De los retratos del siglo XIX a las protestas modernas: un viaje a “El pasado es prólogo”
Límites, historia y paisaje de la Academia Nacional de Diseño
Con motivo del 200 aniversario de la fundación de la Academia Nacional de Diseño, una exposición profundamente reflexiva titulada «Academia Nacional de Diseño» El pasado como prólogo: reconocimiento histórico, primera parteabriendo un nuevo espacio en Chelsea College. Comisariada por la curadora en jefe Sara Reisman y la curadora asociada Natalia Viera Salgado, esta exposición explora las intersecciones del paisaje y el territorio del siglo XIX, invitando a los espectadores a considerar cómo estos temas resuenan en el panorama cultural y político actual. El primer programa de la serie de dos partes estará disponible hasta el 11 de enero de 2025.
Obras de arte expuestas – desde retrato To the Landscape: abarca casi dos siglos y presenta las colecciones históricas de la Academia y obras contemporáneas que abordan la compleja historia de la expansión estadounidense, el colonialismo y las ideas cambiantes de identidad y pertenencia. Como compartió Reisman entrevista En colaboración con designboom, pasado como prefacio Diseñado para proporcionar’Cómo el arte se convirtió en una herramienta de construcción nacional y evolucionó hasta convertirse en una expresión de cultura… más consistente con el arte contemporáneo tal como lo conocemos..’
Prólogo con el pasado: examinando el pasado de Estados Unidos a través del arte
Con esta próxima exposición en Nueva York Instituto Nacional de DiseñoLos co-curadores entrelazan obras históricas con reinterpretaciones modernas, generando conversaciones que desafían las narrativas tradicionales. Por ejemplo, Reisman destaca los primeros grabados de Moseley Isaac Danforth, Colón desembarcócombinado con las piezas contemporáneas de Howardena Pindell, Colón. Las obras contrastaban entre sí, con las ilustraciones de Danforth representando el llamado «descubrimiento» de América, mientras que la obra de Pindell relataba las atrocidades del colonialismo. Al presentar estas obras en conversación, Reisman demuestra la trayectoria del arte estadounidense desde su papel en la formación de la mitología nacional hasta su papel como medio para la reflexión crítica. ‘Historia del arte y el arco de la historia estadounidense”, señaló Raisman, “Es un símbolo del desarrollo de la universidad..’
Un enfoque en paisajes idílicos y explotados proporciona un retrato matizado de la experiencia estadounidense. Los paisajes tradicionales de la Escuela del Río Hudson se yuxtaponen con el trabajo de artistas contemporáneos como Sonny Asso, cuyas intervenciones en paisajes históricos alteran el mito del destino manifiesto. Esta yuxtaposición pone en duda el impacto ambiental de la expansión estadounidense y su impacto cultural. Al permitir que los espectadores comprendan estas imágenes contrastantes del paisaje americano, pasado como prefacio Proporcionar un espacio para el diálogo crítico en torno a cuestiones de extracción, migración y derechos indígenas. ¡Lea la entrevista completa con la curadora jefe Sara Reisman a continuación!
Una conversación con la curadora jefe Sara Raisman
diseño (DB): pasado como prefacio Explore momentos importantes de la historia estadounidense a través del arte. ¿Qué estrategias curatoriales utilizaste en la exposición para crear un diálogo entre obras históricas y contemporáneas?
Sarah Raisman (SR): Trabajando con la curadora asociada Natalia Viera Salgado, intentamos crear un diálogo entre el siglo XIX (la Academia fue fundada en 1825) y prácticas artísticas más contemporáneas para dar una sensación de progreso en la forma en que se desarrolla el arte. Los dos grupos de obras en los que esta identidad nacional es más evidente son los retratos y los paisajes.
Algunos ejemplos clave son los grabados de paisajes (o realmente paisajes marinos) Colón desembarcó Creado por Moseley Isaac Danforth a mediados del siglo XIX. Esta pequeña obra describe la historia del «descubrimiento» de un nuevo mundo por parte de un explorador victorioso. Está instalado frente a la Galería Howardena Pindell. Colón2020, un lienzo negro de máxima escala con recortes de manos superpuestas sobre un fondo negro y un montón de manos de silicona negra en el suelo con texto que detalla las atrocidades del dominio colonial, incluido el horrible maltrato de los exploradores españoles a los nativos que encontraron. Ambos artistas, Danforth y Pindel, fueron elegidos miembros de la Academia por sus pares. Danforth en 1826 y Pinder en 2009.
DB: En la primera parte, usted enfatiza temas de paisaje y territorio durante la expansión estadounidense. ¿Cómo desafían o complican las obras de esta sección las representaciones tradicionales del Destino Manifiesto y la creación de Estados Unidos?
