EL NIÑO INTERIOR de Artipelag explora por qué los diseñadores tienden a divertirse
¿Por qué tantos diseñadores crean objetos interesantes hoy en día? Esta es la pregunta central de El niño interior: diseñar para jugar exhibición Se inaugura en Artipelag, Estocolmo, en octubre de este año. Los curadores Lidewij Edelkoort y Philip Fimmano reunieron a 100 diseñadores y artistas que creen que el auge de los muebles de animales, los materiales táctiles, los objetos hechos a mano y las formas infantiles refleja algo más grande que las tendencias estéticas. Ven esto como evidencia de un cambio de actitud hacia la creatividad. La exposición reúne a 100 diseñadores y artistas y surge de patrones que Edelkoort y Fimmano encuentran continuamente en su trabajo como pronosticadores y curadores. Diseñadores de diferentes partes del mundo, que a menudo trabajan de forma independiente unos de otros, se propusieron crear trabajos con un espíritu similar, táctil, artesanal y emocional, a menudo imbuido de un sentido de juego.
El título “El niño interior” puede sugerir una exposición sobre nostalgia o recuerdos de la infancia. Sin embargo, los curadores tenían otros objetivos. Para ellos, el “niño interior” es una forma de acercarse a la creatividad, impulsada por la curiosidad, la intuición y la libertad de cometer errores. Organizados como un libro de cuentos en ocho capítulos temáticos, muebles, textiles, esculturas y artefactos exploran cómo la imaginación y la artesanía han resurgido como herramientas creativas en medio de la influencia de la incertidumbre política, la ansiedad ambiental y la tecnología en rápida evolución. “Estamos viviendo un momento muy difícil, lleno de pánico, confusión, ira y miedo”. Edelkoort le dice a designboom. “El estado de ánimo abrumador en la sociedad es bastante pesimista, por lo que volver a visitar a tu niño interior puede ayudarte a encontrar algo de consuelo… y tal vez restaurar tu fe en la humanidad y en ti mismo”.
La conexión entre la imaginación y el momento presente se convirtió en un tema recurrente a lo largo de nuestro proceso. diálogo. Ninguno de los curadores ve los juegos como un escapismo. En cambio, lo describen como una respuesta a un mundo cambiante y a una cultura de diseño cambiante. Para Fimmano, una de las mayores revelaciones durante el desarrollo de INNER CHILD no fue el aspecto lúdico del juego, sino la mentalidad detrás de él. “Es realmente una nueva mentalidad”, dijo. “Son parte de un movimiento, aunque trabajen por separado”.
Taburete Alphabet de Sascha Grewe (Más información aquí)
Nuevas ideas en el diseño contemporáneo.
Al observar a los cientos de diseñadores y artistas participantes, los curadores comenzaron a notar patrones recurrentes. Aunque trabajan de forma independiente y en diferentes continentes, muchos han llegado a formas similares de hacer: empleando producción a pequeña escala, artesanía, experimentación y una relación más personal con los materiales.
Esta observación dio forma a la exposición tanto como a los objetos mismos, lo que llevó a los curadores a agrupar las obras en The Child Within en busca de actitudes recurrentes. A lo largo de la exposición, los diseñadores crean a partir de restos de cartón, madera, textiles, lana y papel. A muchos les apasiona la artesanía y la experimentación, mientras que otros crean muebles, figuras y formas divertidas con apariencia de animales, lo que demuestra el creciente interés del diseño contemporáneo en construir relaciones significativas con los materiales, su fabricación y las personas que los utilizan.
Para sorpresa de Filippo Fermano, este cambio no se limita a un país o una generación. “Lo puedes encontrar en Asia, África, América del Sur, Europa”. observó. “Este no es un fenómeno que sólo ocurre en un lugar”. Los diseñadores de tendencias describen una generación de profesionales que han abandonado conscientemente algunas de las ambiciones que han definido el diseño durante las últimas dos décadas. “Estos son diseñadores sin egos”, Nos lo cuenta Fermano. Estos creativos reorganizaron sus prácticas en torno a la vida familiar, la producción a pequeña escala y el simple acto de crear. “Se dan cuenta de que no pueden cambiar los problemas del mundo entero, pero a pequeña escala, en tu práctica, en tu aldea, en tu comunidad, realmente puedes tener un impacto”. añadió.
