Del 12 al 15 de noviembre de 2026, Artishock participa por primera vez en una feria de arte europea con un espacio en MIRA, la feria dedicada al arte contemporáneo latinoamericano que celebra su tercera edición en la Maison de l’Amérique latine, en París. Curada por Rolando J. Carmona, la propuesta presenta obras de Elyla, Kay Zevallos Villegas (KAY), Tomás Eyzaguirre Gubbins, Claudio Perna, Ruben Barrios-Rodríguez, Luis Salazar y Sofía Salazar Rosales, artistas de distintas generaciones y procedencias que abordan, desde diversos lenguajes, cuestiones vinculadas con la identidad, la memoria, el cuerpo, el territorio y las experiencias de desplazamiento.
La curaduría de Rolando J. Carmona reúne prácticas artísticas que, desde Nicaragua, Venezuela, Perú, Colombia, Chile y Ecuador, interrogan las formas en que se construyen, transmiten y transforman las identidades latinoamericanas. Su selección pone en primer plano memorias individuales y colectivas, saberes ancestrales y experiencias históricamente relegadas. El cuerpo aparece como espacio de afirmación y reapropiación; el territorio, como lugar de pertenencia, pero también de despojo y desplazamiento.
Entre las obras se encuentra el video Una oración para acompañar la muerte (2024), de Elyla, una exploración poética de la violencia, el duelo y la ternura queer; dos máscaras y dos fotografías de KAY, vinculadas a memorias familiares y saberes ancestrales; el retrato de Aerea Negrot realizado por Tomás Eyzaguirre Gubbins; y Autocopias (1974), de Claudio Perna, una célebre serie de obras conceptuales realizadas mediante xerografía (fotocopias).
También se presenta una fotografía de Ruben Barrios-Rodríguez, cuya práctica examina las construcciones culturales de la masculinidad y el deseo; una pieza realizada especialmente para MIRA por Luis Salazar, que juega con los códigos de la publicidad popular y los sistemas de valor del arte; y Testiga (2026), de Sofía Salazar Rosales, que transforma un pequeño tallo de banano en un monumento a los viajes, las conexiones y las huellas de las economías de exportación.
Nuestra presentación se despliega en las zonas de tránsito de la Maison, fuera del formato habitual de exhibición de una feria, y propone un encuentro con el arte contemporáneo latinoamericano desde otros espacios de circulación. Desde su fundación en 2010, Artishock ha dedicado su trabajo a la difusión y discusión crítica de estas prácticas, poniendo en circulación relatos, perspectivas y producciones que con frecuencia quedan fuera de los circuitos de mayor visibilidad. Esta primera participación en una feria europea abre una nueva instancia para proyectar ese trabajo en un contexto internacional y propiciar encuentros entre artistas, públicos y agentes culturales de distintas procedencias.
SOBRE LXS ARTISTAS Y SUS OBRAS
ELYLA | Nicaragua
Artista de performance, investigadorx y activista, Elyla aborda críticamente las narrativas excluyentes del mestizaje, que han borrado —y convertido en mercancía— las identidades indígenas y negras bajo una retórica de inclusión. Para cuestionar esta concepción, le artista acuñó el término «barro-mestiza», con el que reivindica su ascendencia indígena y establece vínculos con las luchas transancestrales, las corpodivinidades precoloniales y la memoria del barro como tierra y suelo. En 2013 cofundó Operación Queer, colectivo que articuló arte, academia y activismo, y que se manifestó públicamente contra la persecución de las disidencias sexuales por parte del gobierno de Daniel Ortega.
