Esto puede resultar una sorpresa, pero no soy muy aficionado a dibujar, ni siquiera a colorear. Me encanta tanto que lo hago todos los días, pero sólo si lo uso como herramienta para contar historias. Ya de adulto me di cuenta de que sólo me interesaba dibujar para dar vida a los personajes. ¡Qué gran diferencia respecto al propio amor por la pintura!
Siempre pinto pensando en la narración, más que en la estética. Mis conocimientos básicos son pobres, como anatomía, perspectiva, volumen, teoría del color y composición. Pero he trabajado en la industria durante más de 20 años y he creado alrededor de 4.000 páginas de cómics, y he aprendido mucho de eso.
01. Considere lo que contribuye a la narrativa.
Todo puede contar una historia. La dirección de la luz puede indicar la hora del día, las expresiones faciales pueden transmitir emociones, los gestos y el contacto visual pueden sugerir discusiones y las sombras proyectadas en primer plano pueden evocar edificios fuera del marco, dando amplitud al espacio.
La composición es clave para mostrar lo que es importante, pero cualquier cosa puede mejorar la narración y darle vida a tu pintura.
02. Mira el panorama general
El público entiende el arte mejor que nosotros: ¡es verdad! Si bien nosotros, como artistas, tendemos a centrarnos en los detalles y a menudo perdemos de vista el panorama general, la gente sabe instintivamente lo que parece real, vivido o auténtico.
A veces, el público puede carecer del vocabulario adecuado para explicar lo que funciona y lo que no, pero son muy buenos para ver que algo les parece interesante o satisfactorio a primera vista. Concéntrese en el panorama general: los detalles sólo son importantes si sirven al conjunto.
03. Recuerda disfrutar de tu trabajo
Intenta divertirte en cada paso del camino. Lo más probable es que des el paso y lo pruebes de maneras que nunca creíste posibles.
Cuando te diviertes en el camino, el resultado suele ser mayor que la suma de sus partes. Además, seamos honestos, si me aburro mientras hago arte, ¿cómo puedo pedirle a alguien que muestre interés en él? Una vez más, el público es muy bueno para captarlo.
04. Utilice referencias del mundo real.
Las referencias son clave, especialmente en obras de fantasía y ficción. Cuando construimos mundos, necesitamos una base sólida para que lo que imaginamos parezca razonable. Se puede utilizar cualquier objeto, mueble o referencia fotográfica de iluminación para intentar darle una sensación natural a su obra de arte.
Es necesario investigar lo suficiente para garantizar que la audiencia esté más involucrada con la escena que con el proceso (o la falta de este) de crearla.
05. Me gusta lo que dibujas
No existen malas referencias. ¡Puedes incorporar cualquier cosa a tus influencias siempre que tenga sentido para ti!
Me encanta el trabajo impresionista y, a menudo, intento romper los códigos en mi trabajo en color. Sé que nunca llegaré allí, pero intentarlo me ha permitido comprender muchas cosas y definir mejor mi estilo artístico. Monet y el manga shounen son dos mundos completamente diferentes, pero eso no me impide disfrutar explorando dos de las cosas que amo.
06. Conoce las reglas del arte, pero también sabe cuándo romperlas.
Las reglas del arte como la teoría del color, la perspectiva y la anatomía simplemente nos ayudan a comprender la estructura de una composición. Pero hay beneficios al familiarizarse con las reglas. Hay límites para romper estas reglas cuando no las entiendes.
En cambio, romperlos porque así lo decides es empoderante. Obtendrá una mejor comprensión de las herramientas disponibles para usted y las que decide ignorar. Ayuda a definir tu estilo artístico.
07. Sigue la corriente
Las páginas de lectura deben ser sencillas y atractivas. Una forma de atraer a sus lectores es utilizar la forma natural en que leen cualquier página.
