Existe un extraño culto en el mundo de la fotografía. Los has visto: clérigos de AF.
El monje de laboratorio de la nitidez de las esquinas y la velocidad de enfoque. La gente establece nuevos récords de firmware, con la anticipación de los astrónomos del Renacimiento esperando revelaciones celestiales. Hablan de detección de sujetos como si la intervención divina finalmente hubiera resuelto la antigua tragedia de la fotografía: la aterradora posibilidad de pasar por alto algo.
Según esta teología cada vez más ruidosa, la fotografía antes de los modernos sistemas de enfoque automático era poco más que miseria organizada. Un problema con esta teoría es que toda la historia de la fotografía documental y la fotografía impulsada por el autor se niega obstinadamente a colaborar.
La fotografía no surge de la perfección de la tecnología. Proviene de la fricción, la vacilación, los fallos y, a menudo, de cámaras que los guerreros de las especificaciones de hoy rechazarán más rápido que un ángulo suave de f/1,2.
Tomemos como ejemplo a Helen Levitt. Leica Y un mundo que se desarrolla sin permiso. Sin enfoque automático ocular. No hay seguimiento de pronóstico. No existe una cómoda caja verde que garantice la salvación tecnológica. Sólo hay observación, sincronización y frágil química entre el fotógrafo y la calle. Sin embargo, las fotografías de Levitt siguen llenas de inteligencia y ternura. Curioso.
Lo que sigue es la incómoda progresión de la historia fotográfica. Los límites telemétricos y el paralaje de Henri Cartier-Bresson siempre estuvieron al borde de la precisión. Robert Frank conduce por Estados Unidos, con la veta, la imperfección y el desgaste emocional del corazón directamente incrustados en él. Americano. Garry Winogrand abraza la inestabilidad con una convicción tan maníaca que muchas de sus imágenes parecen existir en algún lugar entre el accidente y la revelación. Al parecer, la civilización sobrevivió.
Pero quizás el ejemplo más inquietante del culto a la perfección va más allá de los fotógrafos documentales. Son autores que rechazan deliberadamente las certezas refinadas.
Nan Goldin nunca ha estructurado su lenguaje visual en torno a la limpieza técnica. Sus fotografías respiran precisamente porque rechazan el control de los cosméticos. Quemadura repentina. Impreciso. Las relaciones íntimas están al borde del colapso. La vulnerabilidad humana no está precalibrada.
Luego está Luigi Gigli. Imagínese mostrarles a los absolutistas tecnológicos de hoy algunas de las fotografías de Giri: restos de automóviles, bordes, obstáculos, distracciones visuales. La composición divina no se presenta como una representación arquitectónica terminada, sino que sugiere, inquietante y algo sin resolver. Se sospecha que algunos comentaristas del foro exigirán que el firmware compense la ambigüedad existente.
Ghirri entiende algo que muchos defensores de los dispositivos nunca entienden: una foto no siempre tiene que explicarse completamente. A veces invita a la participación.
Lo que nos lleva a Guido Guidi. Guidi no te ofrece la certeza de la perfección geométrica en un solo paquete. Sus fotografías a menudo parecen inacabadas en el sentido más inteligente, como si la imagen pidiera al espectador que completara su estructura interna. El espacio vaciló. La composición respira. El significado se va desplegando gradualmente en lugar de domesticarlo por completo.
Para aquellos que todavía dominan las tablas de rendimiento del enfoque automático, como los dispositivos de flotación de emergencia, el William Eggleston es una excelente opción. Pobre Eggleston, décadas después todavía aterroriza a los devotos del tecno. Su visión democrática, sus sujetos comunes, su negativa a buscar héroes visuales obvios, su voluntad de fotografiar lo que la cultura fotográfica educada considera sin importancia. ¿Técnicamente perfecto? Ese nunca fue el punto. ¿vivir? Absolutamente.
Éste es el escándalo del que los perfeccionistas se esfuerzan por escapar, porque el culto a la certeza técnica a menudo oculta una realidad más inquietante: un profundo miedo a la ambigüedad.
Cuando se reduce a un rendimiento mensurable, la fotografía se vuelve más segura. La claridad se puede cuantificar. La precisión del enfoque automático se puede representar gráficamente. Se puede comparar el rango dinámico. Significa que no puedo. El significado es un territorio peligroso porque requiere vulnerabilidad, imaginación y, a veces, fracaso.
Por eso hemos construido toda una industria fotográfica paralela dedicada a evitar este terrible problema: ¿Qué diablos quieres decir? Es mucho más fácil hablar de aciertos de enfoque. Hacer cumplir la experiencia a través de la disciplina es mucho más seguro.
El resultado son cada vez más fotografías técnicamente impecables y mentalmente tranquilas. La imagen es tan clara que corta el cristal pero no dice casi nada. Hermosas pruebas de cámara se presentan erróneamente como fotografía.
Ahora, antes de que alguien acuse este argumento de tecno-romanticismo, dejemos las cosas claras. Las buenas herramientas son maravillosas. El enfoque automático es útil. La precisión es importante. Pero la precisión es un sirviente, no una religión. Cuando los fotógrafos empiezan a ver la perfección tecnológica como un fin, la fotografía empieza a perder su vitalidad.
Porque la historia ya tomó su decisión. No a través de mediciones de laboratorio, sino a través de las fotografías dejadas. Levitt se quedó. Golding se quedó. Jiri se quedó. Guidi se quedó. Eggleston se quedó. No porque sus cámaras eliminen la incertidumbre, sino porque la abrazan.
Entonces, tal vez la verdadera pregunta no sea si su cámara puede lograr un enfoque perfecto a una velocidad imposible. La verdadera pregunta es mucho más inquietante: si el enfoque automático desapareciera repentinamente mañana, ¿tendrías algo que valga la pena fotografiar?
Vamos, sé honesto contigo mismo. ¿Cuál es tu papel en la fotografía? ¿Autor o…probador de cámaras?
