En este taller exploraremos el proceso de reiluminación en entornos 3D. Motor irrealinspirándose en el luminismo y la escuela del río Hudson. En lugar de aspirar a un realismo estricto, el proyecto se centró en traducir algunas de las cualidades pictóricas de la luz al espacio digital, centrándose al mismo tiempo en la atmósfera, la emoción y la narración. (Lea nuestra colección Tutorial de motor irreal para más consejos. )
Luminismo, siglo XIX. movimiento artísticofamoso por su paisaje tranquilo, su luz clara y tranquila y su estado de ánimo reflexivo. Los pintores de la Escuela del Río Hudson, como Frederick Church y Albert Bierstadt, transmitieron inmensidad y profundidad manteniendo la calma y la armonía. Aquí, consideraremos cómo algunos de estos métodos visuales (transiciones suaves, composición equilibrada y la interacción sutil de la luz y la atmósfera) pueden informar la iluminación de entornos en tiempo real.
01. Configurar el proyecto Unreal Engine
Antes de sumergirnos en la iluminación, es importante configurar correctamente su proyecto de Unreal Engine. En la configuración del proyecto, habilite el trazado de rayos por hardware y ajuste los lúmenes para obtener resultados de mayor calidad. A continuación, dirígete al menú Complementos para activar algunas herramientas clave que te resultarán útiles más adelante: Dispersión de niebla en el espacio de pantalla, Fondos HDRI y Cola de renderizado de películas para el renderizado final.
02. Revisa tus materiales
Una vez listo el proyecto y abierta la escena, compruebo que el material reacciona correctamente a la luz. Primero verifiqué los valores de albedo para evitar texturas demasiado oscuras o demasiado claras, especialmente cuando se colocaban una al lado de la otra, ya que podrían quedar subexpuestas o sobreexpuestas una vez iluminadas. También reviso la coherencia de los mapas de rugosidad, metálico y normal. Para hacer esto, selecciono Iluminado > Visualización del búfer en la ventana gráfica.
03. Establecer una base narrativa
Una configuración de iluminación potente suele comenzar con una historia. ¿Quién entrará a este lugar? ¿Qué harán aquí? ¿Qué elementos deberían llamar la atención? Estas preguntas pueden ayudarle a guiar sus decisiones de iluminación. En mi caso quería representar a un caballero a punto de entrar en un castillo. Pensar narrativamente desde el principio ayuda a visualizar la dirección de la luz y la intención emocional.
04. Recopilar materiales de referencia.
Las referencias son una base valiosa para cualquier estudio de iluminación. Para este proyecto, coleccioné pinturas de la Escuela del Río Hudson para examinar cómo los artistas luministas capturaron la profundidad, la suavidad y la atmósfera. Las buenas referencias pueden ayudar a definir el tono, la narración y la intención emocional. Herramientas como PureRef o Miro son excelentes para crear paneles de estado de ánimo organizados y mantener una dirección visual constante.
05. Aplicar cambios inversos
Un concepto clave que tengo en mente para mejorar la legibilidad es la variación inversa, que implica crear contraste colocando formas oscuras frente a formas claras, o viceversa. Este principio mejora la profundidad, aporta claridad a la composición y, naturalmente, lleva la mirada del espectador al punto focal. En este proyecto lo usé para mantener la parte superior del castillo a la sombra del cielo brillante, haciendo que el castillo destaque.
06. Configurar la cámara
Ya sea que estés intentando iluminar un entorno de juego o crear una pieza visual independiente, establecer una cámara principal suele ser muy útil. Sirve como punto de referencia constante para evaluar el progreso y el equilibrio visual.
Regularmente tomo capturas de pantalla de esta cámara para comparar iteraciones y realizar un seguimiento de las mejoras. Usar Cinematic Camera Actor fue particularmente útil porque simulaba lentes, profundidad de campo y distancia focal del mundo real, lo que me ayudó a lograr un resultado más fotográfico.
