El diseño de luces y sombras es una de las herramientas más poderosas que utilizo para dar vida a los personajes. No se trata sólo de copiar lo que veo. Utilizo luces y sombras para dar forma, guiar la mirada del espectador y crear estados de ánimo y sentimientos. Cuando se usan con un propósito, también pueden ayudar en la composición del diseño al agregar estructura, movimiento y claridad a un dibujo.
Hay dos aspectos en el proceso de diseño de iluminación. Primero, me tomo un momento para observar en silencio y decididamente. Miro la luz, la pose, el fondo, cualquier cosa que genere una idea o me inspire. Luego, una vez que tengo una imagen clara en mi mente, paso a la siguiente etapa: hacer y colorear.
Colorear hace más que simplemente copiar valores. Se trata de presentar la forma, dirigir la mirada y contar una historia. Ya sea que pinte del natural, de fotografías o de la imaginación, siempre estoy pensando en cómo mis valores, formas y técnicas de sombreado apoyan a los personajes y mensajes que quiero compartir.
01. ¿Dónde está la luz?
El primer paso en mi proceso de observación es simplemente observar la luz. Cuanto más conozco y entiendo sobre la luz, más claro puedo ser a la hora de diseñar mis dibujos. Comprender la luz también hará que el proceso de sombreado sea más fluido y eficiente.
La primera observación que hice fue la posición de la luz. Esto responde a la pregunta: ¿Dónde está la luz? Las ubicaciones más comunes son arriba, al lado o al frente. Buscar pistas como sombras proyectadas (A) y luces (B) me ayuda a definir la luz con precisión.
02.¿Cuál es la naturaleza de la luz?
Una vez determinada la ubicación de la luz, observo y evalúo las propiedades de la luz. Esto responde a la pregunta: ¿Qué tipo de luz es? Diferentes fuentes de luz crean looks diferentes y únicos, por lo que la naturaleza de la luz afecta cómo diseño el dibujo final.
Algunos tipos de luz comunes son la luz directa, la luz suave, la luz difusa, la luz ambiental y la luz múltiple. Para ayudarme a identificar las propiedades de la luz, busco formas de sombras (A), contraste e incluso color (B).
03. Entender la postura
A continuación observo la modelo y su pose. La pregunta que tengo en mente es: ¿qué está haciendo el modelo? Responder esta pregunta me ayudó a definir la pose, el movimiento y, lo más importante, el movimiento principal de la pose, que se convirtió en la base de mi diseño (A).
Después de eso, busco puntos de referencia y formas clave. Primero, defino las líneas de los hombros y la cadera, luego defino el movimiento y la posición de las extremidades (B). Finalmente, definí la posición de las formas del cuerpo en el espacio 3D, especialmente las grandes como la caja torácica y las caderas.
04. Decide lo que quieres decir
La luz y la sombra son más que simples formas 3D y técnicas de sombreado. Es una forma de contar una historia o transmitir algo significativo. Una pregunta que me hago es: ¿Qué quiero decir? Imaginar y definir una historia me ayuda a tomar decisiones durante el proceso de colorear y terminar.
Para desarrollar ideas para historias, creo múltiples miniaturas de composiciones, que me ayudan a iterar, refinar y probar rápidamente varias composiciones, iluminación, estados de ánimo y estados de ánimo.
05. Simplifica la forma y el tono.
Para crear la ilusión de realismo, primero me concentro en la forma descriptiva. Entrené mi ojo para ver la forma simple y primaria de la figura (A). Luego, cuando empiezo a aplicar tonos y sombras, uso lavados grandes y marcadores de estilo degradado suave.
Apliqué este tinte como si estuviera coloreando formas geométricas muy simples como el cilindro (B) y el huevo (C). Una vez establecidas estas formas primarias, puedo agregar fácilmente formas secundarias, así como formas y detalles más pequeños (D), manteniendo al mismo tiempo una estructura sólida y creíble.
06. Pitch perfecto con sello de calidad
Una forma de arruinar fácilmente una pintura es hacer marcas y tonos descuidados, feos y de baja calidad (A). En cambio, una forma de mejorar drásticamente tus dibujos sin mucho esfuerzo es crear marcas, líneas y tonos de alta calidad.
Para mejorar mi marca y tono, practico rellenar los cuadros con varios trazos, técnicas de sombreado y degradados. Practiqué hasta que mi amplificador estuvo limpio y suave (B). Al comparar los dos juegos de marcadores, es fácil ver cuál es más atractivo, más agradable y mejorará, en lugar de restar valor, a la calidad de su dibujo.
07. Simplificar y limitar valores
imagen 1 de 2
Para ayudarme a controlar los valores, primero miro la pose y la iluminación. Entrecerrar los ojos me ayuda a ver menos colores y detalles y más información valiosa. El objetivo aquí es reducir el valor a dos o tres valores de forma y masa. Para comenzar el dibujo, comienzo con un diseño binario simple (A).
Luego, para lograr más forma y realismo, agregué medios tonos para crear un diseño de tres valores (B). Tres valores me bastan para sugerir formas, especialmente cuando las reduzco a volúmenes geométricos como cajas, cilindros y esferas (C).
08. Esquema de diseño
Si bien mis objetivos son el sombreado y las formas con apariencia 3D, una de mis herramientas favoritas para crear gráficos realistas y la apariencia de las formas son los contornos. Utilizo técnicas de contorno simples como grueso o fino (A) y acentos oscuros (B) para sugerir luces y sombras.
Las líneas rectas sutiles (C) y las esquinas (D) crean contraste y sugieren partes más duras del cuerpo (huesos o músculos). El diseño de contornos también puede definir áreas de intersección y sugerir pesos, como cuando el modelo está sentado o en contacto con una superficie.
09. No copie los detalles, solo el diseño.
Al pintar posturas con hermosas luces y sombras, es fácil caer en el hábito de “ver y copiar”: copiar ciegamente detalles sin diseño ni intención. Para ayudarme a diseñar adecuadamente un dibujo realista, me concentro en describir formas geométricas simples.
Por ejemplo, utilicé formas cuadradas y con forma de huevo (A) para dar sombra a la parte superior del cuerpo. A través de la forma cilíndrica simple puedo transmitir la mayor parte del torso así como los músculos secundarios y la forma (B). Además de las sombras y los tonos, también enfaticé los contornos, tanto para guiar la mirada como para mejorar la sensación de la forma 3D.
10. Controle el contraste para ganar
Para que la pintura pareciera terminada y “real”, elaboré y controlé cuidadosamente el contraste. Por ejemplo, ajusté directamente el contraste de la sombra central (A) para ayudar a enfatizar la luz y la sombra. Controlar el valor y el contraste en las luces (B) ayuda a definir formas, establecer la dirección de la luz y crear atmósfera.
Para que la pintura realmente pareciera “terminada”, introduje mucho contraste en áreas clave, especialmente alrededor del área de enfoque (C) y parte del fondo (D). Esto también sugiere profundidad, atmósfera y crea un flujo dinámico de visión.
Para obtener más consejos, consulte nuestro Consejos para dibujar el cuerpo. También nos hemos descompuesto Cómo dibujar personajes femeninos.
Este artículo fue publicado originalmente en ImagineFX. Suscríbete a ImagineFX Nunca te pierdas una pregunta. Suscripciones impresas y digitales disponibles.