La idea también cambió la forma en que la exposición expresaba optimismo. Presenta la esperanza no como algo realizado a través de grandes avances tecnológicos o agendas sociales ambiciosas, sino como algo realizado a través de gestos humildes, como hacer algo con un trozo de cartón, reutilizar materiales sobrantes, dedicar tiempo a manualidades o crear objetos que despierten curiosidad y afecto. Como dijo Lidewij Edelkoort, mucho trabajo comienza desde “Empezar desde cero, literalmente desde cero”. Un trozo de papel, recortes, un trozo de piel viejo o restos de madera. “Es muy humillante” ella compartió con designboom. “No hay ninguna pretensión en ello”.
Colección de sillas negras para jardín de infantes de Yellow Nose Studio | Foto de Daniel Farrow
Lo que la inteligencia artificial no puede reemplazar
El pronosticador de tendencias Lidewij Edelkoort cree que este cambio es una respuesta a las últimas dos décadas. Describe la acumulación de crisis, inestabilidad económica, conflictos, ansiedad ambiental e incertidumbre política que han cambiado fundamentalmente la forma en que se ve la creatividad. “Esto es una corrección” ella explicó. “Desde principios de este siglo, los desastres se han sucedido uno tras otro: económicos, humanos, planetarios, políticos. Nos enfrentamos a una cantidad de trauma tan intolerable que en algún momento será necesario encontrar una respuesta definitiva. Para ella, la respuesta no es otra tecnología o movimiento de diseño, sino un retorno a la imaginación, el juego, la empatía y la creación, cualidades difíciles de medir. Ella describió la exposición como “Una forma de activismo estético”, Esto muestra que la elección de crear objetos más lentos, más emocionales y más táctiles puede convertirse en una postura cultural en sí misma.
La tecnología entra inevitablemente en esta conversación, aunque ambos curadores describen la exposición como antidigital. En cambio, ven a muchos diseñadores participantes que buscan un equilibrio diferente. Fimano señaló que la mayoría de ellos pertenecen a una generación que creció con computadoras y herramientas digitales. El uso de la tecnología es algo natural para ellos. Lo que ha cambiado es un deseo creciente de reconectarse con formas de creatividad que no pueden automatizarse.
“Es casi una forma de activismo contra los robots y la inteligencia artificial que se apoderan de la vida”. sugirió. “Es una manera de recordarle a la gente que hay otras conversaciones, otros debates, además del tema único del diseño”
Esta distinción parece importante porque la próxima exposición no rechaza la tecnología sino que cuestiona lo que está en juego cuando la eficiencia se convierte en la principal medida de la creatividad. En The Child Within los errores son evidentes, se celebra el proceso artesanal y se valora la experimentación. Estas obras demuestran que la imaginación no consiste sólo en crear algo nuevo, sino principalmente en permanecer abierto a la incertidumbre. Fermano cree que esto es especialmente importante para las generaciones más jóvenes que han crecido bajo una presión constante para desempeñarse. Habla de animar a los niños a luchar por la excelencia, planificar una vida perfecta y evitar el fracaso, mientras que muchos diseñadores de INNER CHILD tienen la actitud opuesta. “Hay belleza en el ensayo y error” Enfatizó el curador. ‘No es superficial. Realmente tiene una conexión más profunda con lo que están haciendo ellos y lo que estamos haciendo nosotros en este planeta.
Taburete cuadrado de Yinka Ilori
Los niños se convierten en colaboradores.
