Cómo crear arte evocador para marcar el tono de películas y series de televisión
Cuando veo una película lo que más me atrae es la ambientación. La ubicación realmente marca el ambiente de toda la película.
Mientras crecía, las películas Ratatouille y Cómo entrenar a tu dragón me hicieron darme cuenta de que sólo una buena construcción de mundos puede crear una película sorprendente e inmersiva. A menudo me imagino como un personaje, caminando y explorando los lugares que observo.
Agregar intencionalmente una pequeña historia a cada pintura que invite al espectador a experimentarla puede ser un paso a seguir al crear un concepto. Después de viajar y vivir en diferentes países, me he dado cuenta de que a veces son los pequeños detalles los que impulsan tu arte más allá.
01. Utiliza el diseño ambiental para contar historias.
(Crédito de la imagen: © Carla Cordelia)
Cuando diseño un lugar en un pueblo o ciudad, tengo en cuenta su antigüedad, las muchas historias que ha presenciado y lo bien que lo han cuidado. ¿El tiempo lo ha desgastado o dejado marcas sutiles? Estas preguntas determinan cómo construyo la escena.
Ningún callejón o tienda es perfecto: siempre hay grietas, desgastes y signos de desgaste. Estas pequeñas imperfecciones añaden autenticidad y profundidad, convirtiendo escenas ordinarias en escenas llenas de vida y riqueza narrativa.
02. Inspírate en películas y series.
(Crédito de la imagen: © Carla Cordelia)
Ver películas o programas de televisión es una de mis formas favoritas de ser creativo. Nunca sé qué emociones o pensamientos surgirán durante la experiencia, pero les presto mucha atención. A partir de ahí, me gusta construir una historia en torno al sentimiento o impresión inicial. Usar la película de esta manera me ayuda a aportar una nueva profundidad emocional a mis pinturas.
03. Reúna referencias de ubicaciones reales.
(Crédito de la imagen: © Carla Cordelia)
Siempre que es posible prefiero trabajar a partir de mis propias referencias en lugar de basarme únicamente en imágenes encontradas en línea, por eso durante mis viajes fotografío carteles, tiendas, calles y callejones. Hacer esto me recordó la sensación del espacio y las emociones que experimenté al atravesarlo.
Este recuerdo hace que mi lugar sea más real y mi presencia más fuerte. Uno de mis elogios favoritos que recibo es cuando alguien dice que puede verse caminando por este lugar o sentir como si hubiera estado allí.
04. Manténgase abierto durante la fase de bloqueo.
(Crédito de la imagen: © Carla Cordelia)
Cuando empiezas a pintar, no necesitas planificar cada detalle. Parte de la diversión para mí es descubrir elementos a lo largo del camino. Normalmente empiezo con una idea amplia, como “festival nocturno” o “mercado con pequeños vendedores”.
A partir de ahí, decido qué detalles agregar a medida que se desarrolla la pieza, inspirándome en las referencias que he recopilado. Este enfoque mantiene el proceso flexible e interesante, permitiendo que la pintura se convierta naturalmente en algo más rico.
05. Dibujar miniaturas e iterar
(Crédito de la imagen: © Carla Cordelia)
Antes de añadir color, primero haré un estudio del valor de la escala de grises para comprobar que la composición es clara y legible.
Una estructura de valor fuerte crea profundidad y evita que la pintura se sienta plana. Trabajo a pequeña escala (cada miniatura solo me lleva unos minutos), por lo que puedo probar rápidamente diferentes direcciones. Una vez que uno de ellos se siente bien, lo refine y lo amplié. Este proceso me dio confianza y una base clara antes de pasar al color.
06. Detalles de equilibrio y sencillez.
(Crédito de la imagen: © Carla Cordelia)
El enfoque principal conduce naturalmente a áreas de interés secundarias, mientras que los elementos menos importantes siguen siendo más suaves o menos detallados. Aprender a equilibrar los detalles y la preservación puede llevarlo lejos en su trabajo.