En los cómics comenzamos en la esquina superior derecha y terminamos en la esquina inferior izquierda, luego continuamos hasta la siguiente esquina superior derecha y vamos a la esquina inferior izquierda antes de pasar la página. Si trabajas con la corriente, los movimientos pueden parecer más naturales, a veces, ¡casi como movimiento!
08. Muestra tu trabajo
Asegúrate de planificar tus piezas. Lo que me gusta hacer cuando comienzo una nueva ilustración, escena o escenario en una página de cómic es dibujar algunos bocetos e ideas de referencia rápida en el borde de la página.
Al hacer esto, siempre me concentro en los elementos más importantes y luego trato de divertirme y encontrar ideas mientras trabajo. Siento que preparar algunas ideas básicas me da más libertad de expresión.
09. Inspírate con lo mejor
Apunta alto y aborda trabajos que estén estrechamente relacionados contigo. Fracasarás, pero aprenderás intentándolo. Puede resultar frustrante comparar nuestro arte con el trabajo creado por los maestros, pero es crucial comprender qué nos parece atractivo en su arte.
Al hacer esto, podemos pasar tiempo mirando cosas hermosas. Si prestamos atención a tendencias que no nos interesan, perdemos tiempo y energía y nos volvemos expertos en mal arte. No porque sea objetivamente malo, sino porque no conectamos con ello. Esfuérzate por convertirte en un experto en algo que amas. esto es mas valioso
10. Crea personajes fuertes
Los diseños de personajes en los cómics deben diseñarse primero en blanco y negro y luego en color. Cada personaje necesitaba tener elementos faciales únicos porque pasamos mucho tiempo estudiándolos de cerca en la página.
En los cómics en general y en el manga en particular, se hace hincapié en los primeros planos y los retratos. Ser capaz de identificar rápidamente quién es quién es crucial para mantener fluida la narrativa. Y como el color no siempre ayuda, ten esto en cuenta al elegir los rasgos de carácter.
11. Mejorar las habilidades laborales
Practica y experimenta con tu obra de arte, no solo con piezas de práctica. Sé que es importante seguir aprendiendo, pero personalmente no soporto practicar y experimentar con el color en tus trabajos, no solo en piezas de práctica.
Sé que es importante seguir aprendiendo, pero personalmente no soporto hacer ejercicios de colorear o de dibujar al mismo tiempo. En cambio, trato de aprender más mientras hago páginas y obras de arte. Mantiene el trabajo atractivo y desafiante.
12. Piensa en tu inspiración inicial.
No olvides por qué elegiste pintar. ¿Qué obras te hicieron querer seguir una carrera en el arte?
Estoy seguro de que puedes pensar en algunas obras de arte que te han puesto en un camino creativo. Intenta volver a este sentimiento tanto como sea posible y lleva esta energía a tu obra de arte o página.
13. Apoye sus elecciones de historias
Si estás contando una historia sobre opresión, violencia o amor, elige algunos elementos técnicos, composición o cualquier herramienta que combine y mejore tu tema. Mi serie Fantasía Mítica cuenta la historia de un personaje que explora un mundo de fantasía en busca de reliquias mágicas que alteren la realidad.
En la escena inicial, invito al lector a explorar la imagen, colocando algunos elementos del paisaje clásico/auténtico en primer plano, algunos indicios de un mundo de fantasía en el fondo flotante y algunos toques de color que evocan magia.
Estos elementos no son centrales, por lo que para tener una sensación precisa de fantasía y magia, el espectador debe explorar la doble página. Es una invitación: los lectores pueden unirse o no, siempre depende de ellos. Pero cualquier cosa puede contar una historia, ¡así que aprovéchala al máximo!
Para obtener más inspiración, consulte nuestras funciones. Cómo crear una tira cómica y Cómo publicar cómics.
Este artículo fue publicado originalmente en ImagineFX. Suscríbete a ImagineFX Nunca te pierdas una pregunta. Suscripciones impresas y digitales disponibles.