SR: Creo que el ejemplo del diálogo entre las obras de Danforth y Pindel aborda parcialmente esta cuestión. Quizás se haga una crítica más directa de la tierra y el paisaje a través de la representación del río Hudson por figuras como Frederic Edwin Church y Louis Remy Mignot. Las pinturas del artista dialogan con el trabajo de artistas contemporáneos como Sonny Assu y Enrique Chagoya. que se acercan al paisaje de una manera más conceptual. Los pintores de la Escuela del Río Hudson a menudo describían paisajes como relativamente deshabitados, excepto por figuras humanas, o como deshabitados en absoluto.
Tanto Asso como Chagoya intervinieron en pinturas históricas de los primeros paisajes americanos añadiendo referencias culturales a las imágenes, socavando así el mito del Destino Manifiesto. las obras de aso ir a casa(2014) basado en una pintura del siglo XIX del fallecido artista irlandés-canadiense Paul Kane Escenas cercanas a Walla Walla (1848-52) representa a un grupo de indígenas en un paisaje, al que Asso añadió formas indígenas abstractas flotando en el cielo. Creo que es una forma de futurismo vernáculo, pensar en paisajes que no encajan con las sensibilidades imperiales. Chagoya detención en las fronteras lingüísticas (2019) es una reinterpretación o reinvención de la obra del artista germano-estadounidense Karl Wimar La hija de Daniel Boone secuestrada por indios (1853). Chagoya utiliza la narrativa de Weimar como punto de partida para combinar las fantasías culturales racistas del siglo XIX sobre los nativos salvajes con la política del siglo XXI en la frontera estadounidense.
DB: La exposición abarca desde representaciones idílicas de la naturaleza hasta obras que exploran los impactos de la minería y el desarrollo. ¿Cómo contribuyen estas representaciones contrastantes del paisaje estadounidense a la narrativa más amplia que estás construyendo?
SR: Dos de las obras exploran la extracción y la explotación de formas inesperadas, incluida la de Mary Miss. punto de conexión (2007) y Hock E Aye Vi Edgar «Pájaros» Actualización agua danzante para todos (alrededor de 2018). La obra de Mary Mies es una instalación de puntos azules alrededor de la galería que ayuda a los visitantes a imaginar la escala del aumento del nivel del agua debido al cambio climático de una manera minimalista pero inmersiva. La pieza única «Heap of Birds» es una pieza basada en texto que reflexiona sobre la importancia y el respeto por el agua en las comunidades nativas de los Estados Unidos.
Los dos artistas mantienen desde hace mucho tiempo una práctica relacionada con el paisaje, inspirándose en diferentes tradiciones que se cruzan en sus proyectos y finalmente se materializan en forma de obras de tierra. Ambas obras que exhibieron estaban imbuidas de sensibilidades activistas, «Birds» usando palabras y «Señorita» usando simples intervenciones formales. Juntos se alejaron de las representaciones literales del arte del paisaje en favor de representaciones conceptuales y audaces del paisaje, en cada uno de sus casos, utilizando el agua como paisaje.
DB: El retrato juega un papel clave en esta exposición, particularmente cómo ha representado históricamente a sujetos indígenas, negros, morenos y femeninos. ¿Qué espera que los espectadores se lleven estos primeros retratos y las obras contemporáneas producidas por estos artistas comunitarios?
SR: Lo que intento ilustrar en el ensayo de mi exposición es por qué el retrato era tan importante cuando había un mercado tan grande para él en los siglos XVIII y XIX. Por supuesto, hay retratos claramente blancos en nuestra colección, en gran parte porque los académicos deben enviar un retrato a la colección de la academia como parte de su membresía. Pero es interesante ver los cambios en los personajes representados en estos retratos, como Jane Jackson de Elihu Vedder, una vez esclavo (1865), o el de Charles Wilbert White. matriarca (1967).
SR continúa: Quizás el más destacado de su época fue Eastman Johnson, cuyo trabajo en chico negro (c. 1860-61) es un ejemplo de pintor de género de este período representado en el arte americano temprano. Algunas obras posteriores, como la de White matriarca Fue una señal de progreso en el sentido de que era un artista afroamericano elegido para la Academia, de modo que la idea de quién dio forma a la identidad nacional y contribuyó a la historia del arte a través del retrato y la creación de imágenes ya no se limitaba a los blancos. Pueblo privilegiado de ascendencia europea. La estructura de la Academia Nacional es anticuada (históricamente), pero las obras de arte producidas han cambiado y continúan alejándose de estos primeros prototipos.