Este enfoque no se trata sólo de composición, sino también de narración. Al controlar el enfoque, puedes guiar a tu audiencia a través de la escena y resaltar la información que deseas compartir.
07. Utilice perspectiva y líneas guía.
(Crédito de la imagen: © Carla Cordelia)
A menudo utilizo elementos dentro de una escena como punto focal para guiar la atención del espectador. Las calles, las paredes e incluso las sombras pueden servir como líneas guía, llamando la atención sobre lo más importante.
Estas líneas no sólo resaltan el punto focal, sino que también alientan al espectador a explorar áreas secundarias de la pintura. Al planificar su perspectiva y utilizar guías sutiles, puede crear una composición más dinámica que parezca intencional y atractiva.
08. Aprende a observar la luz y el color.
(Crédito de la imagen: © Carla Cordelia)
Quizás no sea sorprendente que las sombras cálidas provengan de una luz fría y las sombras frías provengan de una luz cálida. Usar esto como guía le ayudará a crear contraste visual.
La mejor manera de empezar a notar cómo juegan la luz, las sombras y el color es pintar un poco al aire libre. Creo que este método mejora mi sentido del color, entrena mi vista para ver lo que parece natural y aplico este conocimiento a mi trabajo digital.
09. Ponte a prueba con entornos desconocidos
(Crédito de la imagen: © Carla Cordelia)
Supere sus límites artísticos explorando diferentes períodos de tiempo, lugares en los que nunca ha estado y culturas con las que no está familiarizado. Esto me ayudó a desarrollar mi biblioteca visual y mis habilidades de diseño.
Es cómodo confiar en lo que sabemos, pero cuando hacemos películas a menudo necesitamos crear obras de arte que se encuentran en lugares en los que nunca hemos estado antes. Pinterest tiene tantas referencias increíbles de las que aprender.
Otra forma de encontrar inspiración es ir a un museo y estudiar caligrafía. A veces encuentro una forma genial de incorporar las pinceladas de una pintura al óleo y traducirlas a mi arte digital.
Escenas terrestres de fantasía en el mundo real.
(Crédito de la imagen: © Carla Cordelia)
Empezar a trabajar a partir de fotos.
Me gusta comenzar mis pinturas con dibujos lineales simples usando fotografías de referencia que tomo. Luego bloqueé esa capa y configuré la capa de ajuste en Multiplicar. Esto hace que sea más fácil bloquear el color.
Normalmente uso la herramienta Lazo para trazar el contorno de mi arte lineal. Una vez que mi lienzo estuvo cubierto de color, comencé a seleccionar áreas con la herramienta varita mágica y a agregar textura con el paquete de pinceles.
Introduciendo colores complementarios
A continuación, construyo el bosque con detalles como hojas, árboles de fondo, etc., teniendo en cuenta los valores de los árboles de fondo versus los de primer plano. Elige los elementos que me gustan de la referencia, une algunas formas de hojas y completa la selección.
Tener buenas imágenes de referencia es útil porque me ayuda a crear un mundo creíble. Al elegir una paleta de colores, tiendo a preferir los verdes bosques exuberantes y uso colores que los complementen. En este caso el rojo es el complemento del verde, así que elegiré un rosa brillante para uno de los vestidos de las hadas y dejaré un poco de tinte rojo en las ramas.
Reúne colores y añade profundidad.
Finalmente, agregaré una capa de luz suave y comenzaré a coordinar los colores de mi pintura. La luz suave es como un esmalte, normalmente la configuro con una opacidad de alrededor del 30-40%.
A menudo, intento agregar toques de último momento, como elementos oscuros en primer plano, como hojas o ramas, y agrego desenfoque para darle más dimensión a la pintura. Ajustar el equilibrio de color también puede crear una paleta de colores más armoniosa.
