Rara vez se puede guardar un fuerte contraste con un control deslizante después del hecho. Si desea una imagen que parezca intencionada en lugar de insulsa, deberá considerar el contraste antes de abrir el editor y tocar Usar curva de tono.
nunca vengo a ti Samuel Elkinseste vídeo práctico redefine el “contraste” como una elección que se hace en el momento y luego se perfecciona en la publicación. Elkins comienza por cambiar el hábito predeterminado de usar los controles deslizantes de exposición, saturación, nitidez y contraste directamente en Lightroom. En cambio, te ves obligado a decidir qué debe ser claro y qué debe ser oscuro mientras disparas, por lo que el archivo ya tiene una dirección clara. Esta mentalidad cambiará la forma en que mides la luz y dónde colocas al sujeto en el fondo, especialmente si la escena tiene un cielo brillante y sombras oscuras en el mismo encuadre. También señala un punto de falla común: ediciones que se ven “buenas” pero se sienten vacilantes porque la gama tonal nunca se moldea intencionalmente.
Una vez que Elkins recurrió a la computadora, la atención se centró en la curva de tono como pieza central de la edición en lugar del paso final. Verás que las curvas se tratan como una superficie de control completa: las luces, las luces, las sombras y las sombras se ajustan con precisión para formar formas, en lugar de tirarlas para darle dramatismo. Prefiere la curva paramétrica primero porque es más fácil de leer cuando estás aprendiendo, y luego mostrar la curva de puntos cuando estés listo te da un mejor control. Estos ejemplos están tomados de documentos reales, incluidos en Fuji X100VIy la edición está integrada en capas para que puedas realizar un seguimiento de los cambios reales que ocurren con cada acción. También recibes una advertencia clara: si estás demasiado lejos de la línea de inicio, la curva de tono puede hacer que la imagen se vea rara rápidamente.
La parte a la que vale la pena prestar mucha atención es cómo separa el “tono” del “brillo” y cambia el orden en el que trabaja. En la demostración, bajará el tono de resaltado para suavizar las áreas más brillantes, en lugar de simplemente oscurecer todo el archivo, y luego dará forma a los lados sombreados para resaltar la textura y evitar que la imagen se convierta en barro. Muestra por qué tiende a evitar movimientos bruscos en la luz y en la oscuridad, confiando más en formas sutiles de tonos medios cuando quiere una apariencia más poderosa. También hay una observación simple sobre la dirección de la iluminación que afectará todo lo que hagas en el futuro: la iluminación lateral te brinda un gradiente más suave desde las luces hasta las sombras, y ese gradiente es más fácil de controlar con curvas que una escena iluminada directamente. Toca brevemente los ajustes de HSL para colores problemáticos como el verde, pero omite la mayor parte para que usted pueda concentrarse en las decisiones de tono.
Lo verá copiar ajustes de curvas entre imágenes para probar la coherencia y luego descubrirá dónde se rompe la misma curva porque la luz subyacente es diferente. También hace referencia a la idea clásica de la curva en S, pero la verdadera conclusión es cómo un pequeño cambio en el punto de anclaje puede cambiar todo un estado de ánimo sin gritar “editar”, especialmente si evitas que tus puntos negros adquieran esa apariencia elevada y descolorida. Si su editor oscila entre demasiado nítido y demasiado plano, la forma en que juzga los medios tonos versus las sombras puede cambiar la forma en que aborda su próxima sesión, incluida la forma en que expone cuando sabe que necesita profundidad más adelante. Mire el vídeo de arriba para ver el resumen completo de Elkins.
