“El Museo de Arte del Condado de Los Ángeles de Zumthor captura la extrañeza de nuestro tiempo”
como Peter Zumthormuy esperado Museo de Arte del Condado de Los Ángeles Apertura, escritor local. Sean Lehner-Ross Examina cómo la estructura refleja el momento presente.
CEO y director de la empresa Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (Museo de Arte del Condado de Los Ángeles) Michael Govan parece creer que los altibajos de la toma rápida de decisiones no tienen nada que ver con la búsqueda de la inmortalidad.
Desde que se unió hace 20 años, Govan ha encargado obras permanentes únicas a artistas contemporáneos, transformando una institución cultural pública aclamada por la crítica en un laboratorio para el estrellato global. Su primer encargo fue Urban Light (2008) de Chris Burden, una serie de farolas restauradas cerca de la entrada que convirtieron a LACMA en uno de los destinos turísticos más populares de la ciudad.
Otras obras, como Levitated Mass (2012) de Michael Heizer, que coloca torpemente una roca de 340 toneladas sobre una acera desolada en un pozo de arena de 2,5 acres, ridiculizado – Las consecuencias más comunes de la impulsividad.
Pero ningún encargo, para bien o para mal, es más importante que la recientemente inaugurada Galería David Geffen, el nuevo hogar de la colección permanente de LACMA.
El diseño permite la fragmentación del sentido de identidad del museo.
El plan generó críticas y preocupación locales desde el principio. Se trata del primer proyecto construido en Estados Unidos por el arquitecto suizo Zumthor, conocido mundialmente por sus obras minimalistas con extraordinaria sensibilidad espacial y matérica. También es su galería más grande hasta la fecha, que mide 347.000 pies cuadrados (32.237 m) en 3,5 acres (pero sólo ofrece 110.000 pies cuadrados de espacio de galería, 10.000 pies cuadrados menos que la galería a la que reemplaza).
El proyecto, que consta de más de 2 millones de pies cúbicos de hormigón (65.000 metros cúbicos), tiene un precio de 750 millones de dólares (de los cuales 125 millones provienen de impuestos locales), e incluso se atreve a abarcar un gran bulevar como un paso elevado de una autopista, tal vez una representación visual del mercado del arte en rápido crecimiento de Los Ángeles y su creciente estatus.
Pero si todo eso se puede dejar de lado de alguna manera, las masas probablemente experimentarán el producto final como uno que captura la extrañeza de nuestro tiempo. Es abrumador en muchos sentidos; algunos son sublimes, como debería ser el arte, mientras que otros distraen, como lo es la vida hoy.
A diferencia del neoclásico Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, las salas aquí están cuidadosamente dispuestas en una cuadrícula sin ventanas, donde los visitantes navegan por un vasto plano de planta abierto, tratando el tiempo y el espacio de la historia del arte como juguetes visuales.
Ciertamente no es obvio al principio, pero el espacio de la galería está dividido geográficamente en cuatro secciones, cada una inspirada libremente en diferentes redes de intercambio cultural marítimo. La entrada principal transporta a los visitantes al Océano Pacífico, donde la cerámica china del siglo XIV y las pinturas coloniales españolas flotan en un mar de concreto junto al Studebaker Avanti hecho a medida por Raymond Loewy.
Esta conciencia de estos complejos intercambios globales es evidente incluso en las galerías más pequeñas, parecidas a monasterios, dispersas por todo el espacio, diseñadas para brindar breves momentos de atención enfocada en medio de paredes sin ventanas e iluminación ambiental. Este diseño fragmenta el sentido de identidad del museo.
Pintar el oeste americano, por ejemplo, yuxtapone pinturas de secuoyas angloamericanas del siglo XIX con respuestas nativas contemporáneas a su romanticismo consumista, tratando la región como un lugar real y un mito. La conversación intercultural se hizo aún más fuerte cuando la gente notó que la instalación estaba etiquetada como patrocinada por Qatar. Juntos, estos revelan la delicada relación del arte con la exposición de las dinámicas de poder y al mismo tiempo quedan atrapados en ellas.
¿La suspensión del edificio es un servicio al público o es sólo un síntoma de su carácter monumental?
Gracias a la loca idea de Zumthor de elevar todo el espacio de la galería a 30 pies (nueve metros) sobre el suelo, las obras de arte también dialogan con vistas panorámicas del campus del museo y la ciudad más allá. Mientras que los edificios originales del museo traicionaban los tesoros de su entorno, como la Galería de Arte Japonés de Bruce Goff de 1988, Zumthor los veía como obras de arte por derecho propio.