11. Usa el color para dar forma a las emociones.
(Crédito de la imagen: © Carla Cordelia)
Siempre me pregunto qué sentimiento quiero que experimente el espectador al mirar este cuadro. ¿Estoy buscando calma, tranquilidad, drama, tensión o calidez y atractivo?
Elegir la paleta de colores adecuada es fundamental para crear esta atmósfera. La paleta de colores no sólo apoya el tema sino que también guía la respuesta emocional del espectador. Al usar el color intencionalmente, puedo crear un ambiente que refuerza la historia que quiero contar.
12. Experimenta con pinceladas pictóricas.
Cuando se me acaban las ideas, visito museos y estudio de cerca las pinceladas de los viejos maestros. Observar cómo superponen trazos, sugieren texturas o implican formas a menudo inspira nuevos enfoques en mi propio trabajo.
Cuando llegué a casa intenté recordar y recrear algunas de estas técnicas e incorporarlas a mi propio estilo. También disfruto experimentar digitalmente, como crear pinceles de Photoshop personalizados y usarlos para desarrollar marcas únicas. Por ejemplo, creé un paquete de pinceles de acuarela personalizados para recrear digitalmente la apariencia de los pinceles de acuarela.
13. Utilice capas de ajuste para los toques finales.
(Crédito de la imagen: © Carla Cordelia)
Las capas de ajuste son uno de los últimos pasos de mi proceso. Los uso para afinar valores, cambiar el tono y agregar un énfasis sutil para mejorar el estado de ánimo general. Me permiten realzar el contraste donde más importa, suavizar áreas que deberían desaparecer o introducir un toque de color para realzar una historia.
La clave es la sutileza: pequeños cambios pueden tener un gran impacto. Las capas de ajuste me ayudaron a unir todo en una superficie cohesiva y pulida. Mi favorito es usar luz suave para resaltar la luz y la oscuridad, o color y desvanecimiento para crear un ambiente.
14. Captura recuerdos personales
(Crédito de la imagen: © Carla Cordelia)
¿Alguna vez has notado que algunas pinturas te llaman más la atención que otras? Para mí, suelen ser lugares que puedo imaginar explorando el lugar o que me recuerdan ciertos recuerdos.
Pienso mucho en esta pregunta cuando estoy pintando. Como artistas, tenemos la capacidad de compartir nuestras experiencias a través del arte y, a menudo, encontramos personas que se conectan con ellas. Por ejemplo, me gusta pintar basándome en mis recuerdos de trabajar en París: la sensación de volver a casa después del trabajo y la energía de viajar.
Incluso los lugares ficticios que creo suelen estar inspirados en ciudades o países reales, lo que les da una sensación real.
15. Mantenga un cuaderno de bocetos para dibujar al aire libre.
(Crédito de la imagen: © Carla Cordelia)
He adquirido la costumbre de llevar conmigo un cuaderno de bocetos cada vez que salgo de casa. Con la práctica, llenar la página se volvió más fácil y noté lo rápido que desarrolló mi estilo de dibujo.
Cuanto más dibujas, más sueltas serán las líneas, más simples serán las formas y más fuerte será el sentido de composición. Mi cuaderno de bocetos también me da espacio para experimentar y mis técnicas favoritas a menudo se incorporan a mi trabajo digital.
16. Mantén la curiosidad y explora tu propio estilo.
(Crédito de la imagen: © Carla Cordelia)
Como artista, me resulta útil explorar constantemente nuevas herramientas, géneros y técnicas. Comencé como artista tradicional creando ilustraciones en acuarela antes de pasar al arte conceptual digital.
Siempre que puedo, trato de tomar clases de dibujo de figuras para mejorar mi carácter. Como artista de ambientes, no me limito a pintar ambientes.
Puedes ver más del trabajo de Carla. sitio web.
Para obtener más inspiración, consulte nuestra función. ¿Qué es el arte conceptual?
Este artículo fue publicado originalmente en ImagineFX. Suscríbete a ImagineFX Nunca te pierdas una pregunta. Suscripciones impresas y digitales disponibles.
