La fotografía cinematográfica a menudo se describe como honesta, natural y humana. Pero esta “honestidad” hace tiempo que se convirtió en nostalgia, un ritual que seguimos repitiendo para asegurarnos de que la artesanía significa control.
La fotografía cinematográfica volvió a convertirse en símbolo de autenticidad. Hoy en día, cada vez que se menciona la palabra “honestidad”, aparece casi automáticamente. El cine conserva algo de humanidad: lentitud, enfoque, imperfección, todo lo que le falta al proceso digital. El número limitado de marcos, la automatización imperfecta y la espera de desarrollo crean una sensación de esfuerzo y destreza. Las películas prometen compromiso y paciencia frente a la velocidad del mundo digital. Sin embargo, detrás de este sentimiento no hay un retorno a la realidad sino un deseo de recuperar el sentido de competencia perdido. No nos esforzamos por lograr la autenticidad; simplemente lo reinventamos.
La naturaleza de la nostalgia
La nostalgia por la fotografía artificial no surge del amor por la tecnología sino de una sensación de perder la propia experiencia. Cuando las habilidades ya no ofrecen ventajas, la nostalgia se convierte en una forma de defensa. Esta reacción es natural, pero se trata menos de fotografía que del deseo de recuperar el control. Como resultado, la gente desdeña los modelos automatizados y está convencida de que las herramientas digitales han acabado con el oficio. Hoy en día, la fotografía avanza en la dirección opuesta: la automatización libera el ojo humano y desplaza el foco hacia las opciones que dan intención a la imagen.
A los fotógrafos alguna vez les preocupaba que la automatización acabara con la profesión, pero la tecnología nunca devalúa las habilidades; sólo cambia donde se necesita atención. No devalúa el oficio; simplemente cambia la dirección del esfuerzo. Este miedo deja a los fotógrafos vulnerables, no por la tecnología, sino por su propia resistencia al cambio.
La nostalgia no es digna de ironía. Refleja un intento de devolver la atención al proceso. Pero esta preocupación no es de la tecnología, sino de las personas. Las películas pueden despertarlo, pero no define el valor del resultado. El proceso puede ser fascinante, pero eso no hace que los resultados sean más honestos.
A menudo idealizamos el pasado porque nunca lo vemos en su totalidad. Las fotografías débiles permanecen en los álbumes familiares, mientras que las fotografías fuertes aparecen en revistas y libros, creando la ilusión de estándares más altos. La verdad es que la gente solía hacer fotos peores. La mayoría de las fotografías están mal expuestas, mal compuestas y nunca han sido publicadas fuera de archivos privados. Las cosas son diferentes hoy. Gracias a los teléfonos inteligentes, la exposición automática y las nuevas generaciones de cámaras, el resultado final de la fotografía ha pasado de ser amateur a ser profesional. Nunca antes se habían visto tantas fotografías tan bien realizadas. El problema no es la decadencia, sino el exceso. La tecnología ha nivelado el campo, por eso ahora ya no todo depende de las habilidades sino de la visión.
De ahí surgió la persistente creencia de que la fotografía debía ser difícil. La facilidad es sospechosa, mientras que los controles manuales son un signo de profesionalidad. Sin embargo, la dificultad por sí sola no crea valor, y el cine no hace que una imagen sea más honesta, como tampoco un lápiz hace que una pintura sea más honesta. Simplemente proporciona otra forma de trabajar. Para algunos, es un oficio; para otros, es meditación. Pero la pureza del resultado no depende del material sino del cuidado que se le ponga.
puro mito
La película no tiene peso moral. Lo que llamamos honestidad no es más que el pasado. La fotografía nunca depende de la cantidad de escenarios. El control total da confianza pero no garantiza significado. Puede volverse mecánicamente repetitivo fácilmente. Dominio técnico una vez definidos los profesionales; hoy, esa distinción se ha desvanecido. La automatización elimina la necesidad de que los fotógrafos demuestren sus habilidades, cambiando el enfoque hacia las habilidades de conciencia y observación. En este contexto, el cine se ha convertido en un símbolo de resistencia, no de descubrimiento, sino del deseo de preservar un orden familiar. Reconocer esto no disminuye su valor; devuelve la fotografía a la verdadera honestidad, a la atención más que al control.
La mayoría de las fotografías cinematográficas nunca se imprimieron. Los desarrollamos, los escaneamos, los editamos con software y los almacenamos en un disco duro. Al hacerlo, el cine pierde lo que alguna vez justificó su existencia: presencia física, imprevisibilidad y verdad material. Una fotografía que dice ser analógica termina su vida en forma digital y se vuelve analógica. Todo lo que alguna vez se llamó honestidad se ha convertido en un ritual sin sustancia. El debate analógico versus digital no tiene un tema real porque todo ya es digital, incluso las películas. Los fotógrafos digitales trabajan en el mismo ámbito que los “románticos analógicos”, sólo que de forma más honesta, sin autoengaños y sin la necesidad de demostrar fidelidad al pasado.
Además, la producción, el desarrollo y la impresión requieren plásticos, productos químicos, agua y energía. Cada rollo deja residuos y una huella de carbono. No hay duda de que la tecnología digital es más limpia. Sin embargo, el mito de la pureza analógica persiste porque conserva un sentido de superioridad moral, como si el trabajo y el esfuerzo físico hicieran la imagen más auténtica moralmente. De hecho, lo que defendemos no es la ecología ni la estética sino la reconfortante creencia de que las personas mayores son esencialmente más amables.
rituales que amamos
Filmar una película no te convierte en una mejor persona. Trabajar en digital no justifica la mediocridad. No es el medio o el método lo que determina el resultado, sino la intención detrás de él. Los verdaderos errores se cometen conscientemente. Sólo así podrán crear una atmósfera y convertir la imagen en un entorno en lugar de un resultado aleatorio. Esto es lo que significa la honestidad profesional, no el método de disparar, sino la conciencia de lo que se hace y por qué.
La película recupera una sensación de lentitud, paciencia y ritual. Esto hace que el proceso sea atractivo, especialmente para aquellos cansados de la velocidad digital. Paradójicamente, sin embargo, la película ralentiza el proceso, pero no la mirada. Sin el objeto físico, esta lentitud sólo existe en el fotógrafo; nunca llega al espectador. No se trata de verdad, se trata de sentimiento. Para algunos es una forma de recuperar la concentración, para otros es una forma de recuperar el sentido de sustancia. Todo esto es valioso siempre y cuando no reemplace las conversaciones sobre el significado mismo.
Las películas ya no ofrecen lo que la gente busca en ellas. Sus resultados no son más limpios, más claros ni más profundos. No lo usamos por calidad, sino por compromiso. La creación y el desarrollo hace tiempo que dejaron de ser una exploración para convertirse en un ritual para confirmar el dominio técnico.
La honestidad de la fotografía actual no reside en los viejos métodos sino en la capacidad de trabajar con un medio cambiado, una visión clara y una disposición para ver el presente sin esconderse detrás de imágenes del pasado.
Quizás ese sea el objetivo comercial de las películas: no en los resultados, sino en las historias que los clientes cuentan a sus amigos. Sólo se aplica cuando la personalidad es más importante que la velocidad: en la fotografía artística, el proceso se convierte en parte de la imagen del autor. Las películas pueden ser fascinantes, pero ya no son honestas. La verdadera honestidad en la fotografía reside en la claridad de la visión y la disposición a trabajar con la realidad misma en lugar del reconfortante reflejo de la memoria.