Estas ideas se hacen tangibles en los ocho capítulos que componen la exposición. Edelkoort y Fimmano describen una amplia gama de trabajos, desde el enorme oso hibernante de Front para Vitra, hasta las expresivas alfombras de animales de Miroko Machiko, los muebles de cartón pintados por el hijo de Max Lamb y la historia de Punch, un mono huérfano que se encariñó con un animal de peluche de IKEA y se volvió viral. Individualmente, estos proyectos pueden variar ampliamente en escala y material, pero todos ilustran una creciente fascinación por objetos que se sienten menos funcionales que los sentimentales, las emociones atractivas, la narración de historias o incluso el compañerismo.
Los animales aparecen a lo largo de la exposición, pero no sólo como motivos decorativos. Los muebles se acurrucan para dormir, los textiles se convierten en seres vivos y los objetos familiares adquieren personalidad propia. Los coloridos bloques recuerdan los juegos de construcción infantiles, mientras que las formas suaves invitan a los visitantes a tocar y abrazar. La exposición explora las relaciones emocionales que las personas desarrollan con los objetos a lo largo de su vida.
Este interés por el vínculo emocional se extiende más allá de las obras mismas y llega a los entornos de exposición. En lugar de pedir a los diseñadores holandeses Kiki van Eijk y Joost van Bleiswijk que desarrollaran su propia instalación, Edelkoort y Fimmano invitaron a sus hijos, Ko y Puk, a convertirse en colaboradores. Sus ideas formaron parte del diseño de la exposición, introduciendo perspectivas que los adultos deliberadamente decidieron no revertir. “No es fácil para los curadores” Fermano admite. “Pero si escuchas más a los niños, te das cuenta de que su camino suele ser más claro y honesto”
Edelkoort recuerda un momento en particular en el que Puk propuso transformar parte de la exposición en un planetario, revolucionando la forma en que se experimentaba la instalación de pulpa. Para los curadores, estas contribuciones fueron más que simples anécdotas encantadoras: ayudaron a hacer más evidente una de las ideas centrales de la exposición: los niños se acercan al mundo con una libertad que los adultos a menudo pierden, viendo posibilidades inesperadas donde otros ven formas familiares.
Taburete cuadrado de Yinka Ilori
Encuentra el optimismo a través de la creatividad.
En nuestra conversación, los curadores Lidewij Edelkoort y Philip Fimmano rara vez piensan en los juegos como entretenimiento, pero los ven continuamente como una forma de trabajar basada en la libertad de cometer errores. Si The Child Within presenta algún argumento, es que en un mundo impulsado por la velocidad y la certeza, estas cualidades son más valiosas ahora que nunca. Por tanto, el optimismo de la exposición no es ingenuo, sino que surge a través del acto de hacer.
Quizás el testimonio más fuerte de esta idea no surge cuando los curadores describen las obras expuestas, sino cuando reflexionan sobre los meses dedicados a preparar la exposición. Admiten que sumergirse en estos proyectos también cambió la forma en que vivieron un año cada vez más convulso.
“Nos ayuda a evitar eso”, Dijo Edelcourt. “Es casi como una armadura: la armadura de la felicidad. No sufrimos tanto porque estamos protegidos por esta narración”.
Fermano hizo una pausa y añadió sólo tres palabras:
“Es un combustible”.
Adelcott sonrió.
“Es un motor de optimismo”.
El cubo de Vincent Godeau
El cubo de Vincent Godeau
Escultura de cartón Riccio de A4Adesign | Foto de Vera Cañón
Max Lamb, Taburete BOX (2023) | Foto de Angus Mill
Gustav Westermann, Jigsaw Puzzle (2025) (más información aquí)
Curadores Lidewij Edelkoort y Philip Fimmano | Foto de Tilza Schap
Información del proyecto:
Nombre: El niño interior: jugando con el diseño
Curador: Lidvi Edelcott | @lidewijedelkoort y Philippe Fermano | @philipfimmano
Lugar: capa de arte | @artipelagEstocolmo, Suecia
fecha: 10 de octubre de 2026 – 11 de abril de 2027
Esta entrevista es parte del capítulo PLAY de designboom, que explora lo que sucede si la forma no sigue a la función, sino a la diversión. Descubre más historias que celebran la alegría, la imaginación y la diversión. aquí.