Una oración para acompañar la muerte [A Prayer for Tending Death], 2024
En esta película, Elyla aborda la violencia, la muerte y el duelo desde el afecto queer y la ternura. El gallo, símbolo recurrente de la masculinidad en la cultura latinoamericana, funciona como figura de conexión entre dos mundos: el de las peleas, donde las aves se enfrentan hasta que una cae, y otro imaginado por le artista, en el que el animal derrotado es recogido y transformado en una ofrenda. A través de este gesto, Elyla se adentra en el universo heteronormativo y patriarcal de las peleas de gallos para imaginar otros rituales de duelo y sanación colectiva. En la secuencia final, le artista aparece como una criatura sagrada y no binaria, rodeadx de cuerpos queer y trans que celebran la disidencia, el cuidado y la hermandad, en un gesto de acompañamiento a los espíritus de las personas trans desaparecidas.
KAY (Kay Zevallos Villegas), Kay Aswan, Iquitos, Perú, 2024. Impresión con tinta pigmentada por inyección, base de cobre, inscripción manuscrita, 12 x 15,5 cm. Edición 1/3 + 1 AP | Der: Charapa, Iquitos, Perú, 2024. Impresión con tinta pigmentada por inyección, marco de aluminio negro mate, 60 x 90 cm. Edición 1/5 + 2 AP. Ambas cortesía de la artista. Vista de la presentación de Artishock en la feria MIRA, París, 2026. Foto: Mariella Sola/Artishock
KAY ZEVALLOS VILLEGAS (KAY) | Perú
Artista transdisciplinaria, directora escénica, coreógrafa e investigadora, Kay Zevallos Villegas articula saberes heredados, memorias autobiográficas y procesos colaborativos con comunidades amazónicas y contextos migrantes. Creció en Iquitos, en la Amazonía peruana, y su ascendencia quechua constituye un eje central de su práctica. A través de performances, instalaciones y esculturas, investiga creencias populares, leyendas, mitologías contemporáneas y ritos ancestrales, atendiendo a las formas en que los relatos han sido tergiversados por procesos coloniales y poscoloniales para ocultar las violencias ejercidas sobre mujeres, niñas y comunidades vulnerables de su región.
Su trabajo aborda las formas en que los cuerpos amazónicos, especialmente los femeninos y urbanos, han sido inscritos en economías de despojo, representación y control. Mediante el uso de materias recolectadas en su territorio —como escamas y semillas— y objetos asociados a imaginarios tropicales, KAY recupera relatos y memorias transmitidos durante la infancia, transformándolos en formas de confrontación y reapropiación. Desde su experiencia migratoria, el cuerpo y la ritualidad se convierten en medios para reactivar memorias silenciadas y abrir otras posibilidades de existencia y transmisión.
KAY (Kay Zevallos Villegas), Primi-tiva, 2026. Escamas de paiche y arawana trabajadas con esmalte de uñas semipermanente, metal y piedras naturales, 37 x 42 x 24 cm. Pieza única. Cortesía de la artista. Vista de la presentación de Artishock en la feria MIRA, París, 2026. Foto: Mariella Sola/Artishock
Primi-tiva, 2026
Primera máscara que la artista creó en París, Primi-tiva forma parte de una serie de esculturas realizadas con escamas de los peces arahuana y paiche. Inspirada en recuerdos de infancia y saberes amazónicos, la obra establece vínculos entre materia, memoria e identidad cultural, cuestionando las jerarquías entre culturas, cuerpos y formas de conocimiento. Las escamas y las formas semejantes a garras evocan fuerza, protección y resistencia, al tiempo que remiten a la destrucción ambiental y las violencias que afectan a los ríos amazónicos y sus habitantes.
KAY (Kay Zevallos Villegas), Te llevo en mi cuerpo, aunque no conozca tu nombre, 2026. Cuero, crin de caballo, semillas, cintas y tejidos, objetos encontrados, ofrendas y elementos procedentes de intercambios con migrantes, 45 x 20 x 30 cm. Pieza única. Vista de la presentación de Artishock en la feria MIRA, París, 2026. Foto: Mariella Sola/Artishock
Te llevo en mi cuerpo, aunque no conozca tu nombre, 2026
Esta máscara nace de un recuerdo familiar: la figura del abuelo paterno de la artista, quien era el Apu de los Diablitos en Ocros, localidad de la región peruana de Áncash. A partir de esta memoria y de la tradición que representa, KAY transforma el imaginario del diablo, históricamente asociado con lo negativo, lo peligroso y aquello que debe ser expulsado. En la obra, esta figura deja de ser una presencia amenazante para convertirse en un guardián del cuidado y la protección, capaz de acompañar y ofrecer refugio a quienes han sido señalados, perseguidos o situados fuera de la norma.
