En los estudios de moda de todo el mundo, la evolución creativa continúa remodelando el diseño de la impresión. Mientras que algunos diseñadores manipulan píxeles en la pantalla, otros se adhieren a los pinceles. Esta tensión define uno de los mayores desarrollos creativos en la moda: la transición del diseño analógico al diseño digital en el diseño impreso.
Pero esto está lejos de ser un caso simple de reemplazar lo antiguo con lo nuevo, un baile complejo entre la tradición y la innovación, la artesanía y la eficiencia, la expresión artística y las necesidades comerciales. Algunos de ellos Tendencias de moda influyentes Ya equilibrado lo viejo y lo nuevo.
Simulación de legado
“Antes de esto, el diseño textil impreso para ropa lista para usar se logrará a través de tejido y bordado. Amanda Briggs-Goode, Director, Fashion, Textile y División de prenda de punto, Director de Director Centro de investigación de moda y textiles en la Universidad Nottingham Trent.
«Otro método en el siglo XIX fue la impresión de bloques, que se usó bien en el siglo XX, donde cada color de cada diseño se talló en bloques planos de madera y luego se alineó e imprimió como repeticiones, el método más famoso en el trabajo de William Morris».
«El verdadero cambio de juego comenzó en la década de 1920, y con el comienzo de la impresión de pantalla, la traducción de ideas de diseño se volvió más bajo el control del diseñador y logró el éxito en la fotografía».
Además de eso, los métodos de impresión digital han estado surgiendo y abiertos al uso de colores desde la década de 1990, agregó que aunque este método todavía representa una pequeña parte de la producción global.
Resistir
A pesar de la velocidad del desarrollo digital, los métodos de simulación son una creencia fundamental en el valor del tacto humano. «Los diseñadores de impresión realmente están impulsados por el uso de la pintura, la creación de marcas y el uso de cuadernos de bocetos donde puede desarrollar su propia escritura y explorar ideas, estos siguen siendo métodos de investigación visuales importantes para los diseñadores», dijo Amanda.
Para artistas y diseñadores suizos Ginny Litscherel proceso creativo de los diseños de impresión todavía está profundamente arraigado en la tecnología física para producir sus diseños complejos impresos en bufandas de seda, trajes de baño, esteras y otras ropa. «Mi obra de arte siempre es pintada a mano o pintada a mano por mí. Me gusta mezclar técnicas», dijo. «En primer lugar, hay una imagen intuitiva que aparece naturalmente en mi mente. Los colores y los detalles ya están claros porque tengo un cerebro fotográfico. Luego voy a trabajar. Por lo general, comienzo a pintar en grandes lienzos, con un cepillo, un lápiz, un lápiz, una tinta, un aceite, un aceite. Para más detalles, me gusta usar tinta y un aceite para hacer colores». Como muchos de sus compañeros, Ginny luego dispara o escanea a Photoshop Para preparar el archivo impreso para la producción.
La naturaleza táctil de estas técnicas tradicionales afecta la estética definitiva del diseño, y las herramientas digitales aún son difíciles de replicar realmente. Las propiedades de material impredecibles del sangrado de tinta y las texturas de pincelada, así como los felices accidentes que ocurren durante la producción, han promovido cualidades que muchos diseñadores consideran insustituibles.
Sarah Cheyne, profesora titular de diseño e impresión Ual London Fashion College Abogue por lo que ella llama «un método de producción hecha a mano enraizada en la pintura, la fabricación y las técnicas de artesanía», una filosofía que refleja un movimiento educativo más amplio, incluso en la era digital. «Me gusta explorar las técnicas de pintura, hechas a mano y usarla como base para la dirección de diseño, y también combinarla con fotografía, especialmente la fotografía azul (el proceso de fotoprinta sin cámara).
Adquisición digital
Pero, dijo Sarah, al mismo tiempo, también alienta a adoptar procesos digitales en el desarrollo de ideas y crear innovaciones con técnicas experimentales innovadoras. «El software digital como Photoshop y recientemente AVA Cadcam han revolucionado el proceso de diseño en los últimos 25 años para hacer que el diseño y el desarrollo de color sean más rápido y fácil para los diseñadores», dijo, quien inicialmente condujo a un aumento en el diseño con un aspecto demasiado «digital».
Gareth Wadkin, líder del curso Licenciatura en diseño textil de la Universidad de las Artes de Leedsde acuerdo en que en las últimas décadas, los diseñadores han sufrido cambios fundamentales en su visión. «El aumento de las prácticas textiles digitales ha cambiado cómo los diseñadores abordan los colores, los detalles y la producción. Los avances en el software digital proporcionan un control de color preciso, la manipulación de imágenes y la capacidad de crear patrones de repetición complejos y texturas en capas, lo que permite diseños de diseños estándar profesionales para la impresión.
Gareth agregó que la velocidad de las iteraciones digitales comprime drásticamente el ciclo de diseño. «Con métodos tradicionales como la impresión de pantalla, que requieren pantallas separadas para cada color, el proceso digital proporciona una mayor velocidad, flexibilidad y una gama de colores casi ilimitadas. En lugar de reemplazar las técnicas tradicionales, complementa el método digital». Gareth dice que combinar la fluidez digital con procesos prácticos como la impresión manual, el teñido y el bordado es la mejor manera de obtener una comprensión integral del diseño y producción textil, especialmente en una industria en evolución.
