En Crónica de una profecía de muerte, Inga Somdyala muestra cómo nació un nuevo orden político a partir del desafío al antiguo. De esta manera, los construimos y desmantelamos en bucles interminables con la esperanza de alcanzar un futuro equitativo aparentemente inalcanzable.

DB: ¿De qué manera el uso que hacen los artistas de diferentes medios (como técnicas mixtas, ensamblaje, fotografía, escultura y pintura) mejora la exploración de la narrativa histórica y la cultura material en la exposición?

Jett: La historia son las historias que nos contamos sobre el pasado. La historia está llena de descubrimientos, invenciones, ingenio humano, migración y curiosidad. Los diferentes medios utilizados en esta exposición apuntan directamente a estas narrativas históricas. La razón de Moffat Takadiwa para utilizar material encontrado desechado es mostrarnos cómo el proyecto colonial devastó a su pueblo y su tierra. La abundancia de recursos naturales de Zimbabwe brilla por su falta. Cada selección de materiales en esta exposición revela algo sobre el creador y su relación con la historia.

cueva sencilla, cambio de paradigma2024, Imagen © Hayden Phipps, Gremios del Sur

DB: Se dice que el trabajo de Sanford Biggs, en particular sus series Chimera y Codex, jugó un papel importante en esta exposición. ¿Cómo su uso de símbolos históricos desafía y reinterpreta las narrativas tradicionales?

LR: La práctica interdisciplinaria iconoclasta de Biggs es un enfoque artístico con el que estamos muy familiarizados en Sudáfrica. Dentro de nuestro ecosistema cultural, muchos artistas desafían y reinterpretan las formas de expresión occidentales porque son reduccionistas, obsoletas, exclusivas e inadecuadas para la expresión creativa africana. Para recrear, debemos derribar las instituciones y los símbolos de opresión heredados: un acto de libertad.

Biggs Cantor Habló de esta transformación del estado de emergencia. La tradición de los bustos de mármol grecorromanos conserva rastros de la cultura europea, y la fusión de este simbolismo con máscaras africanas plantea preguntas sobre los orígenes culturales, la autenticidad, la hibridación y la extracción, difusión, mercantilización y aleatorización de la cultura por el dominio colonial. Surge el problema de dilución. Es apropiado que Biggs enfrente el horror y la belleza de estas históricas espadas de doble filo. Una canción que representa lo imposible..

Kamyar Bineshtariq, Muro de fábrica.VIII2021, foto © Hayden Phipps, Asociación del Sur

DB: Los tapices casi translúcidos de Bonolo Kavula hechos con telas tradicionales Shweshwe son el punto focal. ¿Puedes explicar cómo estas obras abstractas reflejan la historia colectiva y el linaje cultural?

LR: Como la mayoría de los textiles, la historia del tejido Shweshwe es fascinante. Aunque el material es claramente africano, fue introducido por colonos alemanes a mediados del siglo XIX bajo el rey sesotho Moshoeshoe. Originalmente, esta tela era principalmente azul y blanca, hecha de tinte índigo y lavado ácido. Sin embargo, esta artesanía local se ha abaratado gracias a la producción en masa y a la industria de importación y exportación. El disco Shweshwe perforado de Kavula es un acto de preservación de esta tradición cultural, así como de sus propios antepasados. En su minucioso proceso matemático, se cortan discos de tela y se fijan cuidadosamente en líneas verticales y horizontales, unidad por unidad. Se trata de un proceso de archivo, pero también me interesa la presencia de la ausencia en este acto de extracción;

DB: La reinterpretación que hace Inga Somdyala de la bandera sudafricana está vinculada a la historia política del país. ¿Cómo comenta este trabajo las complejidades de la Sudáfrica post-apartheid?

Jett: Somdiala utiliza un lenguaje visual familiar para atravesar el humo y los espejos del drama político y evaluar el impacto material del fin del apartheid en la mayoría de la población de Sudáfrica. Las dos piezas tienen forma de banderas y cada una apunta a dos historias distintas. La pieza destila el rojo, el blanco y el azul de las banderas holandesa y británica para señalar el «viejo orden». El otro está inspirado en los colores negro, verde y amarillo de la bandera del partido Congreso Nacional Africano, que refleja el «nuevo orden». A través de estas obras, Somdiala nos muestra que si bien el poder político ha cambiado el panorama, las mismas estructuras de poder se han promulgado para sacar provecho de la población negra.