Claudio Perna, Autocopias, c.1974. Fotocopias, 7 hojas, aprox. 21,5 x 35,5 cm cada una. Vista de la presentación de Artishock en la feria MIRA, París, 2026. Foto: Mariella Sola/Artishock
CLAUDIO PERNA | Italia / Venezuela (1938–1997)
Geógrafo, archivista, explorador y artista, Claudio Perna desarrolló desde mediados de los años sesenta una práctica experimental en la que confluyeron la investigación territorial, la fotografía y el uso de nuevos medios y tecnologías. Su formación como geógrafo y su labor docente en la Universidad Central de Venezuela alimentaron una extensa investigación sobre el país, sus comunidades y sus transformaciones sociales y urbanas. Interesado en las posibilidades de la imagen y los medios de reproducción, exploró procedimientos como la Polaroid, la fotocopia, el fotograma y el fotomontaje, con los que construyó un archivo visual de la vida cotidiana y de su propia identidad.
Autocopias, 1974
En MIRA presentamos el conjunto Autocopias (1974), en el que Perna utilizó máquinas fotocopiadoras como medio directo de creación y autorrepresentación. Mediante el contacto de su rostro, sus manos y distintos objetos cotidianos con el cristal del escáner, el artista produjo imágenes que expandían las posibilidades expresivas de una tecnología entonces asociada principalmente a la reproducción documental. En 1975, la serie dio origen a una exposición individual y a un libro-catálogo homónimo en el Museo de Bellas Artes de Caracas, diseñado por Álvaro Sotillo. Hoy, obras de este conjunto forman parte de importantes colecciones internacionales, entre ellas las del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York.
Rubén Barrios-Rodríguez, Zeus, Ganímedes y el Caribe. Fotografía, 90 x 60 cm. Edición 1/5 | Der: Tomás Eyzaguirre Gubbins, Aerea Negrot, 2020 (para The Rise of the Aphrodites, el calendario The Queerdos 2021 y la revista KALTBLUT). Impresión de arte con inyección de tinta sobre papel Hahnemühle Rag, 40 x 50 cm. Edición 1/5. Vista de la presentación de Artishock en la feria MIRA, París, 2026. Foto: Mariella Sola/Artishock
TOMÁS EYZAGUIRRE GUBBINS | Chile
Artista chileno que vive y trabaja entre Venecia y Berlín, Tomás Eyzaguirre Gubbins dirige su atención hacia aquello que suele pasar desapercibido: personas, objetos y lugares. En su práctica, se aproxima a sus sujetos, los viste, construye escenarios y los fotografía, adaptando el lenguaje visual a las particularidades de cada uno. Su obra se ha presentado en el Museo Collezione Salce (Treviso), Kunsthaus KuLe (Berlín) y Onassis AiR (Atenas), y ha sido publicada en medios como Vogue Italia, Dazed y Nowness.
Aérea Negrot for The Rise of the Aphrodites, The Queerdos Calendar 2021, KALTBLUT Magazine, 2020
En MIRA, Eyzaguirre Gubbins presenta un retrato de Aerea Negrot (Danielle Taboga, 1980–2023), figura emblemática del underground berlinés, cuya presencia escénica conjugaba la energía agresiva de la ciudad con la irreverencia del Caribe. A través de su performatividad, Negrot dejó una huella singular en la noche electrónica europea, donde se convirtió en una criatura del techno, tan magnética como inclasificable. Su cuerpo y sus gestos capturaron la atención de fotógrafos, artistas y noctámbulos, y su imagen llegó a circular en bienales y museos, trascendiendo los espacios de la cultura nocturna.