07. Aplicar los principios de BMS
Me gusta seguir un enfoque “grande, mediano, pequeño” cuando trabajo con iluminación. Implica comenzar con la fuente de luz primaria y luego avanzar hasta las fuentes de luz secundarias y terciarias. Este método actúa como un embudo y le ayuda a notar cosas que no le parecen bien desde el principio. En escenas al aire libre como esta, normalmente comienzo con la luz del cielo, ya que define el equilibrio de iluminación global y la dirección del entorno.
08. Elementos esenciales de Tianguang
La colocación de claraboyas determina la dirección de las sombras y el tono ambiental. Para este proyecto utilicé una llamativa textura de cielo hecha por Velarion. Si bien el cielo en sí es principalmente amarillo, apliqué un sutil tinte azul a la luz del cielo. El contraste de color entre las luces cálidas y las sombras frías realza la profundidad y la armonía. La idea aquí es enfatizar el sentimiento sagrado y épico común en las pinturas de Albert Bierstadt, como “Sierra Nevada de California”.
09. Ajustes de la luz principal
La siguiente es la luz de la tecla de dirección. Utilicé un sol cálido y de ángulo lateral bajo para simular la luz de la tarde, realzar la arquitectura y crear volúmenes suaves. Para esta imagen fija, habilité sombras con trazado de rayos para mejorar la claridad y el realismo. Agregar una textura de galleta como máscara sobre una luz introduce una iluminación natural irregular, que recuerda a la iluminación suave y desigual que se puede ver cuando las nubes cruzan el sol. Si las sombras son demasiado nítidas, aumente el ángulo de la fuente de luz para suavizarlas.
10.Introducción de la dispersión de niebla
La niebla atmosférica es clave para la profundidad visual. Utilicé un volumen de niebla de altura exponencial configurado en modo volumen, con un tinte azul suave y un ligero desplazamiento inicial para mantener la nitidez del primer plano. El complemento Screen Space Fog Scattering (de Dmitry Karpukhin) mejora la forma en que la luz se difunde en la niebla. Simula un sutil efecto de neblina, añadiendo cohesión y suavidad pictórica a diferentes niveles del entorno.
11. Coloca tarjetas de niebla para crear profundidad.
Para mejorar la sensación de separación entre el primer plano y el fondo, coloqué tarjetas de niebla translúcidas a diferentes profundidades para recrear las capas en forma de valle. Este enfoque se inspiró en la perspectiva atmosférica que se encuentra en la pintura luminosa. Para esta escena utilicé EasyFog de William Faucher, que se mezcla naturalmente con la niebla volumétrica. Pero tenga cuidado: demasiada opacidad puede reducir fácilmente la credibilidad.
12. Ajuste de volumen de gradación de color y posprocesamiento
Dentro del volumen de posprocesamiento, primero optimizo la exposición local para preservar los detalles en toda la gama tonal y evitar los negros aplastados y las luces demasiado brillantes. Luego continué con la gradación de color: enfriando las sombras con sutiles tonos azules y elevando los medios tonos y las luces para mejorar el contraste y los niveles de enfoque. Esto ayuda a fortalecer la composición piramidal, dando a la iluminación general coherencia y equilibrio narrativo.
13. Usando Bloom de Convolución
Bloom juega un papel importante en esta pieza, reforzando su carácter suave y onírico. Inspirándome en las representaciones de cielos radiantes de los pintores luminosos, aumenté cuidadosamente la intensidad del halo de convolución para crear una suave difusión de la luz en áreas brillantes. La clave es la moderación: demasiada floración puede reducir el contraste y la profundidad. Los ajustes sutiles preservan la legibilidad y al mismo tiempo dan a la escena un brillo brillante, casi etéreo.
14. Ajustes finales en DaVinci Resolve
En esta etapa, la imagen está completa en un 95%, pero me gusta pulir los detalles en DaVinci Resolve. Agregué un poco de grano de película, un brillo tenue y luz para enfatizar el aspecto “sagrado”. Estos efectos no son necesarios, pero pueden ayudar a cerrar la brecha entre la representación digital y la suavidad de la pintura luminosa.
