De diseñador de joyas islandés a pintor afincado en Londres, el viaje de Hendrikka Waage refleja una rica evolución artística

Colección Internacional de Artistas Contemporáneos Hendrika Wague continúa expandiendo su práctica artística en evolución a través de un cuerpo de trabajo que explora la energía, la presencia emocional, la percepción y las complejidades de la atención humana en la vida contemporánea. Waage nació y creció en Reykjavik y actualmente divide su tiempo entre Londres e Islandia. Sus décadas de práctica creativa y experiencias de vida en Japón, Rusia, Estados Unidos y el Reino Unido han dado forma a la perspectiva internacional única de su trabajo. Sus pinturas incorporan colores expresivos, texturas en capas e imágenes simbólicas en sus composiciones, creando composiciones que son a la vez emocionalmente directas y estimulantes.

Antes de dedicarse por completo a la pintura, Varchi trabajó como reconocida diseñadora de joyas durante más de veinte años, una experiencia que continúa influyendo en su sensibilidad hacia los materiales, el equilibrio, la textura y el detalle. Su ahora famosa serie “Seres maravillosos”, que a menudo presenta figuras femeninas con una sola oreja, reflexionó sobre la escucha selectiva y la naturaleza abrumadora de la cultura de la información moderna. A través de superficies vibrantes y composiciones emotivas, Wager explora la idea de que no todo exige nuestra atención, sino que invita al espectador a un espacio más tranquilo e intuitivo centrado en la presencia, la resonancia y la claridad emocional. Recientemente tuvimos el placer de charlar con la artista para conocer más sobre su trabajo y proyectos actuales:

preguntar– Su viaje creativo comienza con el diseño de joyas de lujo. ¿Qué inspiró tu transición a la pintura?

R – El arte siempre ha sido parte de mi vida, dibujo desde pequeña. El diseño de joyas se convirtió en mi primera salida profesional, pero durante el COVID me encontré volviendo a la pintura. Lo que comenzó como un redescubrimiento personal rápidamente se convirtió en una parte importante de mi viaje creativo. Esta transición ocurre de forma natural. Después de veinte años de hacer joyas, comencé a crear retratos de “ser maravilloso” de mujeres con una oreja, explorando el tema de la escucha selectiva en una época saturada de información. Este tema se puede interpretar de muchas maneras, pero una es que en el mundo actual, donde los mensajes llegan de todas direcciones, no es necesario escucharlo todo. El tema resultante es abierto y ofrece infinitas posibilidades de un espectador a otro. Mi trabajo y estilo reflejan la inspiración de mis viajes y los países en los que he vivido, incluidos Islandia, Japón, Rusia, Estados Unidos y el Reino Unido. Actualmente viajo principalmente entre Reykjavik y Londres.

preguntar– ¿Cómo influye su experiencia en joyería fina en su enfoque de los materiales y texturas?

uno – La joyería me enseñó disciplina, atención al detalle y sensibilidad hacia los materiales. Esto se incorpora a mis pinturas prestando atención a la textura, las capas y la superficie. Cada pieza está cuidadosamente elaborada con énfasis en el equilibrio, la profundidad y la sutileza.

preguntar– ¿Qué ideas, temas o estados de ánimo estás explorando actualmente en tus pinturas?

uno – Sí trabajo mucho en el tema de la escucha selectiva. Estoy explorando ideas sobre energía, movimiento y presencia emocional: cómo una pintura puede mantener una energía que se siente inmediata y viva. En mi trabajo actual estoy explorando el concepto de frecuencias superiores de energía alegre: cómo una pintura puede transmitir una sensación de vibración, ligereza y altura que es tanto un sentimiento como lo que se ve.

preguntar– ¿Puedes describir el proceso de tu estudio al desarrollar un nuevo título?

uno – Normalmente trabajo desde mi propio concepto y comienzo con un boceto suelto. En mis pinturas más grandes experimento con más capas y texturas y pruebo cómo interactúan los diferentes materiales antes de decidirme por una dirección. Normalmente es fácil, trabajo de forma intuitiva y reviso mi trabajo con frecuencia.

preguntar– ¿Cómo ve el desarrollo de su trabajo mientras se prepara para su próxima exposición?

uno – Mientras me preparo para las próximas exposiciones, encuentro que mi trabajo está evolucionando de una manera más enfocada e intencional, sin dejar de mantener la energía y la espontaneidad que impulsa mi proceso. También me volví cada vez más consciente de cómo las obras en su conjunto se relacionaban entre sí. Ya no se trata solo de una sola obra, sino de crear un diálogo a lo largo de la exposición: energía, color y movimiento recorriendo el espacio de manera cohesiva.

preguntar– ¿Qué te atrajo a Miami para mostrar tu trabajo?

uno – Lo que me atrae de Miami para mostrar mi trabajo es tanto personal como profesional. Tengo profundos vínculos con la zona, ya que viví en Fort Lauderdale durante cinco años cuando tenía veintitantos años mientras completaba mis títulos de licenciatura y maestría. Durante ese tiempo, visité Miami con frecuencia y desarrollé un gran aprecio por su energía, diversidad y vibrante escena artística. Miami parece una buena opción para mi trabajo. La ciudad tiene una apertura única al color, la expresión y la experimentación que realmente resuena con mi práctica. También tuve la oportunidad de exponer dos veces en las siguientes exposiciones. punto rojo de miamimis obras fueron populares y se vendieron con éxito. Estas experiencias reforzaron mi sensación de que Miami no es sólo un lugar que personalmente disfruto, sino también un lugar donde mi trabajo conecta profundamente con mi audiencia.

preguntar– ¿Qué experiencia espera que tengan los coleccionistas al encontrar sus pinturas?

uno – Quiero que sientan una fuerte sensación de energía y alegría, una atracción inmediata y visceral hacia ellos. Espero que haya una energía en el trabajo que me haga sentir elevado y lleno de energía, que resuene sin necesidad de explicación. En última instancia, espero que el trabajo aporte una presencia dinámica al espacio, algo que inspire, eleve y continúe evolucionando con el espectador a lo largo del tiempo.

preguntar– Anteriormente has mostrado tu trabajo en Art Basel Miami Beach, ¿volverás a mostrar tu trabajo en la Miami Art Week este año?

uno – Sí, esta vez estaré en Scoop, por Galería Atío. Tengo muchas ganas de que llegue.

A medida que su perfil y perfil internacional continúan creciendo, el trabajo de Vach resuena cada vez más entre los coleccionistas y el público de todo el mundo y en el mercado de Miami. Después de una presentación exitosa en Art Basel Miami Beach Week y más allá, la artista ahora se está preparando para próximas exposiciones y nuevas conferencias para ampliar aún más la conversación en torno a su trabajo, la evolución del lenguaje visual y la creciente influencia internacional.

Sigue a Hendrikka Waage en Instagram @hendrikkawaagearts
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