RUBÉN BARRIOS-RODRÍGUEZ | Barranquilla, Colombia, 1995
Artista multidisciplinario que trabaja con dibujo, fotografía, fotoperformance, video, performance, instalación y objetos. Su investigación visual aborda los estudios de género, las expresiones queer y las relaciones entre sexo, cuerpo y arquetipos de la masculinidad en el Caribe colombiano. El artista examina la construcción cultural de lo masculino y las normas sociales que regulan el comportamiento, la apariencia y el deseo asociados al cuerpo. En su obra, este se convierte en un territorio donde convergen erotismo, restricción, vulnerabilidad y resistencia.
Zeus, Ganímedes y el Caribe, 2026
En esta fotografía, Barrios-Rodríguez recurre a plumas oscuras —asociadas en la simbología popular con aves de corral y gallos— para cubrir los genitales. Este recurso visual establece un juego entre ocultamiento y exhibición, y pone en tensión las nociones de virilidad, animalidad y vulnerabilidad. El título evoca el relato mitológico de Zeus y Ganímedes, incorporando una referencia clásica a una investigación situada en los imaginarios del Caribe colombiano y sus construcciones culturales del deseo masculino.
SOFÍA SALAZAR ROSALES | Ecuador
Sofía Salazar Rosales vive y trabaja entre París y Quito. Recientemente completó una residencia de dos años en De Ateliers, Ámsterdam, tras obtener una maestría con distinción en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA) de París, donde estudió con Tatiana Trouvé, Petrit Halilaj y Álvaro Urbano. Es licenciada en Bellas Artes por la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon (ENSBA Lyon), donde trabajó en los talleres de Pauline Bastard y Niek Van de Steeg.
Su obra forma parte de las colecciones del FRAC Poitou-Charentes, Angulema; Moderna Museet, Estocolmo; Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; y Kunstmuseum St. Gallen, San Galo.
El trabajo de Salazar Rosales parte de una frase escrita por la propia artista: «Hay cuerpos cansados por el viaje que buscan enraizarse». Su investigación se centra en la capacidad de los objetos para revelar contextos sociales, políticos y económicos, particularmente aquellos relacionados con el desplazamiento de personas, mercancías y otros bienes.
Testiga, 2026
Esta escultura parte de un pequeño tallo de banano que la artista conservó a lo largo de sus viajes entre Ecuador y Europa. Mediante un proceso de transformación en bronce, este resto orgánico adquiere la condición de monumento y se convierte en un testimonio material de los desplazamientos de personas y mercancías, así como de la memoria, los vínculos y los trayectos que conectan territorios.
LUIS SALAZAR | Venezuela
La cultura de masas, las tensiones entre lo popular y lo culto, la historia del arte y los códigos de la vida urbana y callejera se entretejen en la obra de Luis Salazar para construir una mirada sobre la identidad local y los sistemas de valor simbólico y económico de la sociedad venezolana contemporánea.
Sus carteles, que fijan el valor monetario de servicios públicos, anuncian productos de consumo cotidiano o promocionan objetos diversos, emulan los avisos populares de venta. Generalmente, estas imágenes incorporan referencias a las artes visuales, como ocurre en la obra realizada especialmente para MIRA, Artishock. Se venden frutas y artistas exóticos.
Conocido por trabajar sin bastidores sobre soportes textiles crudos, como la tela de saco o el yute, Salazar presenta también una pintura de su serie Tropicalia produits (Lygia Clark) (2026), realizada sobre un saco de café. La inscripción «Ligia Clark. Perfume de Jasmín» sigue la línea de otras piezas, como Lygia Clark Soap, en las que transforma a esta figura emblemática del neoconcretismo brasileño y del tropicalismo en una marca ficticia de productos cotidianos y de tocador.
Artishock en Media Partner de MIRA.
Fuente: Artishock Revista
Estudio EA