Cómo Yoav Segal diseñó ‘Cable Street’ para una nueva generación

En el otoño de 1936, las calles del East End de Londres se convirtieron en una prueba de fuego para el futuro de la democracia británica. Cuando Oswald Mosley intentó liderar su Unión Británica de Fascistas a través del corazón de las comunidades judía e irlandesa, no sólo encontró un bloqueo sino que también recibió una clara declaración de identidad colectiva. Para el escenógrafo Yoav Segal, este momento histórico fue más que un simple encargo profesional. Es parte de su línea de sangre.

Nos reunimos con Siegel en su estudio en Maker University en Somerset House, donde compartió su filosofía y proceso.

“‘Cable Street’ es una obra que tengo muy cerca del corazón”, explicó Siegel. “Mi abuelo, Ubby Cowan, fue uno de los organizadores y participantes en las manifestaciones contra Moseley. Es una parte fundamental de nuestra historia familiar. Se siente como una enorme responsabilidad tener la tarea de darle vida a ese mundo en el escenario”.

El musical, escrito por Tim Gilvin y Alex Kanefsky, se ha convertido en una piedra de toque cultural después de dos presentaciones con entradas agotadas en el Southwark Playhouse y un exitoso traslado al Marylebone Theatre. Mientras se preparaba para cruzar el Atlántico para su estreno en Nueva York, el diseño tuvo que evolucionar y adaptarse a las necesidades de diferentes espacios manteniendo al mismo tiempo la energía cruda y combativa que definió la “Fight” original.

Transición de empuje a empuje

La transición de Cable Street del íntimo escenario de tres lados del Southwark Theatre al “palco” independiente del Marylebone Theatre fue un obstáculo técnico importante. En el escenario principal, el público es parte del edificio; la energía es circulante e inmersiva. El traslado al arco del proscenio requiere que el diseñador “eleve” el mundo hasta convertirlo en una exhibición enmarcada.

“La dinámica es muy diferente”, dijo Siegel. “La energía de empuje proviene del público en la actuación, y el escenario es más expresivo. El diseño del escenario necesita más naturalismo para adueñarse del espacio y contar la historia”.

El diseño original utilizaba torres de andamios para elevar la banda, creando una sensación industrial abstracta. Para mudarse a Marylebone, Siegel eligió el “mundo abierto”. Introduce un arco de madera en ruinas, un portal de metal y un complejo de apartamentos reducido, que representa la casa de la que fueron desalojados nuestros personajes. Esto tiene como telón de fondo el distante y atmosférico paisaje urbano del este de Londres.

Para darle al escenario una sensación de profundidad infinita en un espacio limitado, Siegel utilizó técnicas de perspectiva falsa y forzada de la “vieja escuela”. “Al reducir gradualmente los ángulos de los edificios y los espacios domésticos, podemos engañar a la vista”, explica. “Cuando estás en las etapas de dibujo y construcción, se siente como una tirada de dados. Te preocupa si los ángulos se sentirán orgánicos o simplemente ‘dramáticos’. Verlo aterrizar y proporcionar esa profundidad es un gran alivio”.

Excelentes críticas y “arrogancia teatral”

Los críticos se apresuraron a notar cómo las elecciones de diseño respaldaban la partitura contemporánea del musical. el guardián elogiando “un retrato musical deslumbrante de una comunidad”, mientras escenario señaló que la producción tenía un “estilo genuinamente teatral”. Gran parte de esta “arrogancia” proviene de la negativa de Siegel a dejar que los decorados parezcan recreaciones históricas estáticas.

Los críticos han enfatizado cómo los decorados se sienten como una extensión de los cuerpos de los artistas. El uso de hierro corrugado y marcas viales permite una coreografía de alta energía. Dinámica escénica Conocido como el “Cinturón Absoluto”. El diseño sirve como algo más que un simple telón de fondo; sirve como adversario y aliado mientras los personajes de Sammy, Mairead y Ron navegan por las calles radicales.