Incluso Wilshire Boulevard recibe el tratamiento de estrella, invitando a los visitantes a darle la espalda a la obra de arte y contemplar los patrones de tráfico. Si aún no te impresionan las yuxtaposiciones del arte, conocer la ciudad sólo aumentará esa sensación. Dado que el puente atraviesa un bulevar y ofrece vistas panorámicas, ¿la suspensión del edificio es un servicio al público o es sólo un síntoma de su naturaleza monumental?
En un momento en que las instituciones culturales luchan por competir con el atractivo de los teléfonos inteligentes, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles ha creado un espacio museístico que se siente como nadar a través de un pergamino sin fondo de Instagram. Los espectadores siguen sus propios senderos de dopamina seleccionados, persiguiendo estimulación visual en cada esquina antes de darse cuenta de dónde están o cuánto tiempo han pasado cazando. Como visitante experimentado del museo, me encontré perdido en el laberinto.
Pero para un espacio de galería tan en sintonía con la capacidad de atención contemporánea, está plagado de fallas tecnológicas que incluso aquellos adictos a sus teléfonos podrían notar.
Muchas obras de arte orientadas al exterior están inundadas de luz natural, lo que destruye los detalles de las pinturas y arroja brillo sobre el vidrio protector. Las cortinas de tela Nuno de las ventanas, aunque a veces elegantes, en general eran demasiado ligeras para mitigar el exceso de luz natural y no se podían colgar verticalmente sin plancharlas inmediatamente.
Los primeros críticos del diseño pueden sentir que tenían razón al preocuparse de que un museo hecho con los mismos materiales que el estacionamiento crearía un eco. Las charlas y las escuchas en la galería, algunos de los aspectos más destacados de un día en el museo, se verían estropeadas hasta que Zumthor aprobara la instalación de paneles acústicos.
Aunque la Galería David Geffen alude visualmente a los conceptos interior/exterior de los modernistas locales de mediados de siglo, se siente aislada del resto del campus del museo, sin apenas un espacio exterior elevado propio. ¿Cuántos visitantes encontrarían más tarde el valor de visitar los otros dos edificios del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, o incluso recordarían que existían?
El acto de levantar un museo es tan importante para el público como para las celebridades
Al salir del museo estilo intersección estilo autopista, los visitantes llegarán al parque estilo estacionamiento que se encuentra debajo. A primera vista, esto puede parecer otro descuido, pero la planta baja es en realidad Feathered Changes (2026) de Mariana Castillo, una obra de arte de hormigón de 207.000 pies cuadrados (19.230 metros cuadrados) que parece fuera de proporción pública sin los bancos, mesas y otras características esenciales de un espacio público abierto.
Dos obras originalmente integradas en el edificio original, Smoke (1967) de Tony Smith y Hello Girls (1964) de Alexander Calder, se reintegraron en todo el sitio, sirviendo como telón de fondo fotogénico para los eventos para los que la plaza fue diseñada originalmente.
Sin embargo, el acto de demoler un museo es tan importante para el público como para las celebridades. Mientras que el edificio original se encontraba en medio de un parque de 34 acres, el parque de Zumthor permite al público caminar a través de él sin ningún obstáculo. Los visitantes del parque ahora pueden mirar hacia arriba y ver espectaculares exhibiciones de la historia del arte a través de las ventanas de la galería en cualquier momento, sin siquiera pensar en la entrada.
Pero si aún no estaba claro que el objetivo principal de Govan era dejar una huella permanente en Los Ángeles, eso es exactamente lo que hizo. El 16 de abril, tres días antes de que el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles abriera sus puertas a los miembros, Govan y Zumthor dejaron sus huellas descalzos en el último vertido de concreto de Feathered Changes Plaza Art en Castillo Deball. Esto entrelaza sus huellas con las de serpientes, coyotes y correcaminos, que el artista incorpora a la historia geológica del sitio del museo. Es un acto de arrogancia, pero es más que una simple fantasía.
Fotos cortesía de Iván Bann.
Shane Reiner-Roth es escritor, fotógrafo, curador y educador. Es profesor en la Universidad del Sur de California y actualmente realiza un doctorado en UCLA. Su trabajo ha aparecido en Architect’s Newspaper, Architectural Record y Architectural Digest.
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