Soy fotógrafo en blanco y negro por formación y hobby. Mi primer contacto con la fotografía en blanco y negro como medio artístico fue una fotografía que vi hace muchos años en la escuela de arte titulada “La roca, cara de Half Dome”. En ese momento estaba estudiando para ser ilustrador de una junta directiva, lo que habría sido un ilustrador aburrido. Desde el momento en que veo una foto, se convierte en una foto transformadora para mí. Por supuesto, cuando esto sucedió, la única opción para la fotografía era usar película negativa (esto era antes de la tecnología digital), y mi objetivo era utilizar la fotografía en blanco y negro como expresión artística.
Unos años más tarde tuve la oportunidad de conocer a varios grandes fotógrafos de paisajes contemporáneos. Si bien no estoy particularmente enamorado de todo su trabajo individual, ciertamente me enseñaron los conceptos básicos del trabajo en blanco y negro. Entonces, durante los siguientes 30 años trabajé duro para perfeccionar mi técnica y, lo que es más importante, mi visión, de modo que cuando viera una escena supiera lo que tenía que hacer para obtener lo que quería de la foto.
Estoy bastante seguro de saber qué hará la película en cualquier situación y cómo lograr que haga lo que necesito para obtener lo que quiero, que siempre es el negativo que contiene la mayor información imprimible y cuando lo imprimo puedo usar esos valores de manera más efectiva en el cuarto oscuro.
Antes de entrar en eso, permítanme describir lo que espero de mi trabajo cuando trabajo con materiales en blanco y negro.
Prefiero que mis áreas de sombra sean muy abiertas, con muchos detalles que parezcan proyectados desde las sombras, y muy pocas áreas que sean realmente negras y sin detalles. Quería que mis reflejos más brillantes fueran medio tono más oscuro que la base de papel blanco, con una variedad de tonos intermedios. Personalmente creo que el éxito o el fracaso de una imagen fotográfica depende de los medios tonos.
Cuando comencé a hacer fotografías en blanco y negro usando una cámara digital que tenía el mismo potencial creativo que una cámara de película, una de las cosas que quería era tener el mismo grado de control tonal que una cámara de película. Esta tarea fue más desalentadora de lo que piensas, considerando que tenía control total sobre cada paso usando película en blanco y negro. Con los negativos, puedo utilizar filtros de color delante de la lente para modificar los tonos que ve el negativo cuando se expone. Puedo modificar el contraste general de la imagen durante el revelado de la película, así como controlar el brillo en las sombras cuando la película está expuesta. Luego, al imprimir la imagen, puedo controlar la densidad y el contraste global y local. Como resultado, un trabajador cualificado del cuarto oscuro fotográfico puede enfocarse en la densidad de las sombras, resaltar el flash y los detalles, y el brillo de los tonos medios, e incluso tener un control más directo utilizando máscaras de película de posprocesamiento para aumentar o disminuir el contraste general o el contraste local. En resumen, tenía control total sobre cada paso del proceso creativo. Quiero obtener los mismos resultados en mi trabajo digital y no quiero usar una aplicación para hacerlo.
Cuando comencé la transición a lo digital, lo primero que pensé fue que podría tratar mis archivos digitales como negativos de película, imprimiéndolos en papel blanco y negro usando las mismas herramientas que usaba en mi cuarto oscuro de películas. El concepto parece lógico, pero en la práctica no funciona.
Una de las cosas que realmente quiero aprender a hacer es poder convertir imágenes de cámaras digitales lo más parecidas posible a las imágenes de mi cuarto oscuro. Quiero que las fotografías que salen de mi impresora Epson de gran formato se parezcan a las impresiones plateadas del cuarto oscuro.
Lo primero que intenté fue simplemente ir a Imagen > Escala de grises, pero me dio una interpretación completamente aburrida y poco interesante de la imagen en color grabada por la cámara. Aparte del contraste y la densidad de la imagen, la grabación y la reducción, hay pocas opciones disponibles. Un ejemplo de esto se encuentra en la ilustración encima de este párrafo, junto con los colores originales que salen de la cámara.
La siguiente prueba fue configurar el modo de imagen en monocromo y tomar los filtros que había estado usando durante años en películas en blanco y negro y colocarlos uno por uno en la lente de la cámara. Esta prueba se realizó usando el filtro Naranja oscuro n.° 21, ya que es el filtro que uso con más frecuencia. Esto funciona bien para mí. Sin embargo, los tonos medios y las zonas más oscuras están un poco muertos, careciendo del brillo en los tonos medios que me gusta ver. Por supuesto, esto se puede mejorar usando una capa de ajuste de Niveles. Sin embargo, quería ver cuál de estos métodos era mejor para producir una imagen básica.
Lo siguiente que intenté fue tomar la imagen en color original y agregar una nueva capa, configurar el modo de fusión en Multiplicar y luego usar la herramienta Bote de pintura para hacer la capa naranja, lo más cerca posible del filtro que estaba usando en el set. Luego use Imagen > Escala de grises para aplanar y convertir la imagen en una imagen monocromática. La foto entonces debería aproximarse a la impresión de prueba de la película expuesta a través del filtro naranja oscuro n.º 21.
A continuación, tomé la imagen original y utilicé una capa de ajuste de Tono/Saturación para desaturar cada color en un 100%. Luego, dentro de la misma capa de ajuste, recorro cada canal de color y ajusto la densidad de cada uno hasta acercarme a lo que tenía en mente cuando hice la exposición.
Ahora, veamos la más obvia, y en este caso la mejor para mis propósitos y la intención deseada: la capa de ajuste Blanco y Negro. Sabiendo que estaba usando el filtro Naranja intenso n.° 21 en el set, los ajustes fueron principalmente para aumentar el brillo de los canales rojo y amarillo (rojo + amarillo = naranja) y disminuir el brillo de los canales cian y azul. Los filtros amarillos o rojos bloquearán el cian y el azul porque son casi directamente complementarios y, dado que el naranja es el resultado de la combinación de rojo y amarillo, aumentarán el contraste en las partes más cálidas de la imagen y reducirán la densidad de las áreas de color más frías. En este caso, este enfoque funciona mejor para mí.
Esta prueba me mostró la mejor manera de convertir un archivo de color a un archivo en blanco y negro que simule más fielmente las imágenes que produzco con una cámara y una película de gran formato, que consiste en usar una capa de Photoshop en blanco y negro y luego usar los controles deslizantes para ajustar el brillo de cada color en la foto para lograr la conclusión deseada.
Por supuesto, esto es sólo para crear una imagen que quizás quiera exhibir en una pared o representarme en una galería o exposición de arte. El resto de la ecuación era encontrar un papel que imitara o se pareciera a los papeles fotográficos con base plateada que había estado usando durante años y que combinara bien con las imágenes que ya estaba imprimiendo en el cuarto oscuro en blanco y negro. En este esfuerzo encontré un papel fotográfico que era muy parecido al papel fotográfico de mi cuarto oscuro.
La única impresora de inyección de tinta que puede hacer esto, y cualquier impresora de inyección de tinta que haya probado, es Epson Exhibition Fiber Paper (https://www.bhphotovideo.com/c/product/528348-REG/Epson_S045039_Exhibition_Fiber_Paper_for.html). De los otros exámenes, algunos estuvieron cerca y otros fueron terribles. Sin embargo, como dice el refrán, “la belleza está en los ojos de quien la mira”, por lo que la elección del papel se vuelve muy personal.
La fuente de todos mis consumibles es B&H.