La libertad obtenida a través de las herramientas digitales ha democratizado el diseño de impresión, permitiendo a diseñadores independientes como Matt y Lauren Rowley ser cofundadores de las marcas de ropa de calle británica atraercompetir con etiquetas establecidas. Aunque inicialmente pasaron tiempo buscando inspiración en Londres («Tome cualquier foto que nos inspirara: colores, puntos de referencia, ropa, tiendas, personas en la calle», dijo Matt, y luego pintaron la idea), decidieron trabajar con el artista para mejorar el disfraz.
Su enfoque de colaboración con el artista de graffiti Julian Johnson, también conocido como Artjaz Refleja cómo las herramientas digitales pueden simplificar la fabricación mientras se mantiene la integridad artística.
«Tuvimos la suerte de que Julian hiciera todas las piezas en Illustrator, por lo que estaban lo más cerca posible de la impresión», dijo Matt sobre el diseño, que solo requería algunos ajustes antes de finalizar la muestra. «Cada serie colaborativa lleva el nombre del artista (y) cada artista propuso este personaje en su propio estilo. Julian hizo a Big Tony y Lil Flo, y nos enamoramos y sabíamos que serían nuestro primer lanzamiento. El arte es tan bueno que lo pusimos tan lejos como pudimos en el fondo de las camisetas y las chaquetas».
Debate mixto
Attren usó herramientas digitales para concebir al hacer el diseño: «Pensamos que la impresión de pantalla traería la mejor obra de arte y le daría alguna textura», dijo Matt.
Cuando se trata de percepciones y definiciones de calidad varía ampliamente, esto resalta un debate común sobre la simulación y la digital. Por ejemplo, los entusiastas tradicionales de la impresión de pantalla a menudo discuten sobre su calidad táctil, así como una excelente saturación de color y durabilidad.
Sin embargo, la calidad de la impresión digital se ha desarrollado dramáticamente, con imágenes realistas y clasificaciones de color complejas, con una mejor precisión y repetibilidad. Esto también ayuda a mejorar los objetivos de sostenibilidad de la impresión digital, por ejemplo, una coincidencia de color precisa, diseñada para minimizar la reimpresión y la impresión a pedido para reducir la producción excesiva de productos, aunque el consumo de energía y los ciclos de vida del equipo también presentan desafíos continuos.
Además de la idea liberadora de la libertad digital, también puede convertirse en una paradoja de posibilidades infinitas, diseñadores abrumadores – Adobe Suite creativa, Nedgraphics, programas CAD especializados, el surgimiento de la IA. Una vez que los patrones repetitivos complejos y los diseños complejos se pueden automatizar más fácilmente (infinitamente) a través de la simulación. Esto, a su vez, reduce el problema intuitivo alentado por las limitaciones tradicionales.
Sarah aboga por un enfoque equilibrado: «Creo que es importante entrenar a los diseñadores que puedan manejar métodos analógicos y digitales porque se espera esta combinación de habilidades en el lugar de trabajo».
Gareth está de acuerdo en que la filosofía híbrida reconoce que cada enfoque tiene diferentes ventajas: «Los textiles impresos digitales se están volviendo cada vez más populares, respaldados por el acceso a tecnologías innovadoras y software estándar de la industria como Adobe Photoshop e Ilustrador», dijo, lo que permite a los diseñadores explorar posibilidades de diseño más complejas. Sin embargo, agregó que interactuar con una amplia gama de tecnologías de superficie e impresión sigue siendo importante, incluida la impresión de pantalla, la sublimación, la transferencia de calor y el corte con láser. «Este enfoque integral fomenta experimentos sobre textura, capas y materialidad, mejorando así una comprensión profunda de los aspectos estéticos y técnicos de la creación textil».
¿Qué sigue?
Con el advenimiento de las nuevas tecnologías, el debate sobre analógico y digital se ha vuelto más complejo, especialmente con la posibilidad de algoritmos de predicción de tendencias y patrones de automatización, la IA está afectando cada vez más el diseño de la impresión. Sin embargo, en toda la industria del diseño, AI se considera una herramienta o copiloto No el creador mismo.
Los textiles inteligentes van más allá de las técnicas anteriores y representan el siguiente límite de los diseños de impresión, por ejemplo, un patrón que cambia el color según la temperatura, en respuesta al tacto o transferir a través de una secuencia programada. Los paisajes continúan expandiéndose, y los diseñadores están adoptando procesos analógicos y digitales para crear diseños cada vez más únicos.
Kuo Wei, diseñador y fundador de Taiwan Clothing Brand inferiorPor ejemplo, recientemente usó sus propias imágenes de resonancia magnética cerebral en sus diseños, que se transformaron en una impresión sutil que estaba en los atuendos de la serie Primavera/Verano 2025.
La idea se debe a que se le pregunta a Wei: «¿Cómo se le ocurrió estos diseños, ¿cuál es exactamente su cerebro?» «, Dijo.» A medida que la serie SS25 llega al pico de los diseños transformadores de Inf, como una camiseta, que se convirtió en una bolsa de mano, una falda se convirtió en pantalones y un vestido se convirtió en una parte superior, ¿por qué no responder a las personas al mostrarles mi cerebro? «Usé mis imágenes de resonancia magnética cerebral como la textura básica para la impresión de diseños y agregué varios toques, como desenfoque, difusión, rotación y volteo para producir la impresión que ve en los escombros».
Para obtener más información sobre la interacción entre la moda y el diseño gráfico, consulte Este es un trabajo reciente – Cubra todo, desde la identidad visual hasta la gamificación, y Las tendencias más icónicas en los últimos 50 añosseleccionado por expertos.