Cuando la producción se trasladó a Nueva York, el diseño se modificó nuevamente. “El espacio de Nueva York es una fusión de los dos diseños anteriores”, dijo Siegel. “El escenario es menos profundo y estrecho, por lo que restauramos los andamios de la banda y perdimos las vistas más grandes del apartamento y de la ciudad. Sin embargo, conservamos las paredes, puertas y ventanas detrás del escenario para crear nuestro propio escenario interno. También agregamos una pared de ladrillos para facilitar los ‘cruces’, permitiendo a los actores moverse de manera invisible detrás de escena, lo cual es esencial para el trabajo conjunto de ritmo rápido que exige este espectáculo”.

Declaración táctil del lápiz sobre píxeles

En 2026, la industria del diseño se enfrentará al rápido aumento de la inteligencia artificial generativa y los flujos de trabajo digitales. Siegel, sin embargo, sigue siendo un firme defensor de la artesanía. Para “Cable Street”, el proceso sigue arraigado en el mundo táctil de los modelos a escala 1:25 y 1:50.

“El dibujo abre e involucra partes del cerebro que no están disponibles en los modelos CAD 3D”, dijo Segal. “Hacer modelos a escala significa que puedes sostener, involucrar y observar una representación física real del espacio, en lugar de cálculos basados ​​en vectores”.

Siegel describe su proceso como una serie de borradores de “tarjeta blanca”: versiones rápidas y baratas del decorado que les permitieron a él y al director Adam Lathan “probar” la sensación del espacio. “Los directores siempre prefieren un modelo realista, con verdadero desorden, pintura y pátina. Es más evocador emocionalmente, más defectuoso y más vulnerable. Está más conectado con los juegos de la infancia”.

Esta filosofía del “juego” está en el centro de la obra de Siegel. Creía que la especialización excesiva del proceso de diseño a través de interfaces informáticas privaría al teatro de su naturaleza “animada”. Esta conexión táctil tiene una conexión profundamente local: durante la fase de diseño, Segal visitaba con frecuencia la legendaria tienda de modelos 4D para comprar suministros. “Está ubicada en Cable Street. Casualmente, la tienda cerró el año pasado, pero el recuerdo de visitarla mientras hacía este proyecto quedará para siempre envuelto en ella. Es la meca de los creadores”.

Evite una apariencia de “museo” con investigaciones y texturas

Un desafío de larga data para los dramas históricos es evitar la trampa del “legado”: ​​diseños que parecen demasiado limpios, demasiado distantes, demasiado parecidos a una exhibición de museo. Para hacer que “Cable Street” pareciera un “llamado a la acción” para el público moderno, Siegel recurrió a la estética de la protesta guerrillera y de vanguardia de los años treinta.

“La referencia visual clave es la fotografía original de los manifestantes”, dijo. “Trajeron chapa ondulada, escaleras, trozos de madera y postes para bloquear las calles”.

Siegel también se apoyó en dos grandes pilares artísticos: el de Picasso. Guernica y el icónico mural de Cable Street en el Ayuntamiento de Shadwell St George. GuernicaA principios de 1939, la famosa obra recorrió la Galería Whitechapel, a pocas calles de donde tuvieron lugar los combates, proporcionando un modelo para representar el caos a través de la perspectiva y el contraste. “Su abstracción y sensación de horror inminente fue un lenguaje de diseño que tomé prestado”, señaló Siegel.

El resultado es un conjunto que se siente “habitado” en lugar de “construido”. La paleta de colores es un choque de asfalto envejecido, metal oxidado, madera desgastada y marcas viales amarillas. “Quería que el público sintiera el sudor de quienes bloqueaban las calles con sus cuerpos. La textura tenía que parecer moderna y guerrillera, porque la lucha contra el fascismo aún no ha quedado obsoleta: es tan contemporánea en 2026 como lo fue en 1936”.

Mientras Cable Street se prepara para llevar su mensaje de esperanza y comunidad al escenario global, el trabajo de Seale es un testimonio del poder del cuerpo. Al combinar la historia familiar con habilidades para jugar a los dados y un profundo compromiso con la artesanía, crea un espacio donde el pasado no sólo habla, sino que grita.

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